Hacia 1964 de regreso a EE.UU. tras vivir unos años en Europa, Leon Golub se implica directamente en las protestas contra dicho conflicto. En un momento en el que el mundo del arte estaba volcado en el arte conceptual y minimalista, alejado de cualquier relación con la realidad inmediata, política y social, la obra de Leon Golub se presenta como una propuesta valiente, coherente y muy personal, donde la pintura figurativa es el medio de expresión del conflicto histórico que se estaba viviendo en ese momento, una pintura del aquí y del ahora. Una de sus obras más conocidas, que cuelga en las paredes de la Tate, es precisamente Vietnam II, también de este periodo. Las pinturas que presenta Anthony Reynolds son algo posteriores a esta primera etapa en la que Golub decide abordar de forma directa la iconografía de la guerra en sus detalles más ordinarios. Los uniformes, las armas se convierten en imágenes violentas por la forma tan directa y real con la que están representadas, estar ante una pintura de Golub es tomar conciencia de hasta qué punto nuestra percepción del conflicto está mediada por la abstracción, tanto en el arte o en los medios de comunicación. De hecho el conflicto que describen las pinturas no está desligado del conflicto que en su momento vivió el artista en relación a su propia obra. Como reacción algunas obras de este periodo aparecen cortadas, lo vemos aquí en la serie Mercenarios, las telas, austeras, desnudas de cualquier marco y colgadas directamente en la pared están incompletas, son cortes dramáticos, la tela aparece como una piel fragmentada. Este gusto por el corte llega a su máximo expresión en las Napalm Gates, tal vez la más abstracta de las obras de Golub, una reinterpretación simbólica de las puertas de los Leones de Knossos, en clave contemporánea, la destrucción de las puertas de una ciudad desfigurada por el efecto del Napalm.

Victoria Miro inaugura nuevo espacio con una exposición clásica, a pesar de que las obras se cuenten entre la reciente producción de su artista. Desde que en 1959 inaugurara su primera exposición individual en la Bratta Gallery de Nueva York, Kusama ha vuelto de forma intermitente a producir la serie Infinity Nets que la hizo famosa en la escena artística estadounidense de los sesenta. Artista obsesiva como ella misma se autodefine, en Victoria Miro cuelgan nueve pinturas en blanco, el mismo color sus primeras Nets. La pintura de Kusama es aparentemente monocromática  pero al acercarse, la tela desvela poco a poco el complejo sistema que le da forma. Los nudos se unen formando una red, un over-all que da lugar a una especie de paisaje entrópico fruto de la angustia de la artista ante la idea de lo infinito. El uso del blanco, la referencia a la luz y el juego entre oscilante entre dos planos, el físico de la superficie de la tela, y el espacio infinito e inmaterial al que hace referencia la intricada red de pinceladas, nos recuerda que la obra de Kusama no se aleja de las investigaciones de artistas como Lucio Fontana, Piero Manzoni o Yves Klein. En una sala adyacente a las pinturas, se ve una instalación, una mesa apareada para comer, las sillas y el armario-alacena, también en blanco, se ven cubiertas por una red, ahora sí, real que las cubre. Yayoi Kusama menciona en una entrevista, que tras iniciar al serie de Infinity Nets, su estudio empezó a cubrirse de la red blanca de tal modo que hasta los muebles parecían absorbidos por la pintura. Si la tela es la imagen de ese espacio mental del artista, obsesivo en el caso de Kusama, la instalación es la prolongación de la esfera de lo mental al plano de lo real.