domingo, 6 de abril de 2014

Piero Manzoni embalsamado en el Palazzo Reale de Milano

No hay cola en la taquilla para entrar a visitar la exposición monográfica de Piero Manzoni en el Palazzo Reale de Milano, pero sí poco personal para atender al visitante. La chica que vende las entradas no aparece, las vigilantes de sala se excusan ante las personas que estamos a la espera de comprar la entrada, y acto seguido siguen discutiendo entre ellas con cierto aire de indignación -insomma propio questa!-  exclaman señalando el cartel que anuncia la exposición de Manzoni. La imagen no es otra que la famosa lata con la merda d’artista ampliada, el señor que está tras de mí, vestido con gabardina, zapatos de piel y gafas de diseño italiano, se interesa por el comentario de la vigilante y le pregunta si no le aparece apropiada la imagen seleccionada –beh no!- le responde la vigilante, -qué ganas de elegir la obra más fea de la exposición-  el hombre asiente y le da la razón, hay obras de Piero Manzoni mil veces más bellas y poéticas, la sentencia suena a pertenencia, la obra de Manzoni como una aportación valuosísima a la historia del arte, italiano por supuesto.

Piero Manzoni 1933-1963, Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Palazzo Reale, Milán, marzo 2014. Foto: Camilayelarte
Piazza Duomo frente al Palazzo Reale. Milán, marzo 2014. Foto: Camilayelarte

Poesía y belleza no son dos de los adjetivos que me vienen a la cabeza cuando pienso en Piero Manzoni sino más bien otros como humor, ironía y ligereza, entendida ésta a la manera de Italo Calvino, pues una de las mayores aportaciones de Manzoni al arte de los años sesenta fue precisamente la de sacarle peso al arte, del mismo modo que Calvino hizo con las figuras humanas, los cuerpos celestes y las ciudades.
Uno no se despega de la tierra corriendo o saltando, hacen falta alas, sostenía Piero Manzoni, cuya actitud sintetiza el clima artístico y de experimentación que la ciudad de Milán vivió entre 1958 y 1968, una década que el artista abandonó abruptamente a medio hacer, en 1963, al morir con tan sólo 30 años. Hablo de actitud y no de obra porque creo que el trabajo que llevó a cabo Piero Manzoni es junto con el de Yves Klein y Marcel Duchamp el más logrado en relación a la desmaterialización del objeto artístico, no porque ellos no crearan objetos, lo hicieron a diferencia de los artistas conceptuales que llegaría tras las década de los sesenta, sino porque su aportación fundamental para la historia del arte se haya en  la actitud que tomaron en relación a la naturaleza del arte, a pesar de que dicha actitud dejara restos materiales. La actitud de los tres es lo más cercano que el arte ha estado jamás de la vida. 

Piero Manzoni 1933-1963, vista parcial de la exposición. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Marcel Duchamp sostenía que las obras de arte viven y mueren como los seres humanos, que hay un momento, unos cincuenta años tras su creación en la que la obra de arte pierde la vida y pasa a ser historia del arte. Piero Manzoni murió hace cincuenta años y a pesar de que no me atrevo a decir que sus obras estén muertas, si por obra entendemos la actitud, sí tengo mis dudas con respecto a que una exposición museográfica pueda mantener o transmitir el mensaje de sus obras. La exposición en Palazzo Reale es un ejercicio de fetichismo  no causado por los organizadores de la muestra sino por el propio sistema del arte. 


Piero Manzoni 1933-1963, vista parcial de la exposición. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte
Piero Manzoni 1933-1963, detalle de un Achrome en muestra. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte
Piero Manzoni 1933-1963, vista parcial de la exposición, en primer término el Socle du monde (1961). Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

La exposición è bella, una retrospectiva en toda regla donde podemos ver claramente las aportaciones de Piero Manzoni a la evolución del arte: la superación de la pintura como espacio de representación, el arte como concepto, el arte relacional y la crítica al sistema del arte. Estos temas no aparecen articulados en el discurso expositivo pero se deducen al ver las obras en muestra. Los grandes protagonistas de la exposición son los Achromes, probablemente la producción más numerosa del artista, el manifiesto pictórico cero, la tabula rasa que rompe con el subjetivismo del expresionismo abstracto, una pintura blanca en yeso y caolino, una superficie liberada, vacía, un espacio total de significado ilimitado que no representa, simplemente es y que irá evolucionando desde las telas arrugadas, al algodón, la fibra en forma de pelo o los panes, los Achromes abren y cierran la exposición. Superada la problemática pictórica, Manzoni da un paso más hacia el arte conceptual con las Linee, simples líneas trazadas sobre papel  encerradas en estuches que no deben ser abiertos (aunque la historia lo haya hecho) una obra imaginada por el espectador, mental, anti-retinal, un pacto tácito entre el artista y el público. Sin éste último el arte no tiene sentido, el público es parte fundamental para la creación de la obra, así lo demuestra el pedestal sobre el que subir para convertirse en obra de arte o la invitación a ingerir los huevos duros con la huella dactilar del artista, consumir la obra de arte, digerirla para no dejar rastro, o sí, en el caso de la mierda de artista enlatada y sellada para su distribución mercantil, cuyo valor es el equivalente a su peso en oro. 

Merchandising relacionado con la exposición en venta a la salida de la exposición. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte
Reproducción de la Merda d'artista empaquetada y sellada con la huella dactilar de Piero Manzoni en venta por 30€, la reproducción incluye el peso de la mierda. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Souvenirs varios de la exposición. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

No puedo evitar sentir cierto desconcierto ante la suerte de la obra de Manzoni, su burla al mercado del arte junto con los restos de los huevos duros me provocan cierta tristeza, cualquier actitud crítica para con el sistema acaba siendo absorbida por el propio sistema, algo parecido a lo que pasa con las réplicas del urinario de Duchamp
El mercado del arte no acepta burlas, la mierda de artista vale más que su peso en oro, sé que el valor no está en el objeto, es decir en la lata o su contenido sino en la significación que la actitud artística de Piero Manzoni ha tenido en la evolución de la historia del arte, de ahí su valor dentro del mercado, pero aun así no puedo evitar sentir cierto desencanto ante el resto del huevo duro conservado en una vitrina. A lo largo de la historia ha habido arte efímero, muchas de las prácticas conceptuales han propuesto arte efímero pero la necesidad de un registro objetual se impone no sólo por la voluntad de hacer historia sino porque el mercado del arte así lo requiere. ¿Sin mercado del arte hay historia del arte? personalmente creo que no. 
Hay una obra de Piero Manzoni que me parece de las más poéticas y conseguidas de su trabajo, se trata del Socle du monde, un pedestal con la inscripción girada al revés, un zócalo que sostiene el mundo, el mundo y la vida como obra de arte. Esta obra está presente en la exposición y me ayuda a leer la muestra no como una monografía de la trayectoria de Manzoni, encerrada en una cronología concreta, sino como una invitación a entender el arte y su sistema como espectáculo sin que la actitud de Piero Manzoni pierda un ápice de actualidad, alertando claramente que hacia dónde debemos dirigir la mirada no es hacia la lata o el huevo duro sino hacia lo que el sistema ha hecho con ellos. 

Piero Manzoni 1933-1963
Palazzo Reale 
Milano, Italia
del 26 de marzo al 02 de junio de 2014
Precio: 11€


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martes, 11 de marzo de 2014

¿Por qué no sonríen?

En su último libro, Kassel no invita a la lógica, Enrique Vila-Matas hace mención a un detalle aparentemente irrelevante, al buscar información sobre Chus Martínez, agente curatorial de Documenta 13 que apenas lo ha invitado a participar en la muestra, Vila-Matas destaca que todas las imágenes encontradas de la comisaria tienen un denominador común, en ellas  Chus Martínez nunca sonríe. ¿Pero acaso es sólo ella? ¿Es que Chus no tiene sentido del humor? Seguramente en su vida privada y hasta en su trabajo Chus se ríe mucho, muchísimo, pero en las imágenes que oficialmente circulan sobre ella no se nos permite intuir que el sentido del humor forme parte de su personalidad y mucho menos que este sentido pueda ser utilizado como arma de trabajo. El 90% de imágenes que circulan en internet sobre comisarios de arte contemporáneo responden a un canon, el de persona concentrada, seria, sin debilidades ni fisuras, tal vez ni queriendo podrían mostrarlas, ellos son la teoría, el marco institucional por el que el arte queda validado como tal.

Chus Martínez (Directora del Instituto del Arte de Basilea), Klaus Biesenbach (Director del MoMA PS1), Bartomeu Marí (Director del MACBA), Adam Szymczyk (Comisario de dOCUMENTA 14), Nancy Spector (Comisaria del Guggenheim de NY) y Hans Ulrich Obrist (Comisario)

Todos los oficios tienen imágenes estereotipadas y por lo tanto sus códigos de presentación. Pongamos por ejemplo el oficio de escritor, una fotografía nos lo mostrará en una biblioteca, la suya, la de su casa, preferentemente poco ordenada, el autor con mirada algo miope si es que no lleva gafas sostendrá un cigarrillo en la mano, si hay una mesa frente a él seguro no falta un vaso en el que podamos prefigurarnos el whisky que a menudo acompaña su solitario trabajo, la vestimenta estará estudiadamente descuidada, si es hombre su cuerpo no delatará horas de gimnasio, a partir de cierta edad algo de barriga es bienvenida, la mujer como siempre está algo más condicionada pero tampoco puede alardear de horas ante el espejo, eso sería percibido como un signo de frivolidad y a la larga iría en detrimento a la valoración de su escritura. Todo ello responde a una escenificación, ya no sabemos si más o menos involuntaria del oficio de escritor. Así como cuando un actor recorre la alfombra roja de los Oscar está representando un status, el de estrella de Hollywood, del mismo modo el comisario de arte contemporáneo representa el suyo, no puede sonreír, no debe sonreír porque el arte contemporáneo no hace reír, al menos eso parece decirnos el rictus de su rostro. No hay margen para el humor.

Massimiliano Gioni se salta el canon junto a Paolo Baratta en la presentación de la Biennale di Venezia . Foto: vía Artribune

Carolyn Christov-Bakargiev recibe al público de documenta 13 con los brazos abiertos. Foto: vía Exibart

Sin embargo, si le echamos un ojo a Artforum veremos que en su edición digital siempre hay un artículo más parecido a una sección del ¡Hola! que de otra cosa, en el que tras un evento como una feria, bienal, super inauguración o cualquier celebración artística por el estilo, se reseña el dónde ha estado quién y con quién, se fotografían las fiestas y los eventos sociales a menudo más fundamentales para el arte (y temo para cualquier ámbito de trabajo) de lo que nos gustaría reconocer. En estos artículos no se aprende nada a nivel de arte pero sí a nivel sociológico y antropológico, aquí los comisarios aparecen más relajados, sí, humanos, con la copa en la mano, también algo frívolos para que negarlo. Me pregunto qué pasaría si los comisarios, críticos y directores de museo relajasen por un momento la expresión de sus caras en sus presentaciones ante el público a nivel institucional, si en lugar de parecer que nos reciben para ir al patíbulo, sus caras buscasen la empatía de los que nada sabemos sobre arte y sin embargo nos llama la curiosidad. Si el arte es la expresión máxima de la libertad de pensamiento, de acción y de emoción, por qué quienes trabajan con él, quienes nos lo explican insisten en mostrar una imagen tan rígida cuando lo representan ¿y si el acortar distancias entre el arte y el público empezara por un cambio de actitud en sus mediadores? Documenta 13 fue una exposición fantástica, en caso de no haberlo sido la actitud y la expresión de su comisaria, Carolyn Christov-Bakargiev, el día de su presentación hubiese dejado entrever al menos una cosa, que se lo había pasado en grande organizando la muestra.

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sábado, 8 de marzo de 2014

Grandes momentos eróticos del arte: Hannah Wilke

Hannah Wilke, Sweet Sixteen, 1978. Foto: Camilayelarte
Allá por los años sesenta la artista norte-americana Hannah Wilke (1940-1993) creaba sus denomindas Cunt sculptures o lo que es lo mismo, esculturas coño. Lo crudo del título no se corresponde con la frágil y sensual belleza de los pliegues que dan forma a sus esculturas, un perfecto equilibrio entre la claridad formal y la abstracción. Son vaginas sí, no hay duda, pero tan delicadas que podrían ser resultado del azar o de la propia naturaleza, piedras esculpidas por efecto del agua y el aire que acaban tomando forma involuntariamente antropomorfa. Sin embargo las esculturas-coño de Wilke son la respuesta al largo número de penes con los que se ha nutrido la falocéntrica historia del arte. 
Pocas son las ocasiones en las que el sexo femenino se ha representado tal y como es, ni siquiera una obra tan literal como L'origine du monde de Courbet deja entrever la verdadera forma o textura de una vagina. Aun en su abstracción, reconocemos en los pliegues, huecos y vacíos de las cerámicas de Wilke la verdadera forma de los genitales femeninos, y no sólo, sino también y de forma fundamental su riqueza y multiplicidad formal. Su sensualidad y erotismo se manifiestan no sólo a través de la forma sino del material utilizado, terracota o cerámica vidriada la mayoría de las veces, materia viva que nos recuerda al kitsch Lucio Fontana, cuyos tajos sobre la tela en busca del espacio pictórico más allá de ésta no se hallan tan lejos de la metáfora del sexo femenino, o bien un material sintético como el látex, cercano al trabajo de Eva Hesse por esos mismos años y cuya textura ofrece nuevas posibilidades expresivas. 
La fragilidad y poética de estas esculturas, producidas en los primeros años de la carrera de Hannah Wilke, contrasta con la obra de buena parte de las artistas que a lo largo de los sesenta y setenta reivindicaron un arte feminista a través de la acción y la exposición del cuerpo, quedando pues como manifiesto formal y objetual de la presencia de la mujer en la historia del arte de finales del siglo XX.

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domingo, 23 de febrero de 2014

ARCO 2014: Entrevista a Monika Branicka y Asia Zak -Zak Branicka-

Monika Branicka y Asia Zak. Foto: via artnet
En la historia del arte más reciente destacan dos deudas fundamentales, por un lado insertar en los discursos históricos el arte producido en los países externos al eje Europa/EEUU y por el otro revalorizar la obra de artistas que en su momento quedaron fuera del mercado del arte y cuya obra es fundamental para entender las prácticas artísticas del presente. La galería Zak Branicka cumple con ambas funciones, trabaja con el arte de la Europa del Este, desconocido a gran parte del público y omitido hasta hace poco por los historiadores, a través de un diálogo intergeneracional entre artistas de los años sesenta y setenta y artistas contemporáneos, mostrando la continuidad entre el trabajo de uno y otros. Esta metodología que no cierra la práctica del arte en fronteras cronológicas y que lo entiende como forma fluida y dialógica es esencial para comprender y analizar críticamente el arte del presente.

El arte contemporáneo todavía se explica desde una narrativa centralista que deja al margen experiencias como las de la Europa del Este o Latinoamerica ¿Qué papel juega vuestra galería en el desarrollo de lecturas alternativas en relación a la historia del arte en Europa?
Zak Branicka se especializa en arte de la Europa del este, principalmente de Polonia, pero también representa artistas de Croacia, Macedonia y Austria. Pretendemos compartir y focalizar la atención sobre la obra de estos artistas que hasta hace poco no habían recibido el reconocimiento que merecían. La Europa del Este siempre ha sido parte de Europa pero la gran mayoría de instituciones han elegido ignorar estos artistas y centrarse en artistas de la Europa occidental. Nuestra finalidad es la de enfatizar que la historia del arte no sólo pertenece a Occidente sino también a Oriente y re-direccionar esta falta de apreciación del arte de la Europa del Este. Nos alegra ver que instituciones como la Tate o el Pompidou han mostrado a través de recientes exposiciones su interés y que el foco se está moviendo hacia allí. Parece que las instituciones de Occidente están intentando recuperar el tiempo perdido.


Vista de la exposición de VALIE EXPORT en Zak Branicka, Berlin, 2013. Foto: Camilayelarte



A pesar de su origen polaco, la galería está localizada en Berlín, ¿todavía debemos considerar Berlín como una ciudad que conecta la Europa Oriental con la Occidental?
Berlín supone una base ideal para llevar a cabo nuestro objetivo. La ciudad  ha funcionado y todavía funciona como axis entre el Este y el Oeste. Por otro lado su vibrante escena artística internacional proporciona una plataforma perfecta para poner en muestra la obra de nuestros artistas y aumentar la visibilidad de la Europa del Este.

Vuestro programa expositivo es bastante intergeneracional aunque focalizado en arte conceptual del Este. Cómo elegís a los artistas con los que trabajáis?
En nuestra galería exponemos artistas de tres generaciones distintas. La primera está representada por artistas de los años setenta, pertenecientes a la segundas vanguardias; entre ellos se incluyen Zofia Kulik, Ryszard Wasko, un artista austríaco, VALIE EXPORT, y Roman Opalka, recientemente fallecido. La segunda generación comprende artistas de los noventa cuyo trabajo es muy crítico e incluye a figuras como Joanna Rajkowska y Katarzyna Kozyra. Finalmente los trabajos de la generación más joven, entre ellos Agnieszka Polska están conectados con la vanguardia de los setenta, su lenguaje e iconografía se desarrolla desde ésta. Estas tres generaciones a menudo utilizan el lenguaje de la performance, el cual nos interesa especialmente.

Vista de la exposición de Joanna Rajkowska en Zak Branicka, Berlin, 2012. Foto: Camilayelarte

En 2011, el MACBA en colaboración con la Galeria Ljubljana entre otras, organizó la exposición El museu de las narratives paral·leles, como un intento de construir una historia paralela del arte europeo. La ZAK-Branicka Foundation desarrolla alguna actividad conjuntamente con museos o programas públicos?
La ZAK Branicka Foundation, con sede en Cracovia, tiene como finalidad el desarrollo de actividades que sirvan de apoyo a la galería en la construcción de un network entre artistas de la Europa del Este  junto con Instituciones culturales internacionales. En paralelo a la colaboración con museos, galerías y ferias de arte, la fundación también edita libros como POLISH! publicado con Hatje Cantz y escrito por comisarios internacionales  con la finalidad de aportar una lectura occidental sobre artistas del Este. El diálogo de la Fundación con las instituciones, comisarios e historiadores del arte ayuda al desarrollo de nuestra investigación y estimula el intercambio cultural. Por otro lado también editamos cuatro números anuales del diario Zak Branicka. Recientemente hemos colaborado con Zero Books en la publicación del libro de Joanna Rajkowska Where the beast is burie,mientras trabajamos con Hatje Cantz para la publicación de un libro sobre Dominik Lejman.
El año pasado la galería organizó una exposición del Grupo Gorgona de especial importancia puesto que dio a conocer las ideas innovativas de Gorgona entre los principales museos y figuras del mundo del arte. Por el momento estamos trabajando en un programa para coleccionistas jóvenes de la Europa del Este.


Stand de Zak Branicka en Artissima 2013. Foto: Camilayelarte
Stand de Zak Branicka en ARCO 2014. Foto: Camilayelarte

ARCO es una feria del sur de Europa particularmente conectada con Latinoamérica, como valoráis participar en ella?
Esta conexión es importante puesto que el arte de Latinoamérica tiene muchos puntos en común con el arte polaco. La herencia de ambos se halla en la abstracción-geométrica de las primeras vanguardias y el arte conceptual; se podría decir que Lygia Clark es al arte Latinoamericano lo que Katarzyna Kobro al arte de Polonia. Esta conexíón es fundamental puesto que no existe en ningún otro lugar de Europa. Nuestra historia del arte es muy similar, ya sea por sus raíces y por el hecho de que quedó relegada a un margen en el pasado.
ARCO 2014 es una fantástica oportunidad para mostrar el talento de nuestros artistas, estamos contentos de participar en ella. ARCO proporciona a galerías de muy diversa procedencia la ocasión de poner en muestra sus obras, así que es una ocasión estupenda para descubrir talentos artísticos de todas partes del mundo. En ARCO esperamos que nuestros artistas, al entrar en muestra con artistas de distintas partes del mundo, puedan integrarse en el contexto internacional del arte.

Zak Branicka
Pabellón 9 - Stand 9C10
Programa General - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

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sábado, 22 de febrero de 2014

ARCO 2014: Entrevista a Francisco Salas -Galería PM8-

J. Pedraza, F.Salas y L. Martínez Troncoso. Foto: Adán Vallecillo
Las ferias se aproximan cada vez más al modelo de las bienales, las galerías por su parte se acercan al modelo de los centros de arte. Partir de la investigación como forma de trabajo supone entender el espacio de la galería mucho más allá de su función comercial, apostando por un modelo que no puede estar desligado del trabajo de críticos y comisarios. Parece que nos acercamos a una etapa en la que se desintegran los límites de las funciones de todos aquellos agentes que intervienen en el sistema del arte. La galería PM8, dirigida por Francisco Salas, es ejemplo con tan sólo tres años de vida del cambio de paradigma que está por llegar.

PM8 es una galería muy joven, cuéntanos cómo nace el proyecto.
PM8 es un proyecto que nace con el propósito de trabajar desde una premisa curatorial y con la intención de re-pensar la galería. Plantear el trabajo desde la investigación y el rigor. Crear proyectos en los que construir con los artistas a través del diálogo y el intercambio, propuestas específicas que permitan el mejor entendimiento y la más cuidada percepción y presentación de su obra. Generar un pensamiento crítico a través del arte y convertir a la galería en esa plataforma compleja, rica y más humana en la que tengan cabida diversas dinámicas de trabajo más allá de la comercial. Trabajar en, por y desde el contexto del arte.

En vuestro programa expositivo predominan artistas emergentes per también figuras como Fina Miralles, ¿qué papel juega este diálogo intergeneracional?
Es necesario e enriquecedor, los intereses de los artistas van más allá de lo puramente generacional, es interesante encontrarse en los mismos lugares que personas que por generación están lejos, pero que sin embargo comparten una misma línea de pensamiento, de vida y por supuesto de trabajo. Quizás la forma, el modo de llegar a ello, y también como se expresa sea distinta, pero las preocupaciones son siempre las mismas. Dialogar desde la distancia temporal para encontrarse en la cercanía del pensamiento es fantástico.

Adán Vallecillo, Pintura Política, 2013. Vista de la instalación en PM8. Foto: PM8
Loreto Martínez Troncoso, La llamada (Contigo y sin ti), 2013. PM8. Foto: PM8

¿De qué modo apostar por artistas jóvenes condiciona el modo de trabajo de una galería?, ¿qué diferencia se puede percibir en relación al planteamiento de una galería más tradicional?
Trabajar con artistas que comienzan es lógico por que esta es una galería joven, además una de las ideas detrás de este proyecto es precisamente la de crecer, evolucionar y avanzar juntos. La labor de promoción que recae en nuestras manos es fundamental para posicionar el trabajo en los mejores contextos internacionales, no solo a través de ferias, también convirtiéndonos en los mejores interlocutores entre sus propuestas y otros agentes clave como comisarios, instituciones, críticos o coleccionistas. Y esa parte de nuestro trabajo es muy importante, por que en nuestras manos está el cómo llega y cómo es percibida la obra, por eso es crucial trabajar desde la máxima exigencia y desde la excelencia.

Stand de PM8 en ARCO 2014. Foto: Camilayelarte
Stand de PM8 en Artissima 2013. Foto: Camilayelarte

PM8 se encuentra en Vigo, Bacelos, una de las galerías de referencia en Galicia ha abierto sede en Madrid, también lo ha hecho NoguerasBlanchard de Barcelona, ¿la escena artística española tiende inevitablemente al centralismo?
La localización no determinan la vigencia, relevancia o el interés de un proyecto. Lo importante es construir desde unas premisas de rigor y calidad, trabajar desde y por la excelencia, factores todos ellos independientes o ajenos a la situación geográfica. Además tanto los artistas como los galeristas tenemos movilidad; el acceso a las ferias internacionales y los viajes de investigación y trabajo (fundamentales para la expansión del proyecto) proporcionan esa visibilidad real y despiertan el interés si realmente tenemos algo que decir. La internacionalización de un proyecto es un trabajo arduo que se puede lograr desde cualquier lugar, siempre que haya o se cumplan esas premisas de excelencia.

Estamos en un contexto nacional que determina ciertas dinámicas, pero los proyectos que tienen una vigencia mas allá de nuestras fronteras saben que hoy solo la creación de una red de trabajo global y de intercambio entre países, es lo que generará que un proyecto pueda seguir avanzando, y esto está más allá de estar en una ciudad u otra. Si el trabajo realizado tiene interés y es riguroso se verá, no hay más límites que los que cada uno se quiera poner a sí mismo. Quizás se tarde más tiempo en llegar, ya que ese tipo de proyectos requieren mucho esfuerzo y dedicación, pero el camino que se construye es más sólido.


PM8
Pabellón 9 - Stand 9G05
Programa General - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

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viernes, 21 de febrero de 2014

ARCO 2014: Entrevista a Antoine Levi -Galería Antoine Levi-

Antoine Levi (de espaldas) con el artista Olve Sande.
Foto: via Antoine Levi
La de Antoine Levi es el ejemplo de una trayectoria de naturaleza radicante, se mueve por distintos territorios y arraiga sin que ello suponga un límite que lo mantenga ligado. De origen francés con experiencia profesional en España e Italia, su galería cuenta con apenas un año de vida, el lugar elegido para desarrollar su proyecto es París, en concreto el barrio de Belleville, centro de la escena emergente parisina y de visita ineludible para todos los que quieran estar al tanto del futuro (artístico) por venir. ¿Se acerca un cambio de paradigma en el mundo del galerismo? ¿Cambia la esencia o sólo las formas? Antoine Levi nos da algunas pistas sobre ello. 

La galeria abrió hace un año, podrías hablarnos sobre el proyecto, cual es la filosofia que la anima?
En realidad no hay una filosofía, hay una visión, una familia, un deseo de crecer con los artistas, un constante diálogo, cada dirección se toma a través de una sincera y convincente decisión entre la galería y los artistas, incluso cuando estoy interesado en un nuevo artista, envío el material a los demás y espero sus comentarios, dudas, entusiasmo etc. El termino filosofía suena extraño para mi. De hecho, hace un año decía que quería limitar la galeria a artistas muy jóvenes, ahora también representamos a Francesco Gennari, un artista italiano con una carrera fuerte y consolidada. Para mi era obvio que Francesco encajaba perfectamente dentro del límite de la galería, y que su presencia, como la del resto de artistas, crearía una fantástica osmósis.

La Galerie Antoine Levi en el barrio de Belleville de París, 2013. Foto: Camilayelarte

¿Cómo describirías vuestro programa expositivo?
Tratamos de trabajar cuanto nos es posible en el mismo espacio de la galeria, 10-7 días antes de la exposición, para hacer que el diálogo sea concreto. En algunas ocasiones siento que nuestra profesión ha cambiado mucho en los últimos años y que una ola de sobreproducción ha cancelado las necesidades básicas. Me gusta hacer exposiciones por muchos motivos, uno de ellos es que me siento privilegiado de hablar con poetas visuales e intentar entenderlos, guiarlos para que me sorprendan cada vez.

Vista de la exposición de Sean Townley en Galerie Antoine Levi, 2013. Foto: Camilayelarte

Has trabajado con importantes galeristas como Juana de Aizpuru y Franco Noero, cuál dirías que son las principales diferencias entre el modelo de galería tradicional y el nuevo modelo que están desarrollando galerías jóvenes como la vuestra?
En realidad, Juana y Franco no son personas que yo describiría como tradicionales, más bien lo contrario! También trabajé durante pocos meses en el IVAM en Valencia y un poco en la galería Roger Pailhas en Marsella. No creo que haya mucha diferencia entre nuestra visión y modo de trabajo. Si tuviera que mencionar una diferencia, sería que existen muchas galerías hoy en día y que todo se está acelerando. Todavía recuerdo enviar la solicitud de participación en una feria via Fax o por correo postal, hoy en día tenemos herramientas digitales que aceleran la paz del trabajo, aunque por supuesto fueron muy útiles para abrir la galería y buscar a los artistas con los que queríamos trabajar. De hecho nunca hago visitas de artistas, creo que es algo muy extraño e invasivo, lo que veo online o a través de conversaciones via Skype o por e-mail me parece suficiente para hacerme una idea.

Nerina Ciaccia, co.directora de la galería junto al artista Piotr Makowski, parte de la família de la galería Antoine Levi. Foto: via Antoine Levi

Las ferias se han transformado en piezas clave dentro del sistema del arte, la localización parece que ya no es importante, aun así Antoine Levi se encuentra en el corazón del barrio de Belleville, y París se está  convirtiendo en capital europea del arte contemporáneo emergente, ¿cómo lo valoras?
París siempre ha sido una capital para el arte y su actividad ha sido constante. Volver a París después de tantos años ha sido un reto personal. Elegí Belleville por su frescura y porque muchas galerías que me interesan se encuentran allí. Como circuito galerístico tal vez sea menos obvio para quienes vienen a París a ver las galería, por este motivo quienes vienen lo hacen con un propósito, o quieren descubrir la galería.
Las ferias son sin duda importantes porque amplían la visibilidad de la galería internacionalmente y por lo tanto contribuyen a que la difusión del trabajo de los artistas sea más sencilla.

¿Cuáles consideras que son las características principales de ARCO y cómo se percibe a nivel internacional?
ARCO supone un paso importante para la galería ya que se trata de una de las ferias más importantes de Europa. Para mí supone lo ocasión de generar más contactos en España y Latinoamérica. La densidad de los encuentros comporta la llegada de críticos y comisarios de todo el mundo. Scandinavia tiene este año una buena presencia con el Focus Finlandia, nosotros presentamos un artsita noruego, Olve Sande.La ayuda y el consejo de Manuel Segade, co-comisario de la sección opening, ha sido claveen mi decisión de participar en la feria, él vive en París y tiene una visión de la actualidad, además conoce muy bien ambos territorios. ¿Cómo se percibe ARCO? La próxima edición nos dirá más sobre ello. Soy muy parcial porque para mi supone una bonita ocasión de volver a España tras tantos años, para Nerina, my novia y directora de la galería, y para mi ARCO supone un buen termómetro del mercado del arte internacional al inicio del año.


Galerie Antoine Levi
Pabellón 9 - Stand 9OP03
Sección Opening - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

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