Camila y el Arte

Links de la semana: De un MNAC más sexy al OWS en la Fairweek de NY

2012-03-10T00:38:00.000-08:00

La semana ha empezado con declaraciones interesantes del nuevo director del MNAC Pepe Serra que ha dejado el Museo Picasso para levantar al Museu Nacional d'Art de Catalunya de sus cimientos. Por lo que comentó en el debate La funció i gestió dels equipaments culturals organizado en La Pedrera y que el Diari El Punt Avui recoge, Serra cree que el museo con una actual plantilla de 150 trabajadores está sobredimensionado, sólo abrir puertas cuesta 14 millones, de los 17 presupuestados, a lo que hay que añadir la necesidad de crear una imagen más sexy del museo (¿?). ¿Se va a proceder a adelgazar plantilla para afrontar la operación bikini del verano 2012?

Primera comparecencia de Wert ante la comisión de Cultura del Senado, los proyectos casi inmediatos parecen ser el nuevo estatuto regulador del Reina y la famosa ley de mecenazgo. Poco ahonda el ministro en explicaciones, en cambio hondísima es la información que aporta Elena Vozmediano sobre la organización de la Secretaría de Estado de Cultura: Igualdad entre las artes? No para la Secretaría de Estado de Cultura,Atención, es de esos posts que hay que imprimir para leer (al menos yo) ah! y fijaos en quien comenta la segunda parte del post...

También ha sido esta una semana de inauguraciones festivaleras: In Sonora por un lado y el Festival Miradas de Mujeres por otro. Para estar al caso de éste último os recomiendo consultéis su página web con el elenco de sedes donde podéis ver las obras en muestra.

IN-SONORA VII promo from IN-SONORA on Vimeo.

En cuanto a las noticias internacionales, a destacar la reciente compra de la Tate: unas cuantas pipas de girasol (8 millones de las 100) de las que estuvieron expuestas las escasas semanas que duró la exposición de Ai WeiWei en la Turbine Hall.

11 ferias de arte inauguradas en una semana, me pregunto cómo se repartirán el tiempo los arteadictos de NY con tanta oferta en el mercado. The Armory Show y The Art Show son las más importantes, el resto se divide por barrios y recoge el arte emergente de la ciudad. El #OWS ha estado más o menos presente, Hyperallergic nos informaba esta semana de la instalación del artista Sebastian Errazuriz con los lemas del 1% y 99% que encabezan las protestas de los indignados de NY. Paddy Johnson la blogger de Art Fag City ha organizado una acción en la feria para este sábado y domingo: un intercambio abierto de obras de arte donde el dinero no tenga protagonismo. Veremos qué tal le va.

Entrevista a múltiplos, publicaciones de artista en Barcelona

2012-03-09T07:50:00.000-08:00

En la sección Opening de la última edición de ARCO se alzaba en medio de lo que físicamente recordaba a una plaza, una especie de escultura ocupada por libros. La estructura era obra del artista Can Altay, los libros en cambio, el resultado de la participación de la librería múltiplos de Barcelona en ARCO.

Anna Pahissa es quien está detrás de este nuevo proyecto que da visibilidad a la producción y creación de libros de artista y que a la vez amplía el horizonte de la oferta artística en Barcelona.

¿Cómo nace la idea de abrir una librería como múltiplos?

Por una parte, y por mi interés personal en las publicaciones de artista, llevaba tiempo fantaseando con la posibilidad de iniciar un proyecto relacionado con éstas. A la vez, detecté una situación de desequilibrio en España entre la producción de publicaciones de artista por parte de artistas y editores o el interés creciente que éstas suscitan en el contexto del arte contemporáneo – instituciones, comisarios, crítica, etc. – , y la distribución que de éstas se hace o la visibilidad que tienen fuera del país. Era – y sigue siendo – muy difícil encontrar publicaciones de artistas españoles fuera de España; situación que se extiende a trabajos de Portugal o Latinoamérica (entre muchos otros).

Por otra parte, si bien ya había algunos puntos de distribución de estas publicaciones en España, no había un espacio dedicado específicamente a ellas. Ante esta situación, pensé que era interesante la creación de una estructura que llenara ese vacío. En un primer momento me planteé empezar como distribuidora, y si la cosa iba bien abrir un espacio, una librería. En medio de este proceso, encontré un espacio idóneo, y decidí invertir el orden de los planes. Y la verdad es que ahora a posteriori pienso que fue una buenísima decisión. Entre otras cosas, el contar con un espacio físico ha posibilitado la aparición de toda una serie de sinergias y conexiones con artistas, editores, público, u otros espacios y proyectos que facilitan que múltiplos se enriquezca día a día y pueda ir ampliando su campo de acción.

¿Qué proyectos desarrolláis más allá de la venta de libros?

múltiplos está concebida como una estructura que empieza su actividad como librería, pero que aspira desde el principio a desarrollar también otras líneas de trabajo siempre relacionadas con la difusión y distribución de las publicaciones de artista. De todas formas, con el tiempo (solo 8 meses) – y probablemente gracias a contar con ese espacio físico y las sinergias de las que hablaba – , estas posibles líneas de trabajo han ido surgiendo de forma muy orgánica. Y ahora estamos en esto, poniendo en marcha todas estas “posibilidades”.

Por una parte organizamos regularmente presentaciones de libros y charlas en la librería sobre temas variados en relación a las publicaciones de artista. Invitamos a artistas, editores, diseñadores, comisarios, etc. ofreciendo así distintas ópticas respecto al trabajo con los libros. Entre las últimas destacamos la presentación del comisario y editor Moritz Küng, respecto al libro "Peter Downsbrough. The Book(s)", la del artista Rafel G. Bianchi junto al comisario David Armengol con la presentación del libro "Quién soy yo. Autoanálisis de inclinaciones o aptitudes", o la de la artista Núria Güell, con su libro y proyecto "Epistolario Ayuda Humanitaria".

Por otra parte ahora estamos iniciando nuestra actividad como distribuidora.

En breve empezaremos también a organizar workshops relacionados de una u otra forma con las publicaciones de artista.

Y tenemos muchas ideas y proyectos que nos apetecen mucho y que hay que ir desarrollando poco a poco, y en los que múltiplos adoptará distintos roles.

Vista de la librería múltiplos. Foto: via múltiplos

Para el público profano en la materia, ¿podrías explicar qué es un libro de artista?

Hay muchos planteamientos distintos respecto a lo que es un libro de artista. A modo general, podríamos decir que un libro de artista es un libro concebido por un artista como una obra en sí. Pero esta definición esconde muchísimos matices que la convierten en una definición poco precisa y superficial. Hay libros producidos de forma muy artesanal, y otros que utilizan procesos más industriales; libros de una exquisitez formal increíble, y libros hechos a base de fotocopias y grapas; piezas únicas, ediciones limitadas, o ilimitadas. Y un largo etcétera de casos. En “nuestra” obsesión por definir y clasificar, hay mucha literatura al respecto. Incluso por lo que respecta a la terminología utilizada: libros de artistas, publicaciones de artista, ediciones especiales, ediciones al margen, y otro largo etcétera. Ante la posibilidad de perdernos en todos estos matices y etcéteras, quizás es mejor que explique la(s) aproximación(es) respecto al libro que a mí me interesan especialmente y que espero que refleje la selección que tenemos en múltiplos. En este sentido, son proyectos de artistas contemporáneos que utilizan el formato del libro – u otros soportes como el vinilo, cd o póster - como espacio en el que desarrollar sus proyectos artísticos. No recopilan el trabajo de un artista, sino que el libro, con sus contenidos y formato, son la obra en sí. En muchos casos el trabajo con este tipo de libros incorpora muchas posibles colaboraciones entre el artista, el diseñador o el editor, y cuyo resultado es a menudo muy interesante. Aunque hablemos de obras o proyectos de arte en sí, no estamos hablando en ningún caso de piezas únicas ni incluso de ediciones limitadas en la mayoría de los casos. Hablamos de libros de tirajes largos y sistemas de impresión como el digital, el Offset, o directamente la fotocopia. A nivel de contenidos y lenguajes, hay tantos como artistas e imaginarios de éstos pueda haber. Infinitos, por suerte.

Es un espacio (el del libro de artista) absolutamente anárquico, en el que no hay reglas de juego, ni a la hora de concebir y producir por parte del artista, ni en su lectura por parte del lector. Anarquía entendida más como libertad total, y en ningún caso como falta de rigurosidad. Así es y debe ser el arte, no? Por mi interés personal en el arte conceptual me interesa un libro cuando el concepto que esconde y del que parte me resulta interesante. Por otra parte, cómo el artista desarrolla ese concepto a través de las páginas del libro; utilizando distintos lenguajes como el texto, la fotografía, el dibujo, u otros para narrar un “relato”. Un “relato” cuya lectura puede ser fraccionada, desordenada, y no tener ni un principio ni un fin claros. Un relato cuya interpretación se construye por la asociación de varias imágenes, ideas, conceptos; por el ritmo, las pausas, los vacíos y los espacios en blanco. Una experiencia de la lectura que yo relaciono mucho con la que me proporciona la lectura de la poesía.

No estoy segura de haber dado una explicación demasiado clarificadora a los profanos en la materia. A todo/as ello/s (y los no tan profanos) los invito a que se pasen por múltiplos y vean y experimenten por sí mismos.

¿Qué relación tenéis con la escena artística emergente en Barcelona?

Entre otras cosa, múltiplos nos da la posibilidad de poder estar en contacto constante con la escena emergente y no tan emergente de Barcelona. Muchos de los libros que podéis encontrar en múltiplos son de artistas y editores que forman parte de esa escena, y estos artistas frecuentan la librería. Ese punto de encuentro del que hablábamos.

múltiplos en ARCO 2012. Foto: via el cultural

¿Cómo valoráis vuestra participación en ARCO 2012?

La presencia de múltiplos en ARCO ha sido un experimento tanto para la propia feria y los comisarios que nos invitaron como para múltiplos. Nos propusieron instalar nuestra librería en una pieza del artista turco Can Altay, compuesta de distintos módulos de madera que permitirían tanto la presencia de libros como espacios para que la gente se sentara y relajara.

Y situado en la plaza central de la sección Opening de ARCO, comisariada por Manuel Segade, y dedicada a las galerías europeas más jóvenes. Desde el principio me entusiasmó la propuesta. La sola idea de estar en ARCO, y en estas condiciones, tan solo 6 meses después de haber iniciado el proyecto, me parecía increíble. Por otra parte, a mí me interesa mucho todo aquello relacionado con el espacio físico en el que se producen, muestran, exhiben, leen y consumen los libros (de artista). Hay bastantes artistas y proyectos tanto actuales como de los conceptuales de los 60-70 que han trabajado con este material. De cómo un espacio físico determinado que contiene libros puede condicionar una lectura u otra de los libros, la relación entre el público/usuario/lector con los libros, o de cómo se puede convertir en un espacio de producción. Así que de alguna forma la presencia en la pieza de Can Altay nos permitía poder jugar con este tipo de elementos. Intuía que sería una pieza que plantearía preguntas, hecho que corroboró el comportamiento del público durante la feria: ¿son libros u obras de arte?, ¿son parte de la instalación?, ¿se pueden tocar?, ¿se pueden comprar? Así que ya solo el hecho de experimentar la librería desde esta óptica, fue muy interesante.

Además nos dio la oportunidad de dar a conocer nuestra selección a muchísima gente que pasó por la “librería”; publicaciones que normalmente el público no encuentra en una feria de arte, así como de conocer el trabajo de artistas y proyectos editoriales que desconocíamos. A nivel de contactos nos fue muy bien.

Y además, nos lo pasamos muy bien. Si no, nada de esto tendría sentido.

Barcelona Colecciona en la Fundación Godia

2012-03-05T22:54:00.000-08:00

¿Qué compran quienes coleccionan obras de arte? Desde hace unos años el tema del coleccionismo ha tomado protagonismo como tema expositivo en Barcelona. Tanto la Fundación Godia, recordemos la exposición sobre Barceló, como la Fundació Vila Casas, han querido dar visibilidad a un fenómeno totalmente indispensable para que el arte disfrute de buena salud.

Vista de la entrada. Fundación Godia, 2012. Foto: Camilayelarte

No sólo de museos y centros de arte se alimenta el sector artístico, sin coleccionismo, sin personas que compren obras, no hay sistema del arte que valga. El nuestro muy fuerte no es, pero ello no significa que no haya colecciones de calidad con obras que pueden competir a nivel internacional. Barcelona Colecciona comisariada por Sara Puig, directora de la Fundación Godia, es un recorrido por ese coleccionismo que consciente de sí mismo y con una visión que va más allá de las fronteras patrias, ha ido abriéndose camino en Barcelona, tal vez a la par, o así lo sugiere su comisaria, con el nuevo rol que la propia ciudad ha construido sobre sí misma en estos últimos años.

Sylvie Fleury, Naughty but nice, 2003. Colección Carmen Riera, Deposito permanente CAC Málaga. Foto: Camilayelarte

Vista general de la exposición. Foto: Camilayelarte

Barcelonas y coleccionistas a parte, lo más interesante de la exposición es ver como a través de las obras seleccionadas es posible tejer un discurso sobre los temas que han interesado al arte en los últimos años. De hecho, la exposición arranca precisamente con temas universales que probablemente han estado siempre allí, en cualquier periodo histórico con mayor o menor intensidad: el erotismo, la guerra y la soledad, son el hilo conductor de las obras que encontramos en la planta baja. A destacar las fotografías de Nobuyoshi Araki, realmente eróticas, para mi mucho más que Mapplethorpe, Jannis Kounnellis, en relación a la guerra y una pieza de videoarte de Paul McCarthy, de esas tan inquietantes que provocan desasosiego a la Nauman, a quien también encontraremos en otra sala.

Paul MacCarthy, Pinocchio, Pipenose householddilemma, Colección Cal Cego, 1994. Foto: Camilayelarte

En la planta superior los temas van de lo universal a lo particular en distinta escala: el espacio, las arquitecturas, la contraposición entre tradición/innovación, la feminidad, el cuerpo y finalmente la materia. Tengo que decir que me hice un poco un lío con el recorrido a seguir, y es ahora escribiendo sobre ello que me doy cuenta de la relación entre ciertos temas como el espacio y la arquitectura o la feminidad/cuerpo/materia...es así. Los nombres que suenan en estas salas forman parte del star system artístico, Anish Kapoor, Andreas Gursky o Cindy Sherman se dan de la mano, y allí lo realmente bonito, con artistas como Antoni Muntadas, Ignasi Aballí o Cristina Iglesias.

Vista general de la exposición. Foto: Camilayelarte

al fondo Jean Michel Basquiat. Foto: Camilayelarte

Si no fuese por la curiosidad y por saber que la información está en las cartelas, a uno se le olvida que estas obras son de coleccionistas barceloneses. Puestos a curiosear y aunque no es la finalidad de la exposición, diré que entre los nombres que más suenan están los de Carmen Riera, Isak Andic (Mango), José Maria Civit y Alorda-Derksen, llevándose el premio a la colección con más coherencia, Josep Inglada y Roser Figueras con Cal Cego. Y puestos a curiosear y banalizar me pregunto si la obra de Basquiat en la planta baja, una especie de autorretrato, no será la misma que hace unas semanas leía en el Homenatge a Salvador Riera y que compró el galerista hace muchos años y de la que ni él ni su ahora viuda, Carmen Riera, se quisieron desprender cuando vendieron su colección al MACBA.

Lo mejor: La consciencia de que hay un coleccionismo en Barcelona con ganas de hacer bien las cosas. Que empecemos a familiarizarnos no sólo con los nombres de museos y galerías sino también de los coleccionistas que enriquecen el patrimonio artístico de la ciudad (aunque sea de puertas para adentro)

Lo peor: Utilizar los pasillos como espacio expositivo.

La Pantalla global

2012-03-04T03:38:00.001-08:00

La exposición Pantalla Global del CCCB comisariada por Gilles Lipovetsky y Jean Serroy fue libro antes que exposición. La Pantalla Global es un ensayo que habla del cine y su papel para entender la sociedad en la que vivimos, su influencia a nivel sociológico y cultural a lo largo del siglo XX. Parte del convencimiento de que la profusión de pantallas y de nuevos modos de consumo de lo visual, lejos de hacer peligrar la pervivencia del cine son el anuncio del nacimiento de una nueva era hipermoderna del séptimo arte. Si bien la centralización institucional del cine está en crisis no lo está su influencia cultural.

Si os gusta el cine y la historia del cine os gustará el libro porque aborda todos los géneros y periodos de su historia, dándole además una lectura a nivel sociológico que invita a relacionar conceptos y hechos con las artes plásticas. Parte de los aspectos que analiza del cine de los últimos años se pueden entender como lectura del posmodernismo o incluso de la modernidad líquida de Bauman. De entre las cuestiones que plantea me ha parecido especialmente interesante la reflexión sobre porqué el cine a diferencia de las artes visuales no ha negado nunca su naturaleza misma ni ha pasado a ser un arte elitista y críptico, como puede ser y es en muchos casos el arte contemporáneo. La respuesta de Lipovetsky y Serroy es doble, por un lado la necesidad comercial (¿el elitismo del arte viene de su precio o de su concepto?) pero por otro y más importante, porque el cine a diferencia del arte, no ha perdido su capacidad de generar relato, es por naturaleza un canal de transmisión de una historia y no ha renunciado a su función de contar y transmitir la existencia y la condición humana.

Si bien el tono general del libro es de optimismo ante la presencia de lo virtual y digital en nuestras vidas, también llama a la alerta ante cuestiones como el creciente control de los poderes sobre el individuo a través de las cámaras de vigilancia, que con la excusa de velar por nuestra seguridad vulnera las libertades privadas y públicas, dejando atrás la democracia de la libertad, por la democracia de la seguridad.

Gilles Lipvetsky/Jean Serroy, La Pantalla Global. Cultura mediática y cine en la era hipermoderna, Ed. Anagrama, 2009. Precio: 19,50€ en Laie CCCB

Links de la semana: Del Godot de las artes a la estocada al CDAN

2012-03-02T00:16:00.001-08:00

Empezamos la semana con nuevas noticias sobre el cambio de paradigma que están sufriendo las instituciones artísticas catalanas. El lunes podíamos leer el aviso de la llegada de una nueva figura, el responsable general de las artes plásticas, un Godot ( siguiendo el Beckettiano título del artículo de Roberta Bosco) llamado a coordinar la red de centros de arte en Cataluña. Esta nueva figura viene a dar forma a la creciente centralización que está sufriendo el entramado artístico catalán. Con la piel sensible tras el anuncio del cierre del Espai ZER01 en Olot, nos mantendremos con recelo y a la espera de este nuevo nombramiento.

En el mundo algo más feliz pero no menos convulso de las inauguraciones, a destacar el lío que se ha armado con la Bienal de Whitney. Mostrando una vez más cuán fina es la pared (si es que la hay) que separa arte y política, la recientemente inaugurada Bienal bajo comisariado de Jay Sanders y Elizabeth Sussman preveía en su programa expositivo mostrar a artistas vinculados o implicados de algún modo con el movimiento OWS (su 15M), de ahí la participación de Georgia Sagari y Andrea Fraser en el catálogo. Un gesto que se queda bien corto con la respuesta que han dado los activistas del OWS mostrando su rechazo a la Bienal por estar esponsorizada por dos majors como Sotheby's y Deutsche Bank. Una, a primera vista, página web oficial de la Bienal anunciaba a principios de semana el cese de relaciones entre la Bienal y sus sponsors, comunicado desmentido por la propia Bienal al cabo de unas horas. Este primer ataque virtual se vio seguido por la manifestación de OWS ante las puertas de la fiesta VIP celebrada con motivo de la inauguración. A todo eso, también han aparecido algunas opiniones sobre la Bienal, como la de Art Fag City...

En un clima menos caldeado de ánimos que no de temperatura, se ha inaugurado la Bienal de Marrakech, hasta el domingo la ciudad marroquí acoge una Bienal multidisciplinar donde las artes visuales son sólo una sección. Higher Atlas es el título de la exposición de la sección de artes visuales, en muestra hasta el mes de junio, comisariada Carson Chan y Nadim Samman. De momento no tenemos opiniones pero la semana que viene estaré allí para contarlo ;)

Tal vez influenciada por Pantalla Global y la creciente presencia de lo virtual en nuestras vidas, me ha parecido interesante el post de Fietta Jarque sobre el museo 3D de la DSL collection, una colección de arte chino que podemos disfrutar a golpe de click con audioguía incluida.

La noticia más importante y grave del sector arte esta semana ha sido la de la destitución sorpresa de Teresa Luesma como directora del CDAN por el inexperto en artes plásticas Antonio González. Si la forma en cómo se ha hecho huele malo malísimo (lo de nombrar a dedo que parecía de los tiempos jurásicos parece volver con fuerza) peor sabe el motivo por el cual parece este nuevo director de dudosa carrera ha venido a ocupar el puesto, Elena Vozmediano nos lo cuenta en su blog.

Pantalla Global: la era de la omnipantalla

2012-03-01T00:11:00.001-08:00

Si no lo veo no lo creo, esta frase bien prosaica viene a expresar de forma muy simplificada el discurso subyacente de Pantalla Global en el CCCB. Gilles Lipovetsky y Jean Serroy han traducido en proyecto expositivo el discurso de su ensayo La Pantalla Global acerca de la omnipresencia de pantallas en nuestra vida y la mutación cultural que de ella está derivando.

Vista de la exposición. CCCB, 2012. Foto: Camilayelarte

Si a lo largo de los siglos la Historia se ha convertido en tal a través de la palabra escrita, del texto, podemos afirmar que a partir de la segunda mitad del siglo XX es Historia aquello que puede acompañarse con imagen. Somos una sociedad eminentemente visual, nos expresamos y relacionamos a través de la imagen reproducida en pantallas. La sensación al visitar Pantalla Global, o al menos una de ellas, es precisamente constatar que aquello que nos define de forma cultural, histórica y sociológica puede expresarse a través de imágenes, prescindiendo de la palabra escrita.

L'imperi de les estrelles, realización Toni Curcó. CCCB, 2012. Foto: Camilayelarte

La omnipresencia de imágenes/pantallas en nuestra vida se aborda en las exposición desde siete temas: la historia, la política, el deporte, la publicidad, el exceso, la vigilancia y por último el juego. Cada sección cuenta con un montaje visual que analiza la evolución y la transformación de cada tema en cuestión. A diferencia de otras exposiciones con material audiovisual que hemos podido ver en Barcelona en el último año (recordemos la pretenciosa Esteu a punt per a la televisió en el MACBA o El d_efecto barroco en el CCCB el año pasado) Pantalla Global es bastante benévola con el tiempo que debemos dedicarle. No es una exposición corta pero el formato y la edición de los vídeos es lo suficientemente atractiva a nivel visual como para que no se nos haga pesado sentarnos a mirar, y es que es esto mismo lo que tenemos que estar dispuestos a hacer para visitarla, sentarnos y dedicarle la media de 7 minutos que dura cada sección.

Pantalla política, realización José Antonio Soria, CCCB, 2012. Foto: Camilayelarte

Contracamp Història. CCCB, 2012. Foto: Camilayelarte

La gran novedad a nivel conceptual que aporta Pantalla Global es que junto con la tesis que se expone de los comisarios podemos visitar también la contratesis o contracampo como lo llama el CCCB, realizado por el público que ha querido participar en el proyecto. Si bien la idea es pionera en lo que podríamos llamar crowd curation (el público como comisario), a la práctica puedo decir que el inmenso material que se nos ofrece hace que la exposición se alarge demasiado y de un poco de pereza perderse en la aportación de los vídeos hechos por el público, el contracampo pierde ante el campo por ser más atractivo en el formato en el que se ofrece al visitante.


Pantalla publicitat, realización Canada. CCCB, 2012. Foto: Camilayelarte

Pantalla vigilància, Benet Román, La Chula productions. CCCB, 2012. Foto: Camilayelarte

Pantalla juego, dirección creativa Rory Lambert. CCCB, 2012. Foto: Camilayelarte

Y es que lo mejor de Pantalla Global es que no tenemos que entenderla del mismo modo en que habitualmente entendemos las exposiciones, lo que se ve en las salas del CCCB es sólo una parte de una estructura compleja que se desarrolla en distintas plataformas. No se trata de salir por la puerta de la sala de exposiciones y considerar cumplida la visita, sino de adentrarse en el resto de los ámbitos donde la exposición continua y expande su tesis y sentido de ser. Pantalla Global es también la página web donde podemos ver los vídeos aportados por el público, pero también el espacio virtual que reconstruye el discurso implícito en las distintas secciones que se ven en el CCCB. Es en definitivas cuentas una exposición que considero que hay que ver por las reflexiones visuales y más tarde conceptuales que plantea, como el papel que juega lo visual y la imagen en cuestiones que nada tienen que ver con el arte sino con la sociología y porque es un primera experiencia de un nuevo modo de entender y plantear lo que es y puede llegar a ser una exposición 2.0, una exposición del siglo XXI.

Lo mejor: El impresionante trabajo de investigación de material visual previo y su posterior selección y edición, que da como resultado unas instalaciones de vídeo realmente entretenidas.

Lo peor: El sonido. Se percibe cierta sensación de caos sonoro entre una instalación y otra, lo que hace que tampoco apetezca mucho pararse a curiosear por el contracampo.

Pantalla Global, CCCB, Barcelona, hasta el 28 de mayo 2012.

Cuando lo alternativo es la salida

2012-02-27T12:37:00.000-08:00

Desde principios de año he dejado de leer el periódico. Me informo de lo que me interesa, selecciono lo que sé que no me va amargar el día. Tal y como nos enseñó Elvire Bonduelle en su exposición en la galería Sabrina Amrani, los periódicos se han convertido en el arma perfecta para fustigarnos, es un castigo diario al que nos sometemos para purgar nuestros pecados. A veces pienso que corro el riesgo de convertirme en aquella Mia Farrow de la Gran Depresión en La Rosa Púrpura del Cairo, que utiliza el arte (en ella era el cine) para evadirse de la realidad. ¿Evasión? No, el arte, a diferencia del cine de los años 30, nos hace pensar y reflexionar sobre la realidad, así que no se trataría de escapismo sino de una herramienta para encontrar formas de pensar y razonar, para creer que otros mundo es posible.


Elvire Bonduelle, Cravaches, 2011. Galería Sabrina Amrani. Cuando la prensa se transforma en una arma para el dolor. Foto: http://www.elvirebonduelle.com/fr/travaux-pour-faire-joli

Mia Farrow escapando de la realidad en "La Rosa Púrpura del Cairo". Foto:Camilayelarte desde Youtube

A pesar de querer esquivar las noticias que me incomodan, no hay semana que no me vea obligada a postear o tuitear alguna noticia relacionada con el cierre de espacios expositivos (Espai Zer01), la falta de presupuesto para cultura o la mala gestión de los recursos que hasta ahora teníamos (tema Canòdrom), en fin, que el látigo de una forma u otra está allí.

Buscar en lo alternativo me parece la mejor solución para capear la avalancha de malas noticias que nos han venido (y vendrán) en materia de arte y cultura. Cuando hay necesidad se agudiza el ingenio, no habrá museos, no habrá presupuesto para cultura, pero gente con ganas e ideas no faltarán.

Vista de la peluquería Cortacabeza de Madrid con las obras de Nicolas Villamizar. Foto: Paupacazul

#21 Aeropuertos from paupac azul on Vimeo.

Una de mis alegrías es ver lo que han hecho Paupac Azul para presentar #20Lo que escondo y #21Aeropuertos. Su trabajo, sus paupacs, son como cápsulas de sabiduría, pero no de esa que se aprende en los libros, sino de la que se gana viviendo. Su obra es poesía, es música, un híbrido extraño difícil de definir, probablemente un paupac, que también necesita de la imagen para propagar su mensaje. Me gusta que ese gusto por lo híbrido se haya extendido hacia el espacio donde presentar y exponer su trabajo. Una peluquería, Corta Cabeza en Madrid fue el lugar donde presentar sus nuevos paupacs, acompañados por los cuadros que Nicoläs Villamizar ha hecho para la ocasión. La exposición puede visitarse hasta el próximo 5 de marzo.

Vista de La Cháchara. Foto: http://lachachara.info/espacio-espai/

Que no nos extrañe, que a partir de ahora los espacios que hasta ahora han sido considerados alternativos acaben siendo la solución a tanta escasez presupuestaria. Ejemplos no faltan, desde espacios como Espacio Menosuno y La Pieza en Madrid o Homesession, Half House y La Cháchara en Barcelona, en mi última visita a Milán, por ejemplo, descubrí una lavandería, Laundry, que crea una línea de ropa, hace jam sessions y monta exposiciones de artistas emergentes. Vamos, que lo que realmente nos puede sacar de ésta es nuestra capacidad de ser polivalentes.

Imaginary economics

2012-02-26T03:09:00.000-08:00

Desde este blog siempre he tratado de mostrar o de hablar de aquel arte que nos ayuda a entender la sociedad en la que vivimos, que nos descubre sus procesos. Entiendo el arte o me interesa el arte desde su vertiente más política.

Imaginary economics de Olav Velthuis es un estudio sobre cómo el arte, desde los años sesenta (con el precedente directo de, como no, Marcel Duchamp) viene desarrollando una análisis y crítica del sistema económico. En pleno cataclismo de lo que parece ser el fin del capitalismo, el libro me parece más que oportuno por diversos motivos, por un lado porque muestra que el arte no es ese producto neoliberal prescindible que nos quieren hacer creer los poderes políticos y que justificaría los recortes que está sufriendo la cultura en tiempos de crisis, y por otro porque acerca a aquellas personas que como yo, somos un poco negadas, a entender la economía desde una vertiente distinta, creativa, a través de la obra de artistas que han tratado de mostrar sus mecanismos internos, subvirtiéndolos.

Empezando por Duchamp, como he dicho y siguiendo con los ejemplos de Warhol, Fluxus, el mail art o Piero Manzoni, el recorrido por la obra de estos artistas acaba provocando en el lector la triste sensación de que el mercado siempre acaba siendo más inteligente que el arte y que incluso aquéllo nacido para contradecirlo acaba siendo absorbido por el mismo. Consumismo, propiedad y globalización, Imaginary economics habla de los temas que básicamente preocupan al arte contemporáneo y que ahora más que nunca dominan nuestra vida diaria.

Olav Velthius, Imaginary economics, Johan&Levi editore, 2009. Precio 19€ en Amazon

Links de la semana: de la expansión del MACBA a la extinción del Espai ZER01

2012-02-24T14:02:00.002-08:00

La semana empezó con noticias positivas para el MACBA que va extendiendo sus tentáculos más allá del edificio ideado por Richard Meier. Descartada la posibilidad de ocupar el CCCB (menos mal) el museo tiene previsto derribar la capilla colindante al museo y proyectar un nuevo espacio expositivo para albergar la colección permanente. ¿Es realmente necesario? No tengo ni idea, pero es triste ver como peligran y desaparecen centros que han desarrollado y están desarrollando proyectos interesantes en detrimento de una aparente centralización de los poderes culturales y artísticos de Cataluña.

El Museo Picasso de Barcelona ya tiene nuevo director, además con experiencia en la dirección de otro museo Picasso, el de Málaga. Bernardo Laniado-Romero será el encargado de encarrilar la deseada autonomía del museo con respecto al Ayuntamiento de Barcelona.

Allende los mares, el MoMa inaugura mañana domingo la retrospectiva dedicada a Cindy Sherman. 171 obras recorrerán los mil rostros de una de las artistas más importantes de finales del siglo XX bajo el trabajo curatorial de Eva Respini. Estaremos atentos a lo que nos cuenten los bloggers de NY

Por aquí, las novedades más destacables han sido la incorporación de Elena Asins entre los artistas que representa Helga de Alvear, que de hecho ya pudimos ver en su stand de ARCO. En Barcelona dos han sido las inauguraciones más destacables, la "Retrospectiva" de Xavier Le Roy en un proyecto arriesgado y valiente de la Fundació Tàpies en colaboración con el Mercat de les Flors y la doble exposición de la colección fotográfica de Martin Z. Marguiles en Foto Colectania y la Fundació Suñol.

Como siempre, lo más importante para el final. Mientras unos se expande, otros se extinguen, este es el caso del Espai Zer01 de Olot, bajo dirección de David Santeulària. El ayuntamiento de Olot ha decidido ahorrarse los 75.000€ de presupuesto que cuesta el espacio expositivo eliminándolo por completo del mapa cultural de la ciudad. Muy oportuno me ha parecido el artículo publicado en A*desk por Haicea Barcenilla, donde deja claro el tanto por ciento de coste total que supone el centro para las arcas del ayuntamiento. La movilización para la defensa de Zer01 se ha organizado desde el blog http://suportzer01.blogspot.com/

"Retrospectiva", Xavier Le Roy en la Fundació Tàpies

2012-02-23T00:42:00.001-08:00

Patapum, pim, pam! una chica cae rodando por las escaleras que dan acceso a la sala de exposiciones de la Fundació Tàpies, primero me llevo un susto de muerte, después me doy cuenta que la chica ha caído con gracia y que se queda ahí tumbada, en el suelo como si nada. ¿Qué hacer? Cuando visitamos una exposición nuestro comportamiento y expectativas en relación a lo que vamos a encontrar están predeterminadas. El espacio, la institución, codifican la experiencia y la interlocución entre publico y obra. Qué esperar y cómo actuar están grabados en nuestro subconsciente cultural.

Un performer de "Retrospectiva" ante la mirada no condicionada de los niños. Fundació Tàpies, 2012. Foto: camilayelarte

Desde los años sesenta y setenta el arte ha tratado de transformar o descodificar dicha relación, pero aún así el formato exposición tal y como lo entendemos conlleva que el público actúe como lector-receptor de la obra. Lo que nos plantea la Fundació Tàpies con la exposición "Retrospectiva" del coreógrafo Xavier Le Roy, es precisamente cuestionar la relación del público con la obra y el papel de éste en la construcción de su significado, y por extensión replantear también qué es un museo y cuál es su función.

Lo inmóvil. "Retrospectiva", Fundació Tàpies 2012. Foto: camilayelarte

La repetición. "Retrospectiva", Fundació Tàpies 2012. Foto: camilayelarte

Vista de la exposición. "Retrospectiva", Fundació Tàpies 2012. Foto: camilayelarte

Para llevar a cabo tal proyecto, Laurence Rassel, directora de la Fundación y comisaria de la exposición, ha dado un paso más en traspasar los límites que determinan si una disciplina es museable o cómo puede serlo. Una coreografía es el objeto, la obra expuesta, que prescindiendo de los elementos hiper-textuales que dirigen nuestras visitas a las exposiciones nos obliga a transformar nuestro rol en la sala de exposiciones. No esperéis encontrar las típicas vitrinas con imágenes y textos que documentan una performance o happening, sino una coreografía en sí llevada a cabo por performers cuyas intervenciones adoptan el formato de las piezas que habitualmente encontramos en un museo: lo inmóvil (una pintura), la repetición y la narración.
La exposición, la obra, se activa y toma su razón de ser cuando entra en relación con nosotros, el público, quien sin dirección alguna nos toca ser parte narrativa de la misma. El extrañamiento, la incomodidad o incluso el miedo pueden ser las experiencias que extraigamos de la visita a la exposición, a mi personalmente me ha enfrentado a la rigidez con la que a menudo me relaciono con las obras, rompiendo las expectativas y los códigos de relación me he visto obligada a salir de mi comfort zone, olvidarme del bagaje que me permite leer una exposición y pasar a otra cosa. "Retrospectiva" depara todavía más sorpresas que sería una pena desvelar, os recomiendo que vayáis y si puede ser más de una vez, yo lo haré.

"Retrospectiva" Xavier Le Roy en la Fundació Tàpies del 24 de febrero al 22 de abril de 2012.
También en el Mercat de les Flors durante los meses de marzo y abril.

Lo visto en ARCO 2012

2012-02-22T00:32:00.004-08:00

Después de una semana tratando de hablar de ARCO sin estar en ARCO a través de las diversas entrevistas que hemos ido publicando en el blog, hoy toca hablar de lo visto en vivo y en directo tras nuestra visita del sábado. Que quede dicho por adelantado que un día no es suficiente para ver como dios manda las propuestas de las galerías ni para valorar los stands, pero aún así trataré de comentar a grandes rasgos la impresión que me ha producido esta 31ª edición de la feria.

Se ha comentado la austeridad, con respecto a años anteriores, de esta edición, y es cierto que a pesar de alguna que otra instalación con ganas de provocar y de acaparar titulares, el tono general ha sido de poca ostentación. Tal vez por influencia del país invitado, cuya propuesta expositiva me ha parecido más experimental que populista, o porque sencillamente no está el panorama como para excesos, la edición de este año ha cumplido con la máxima de menos es más.

Vista de la sección Opening, ARCO, 2012. Foto: Camilayelarte

Marcel Dzama en el stand Galería Helga de Alvear, tal vez en sostitución a Ester Partegàs?. Foto: Camilayelarte

De entre las iniciativas más novedosas se encontraba la del "artista destacado" de cada stand, una manera de facilitar, informar y orientar al visitante entre el caos que de por sí es una feria de arte, ahora bien, lo que estaba bien informado sobre página web no se traducía tan bien en la propuesta de cada galería. No todas optaron por señalar el artista destacado en sus cartelas y el plano de mano no incluía dicha selección, con lo cual a la práctica en muchos stands pasaba desapercibido. Aún a riesgo de equivocarme diría que incluso algún artista anunciado como "destacado" no estaba expuesto (creo que no vi a Ester Partegàs en el stand de Helga de Alvear, y sí un Marcel Dzama).

Nathaniel Mellors en Diana Stigter. Foto: Camilayelarte

Stand de la Galerie West. Foto: Camilayelarte


Falke Pisano en Ellen de Bruijne. Foto: Camilayelarte

David Maljkovic, Galeria Annet Gelink. Foto: Camilayelarte

Gabriel Leste, Galería Fons Welter. Foto: Camilayelarte

Las dos secciones que más me gustaron fueron Opening y Focus Países Bajos. La primera porque las propuestas neerlandesas me parecieron interesantes y en cierto sentido arriesgadas en un contexto como el de una feria. A destacar los stands de Fons Welters con la super fotografiada instalación de Gabriel Lester, Diana Stigter con el stand dedicado al inquietante Nathaniel Mellors, Galerie West con una estructura que dividía el interior del stand en dos espacios comunicados, jugando bien las cartas de un espacio superreducido, y finalmente Ellen de Bruijne mostrando el trabajo de Falke Pisano, uno de esos que requiere tiempo y reflexión, algo que escasea en las ferias, así como la interesante crítica a los Juegos Olímpicos en la obra de Lara Almárcegui.

José Dávila, Iconic topologies, Figge Von Rosen Galerie.


Stand de Aanant & Zoo, Berlín. Foto: Camilayelarte

Philippe Van Synck en Galerie Tatjana Peters. Foto: Camilayelarte

En cuanto a la sección Opening, destacaría el ambiente relajado que se percibía tal vez gracias al espacio central ocupado por la instalación de Can Altay que albergaba la librería Múltiplos, se notaba el ambientillo distendido, muchos stands ofrecían más información a mano (es decir, fotocopias) sobre los artistas representados, y no los típicos catálogos que custodian los galeristas para convencer a los coleccionistas de la compra. Los que más me gustaron fueron los stands de Aanant & Zoo, Berlín, con Luis Camnitzer y Channa Horwitz a destacar, la Galería Tatjana Peters con obra de Philippe Van Synck (de emergente poco, pero me gusta su obra) y Julia Spinola, la Figge Von Rosen Galerie con las obras de José Dávila y Javier Téllez y la Crèvecoeur de París.

Guillermo Mora en el stand de Formatocómodo. Foto: Camilayelarte

Cabello/Carceller en Galería Elba Benítez. Foto: Camilayelarte

Francesc Torres, Galería Elba Benítez. Foto: Camilayelarte

Ester Partegàs en el stand de Nogueras Blanchard. Foto: Camilayelarte

Bastante fría me dejaron los Solo Projects, a excepción de alguno, creo que no añadían mucha cosa. Del programa general, me gustaron las propuestas de Nogueras Blanchard con obra, ahora sí, de Ester Partegàs, y un complejo Rubén Grilo que me hubiese gustado escuchar en la Asamblea de los Países Bajos. De Elba Benítez, la instalación semi escondida de Cabello/Carceller enfrentada a Ignasi Aballí y Fernanda Fragateiro, también en este stand una serie de fotografías de un Francesc Torres de antaño infinitamente más interesante que el que vimos en septiembre en el CCCB. Hans Peter Feldman, en ProjecteSD, una Cornelia Parker presentada por Carles Taché en una versión más austera que la instalación que pudimos ver en la Frieze.

Hans Peter Feldmann en ProjecteSD

Antoni Muntadas en Moises Perez Albeniz

Elena Asins, en el stand de la polémica, Galería Altxerri. Foto: Camilayelarte

stand "indignado" de la galería Palmadotze. Foto: Camilayelarte

Se ha visto una feria más reflexiva con obras de clásicos como Jordi Teixidor, Pello Irazu y Elena Asins. Algo de política, pero no de la falsa, con dictadores al fresco, sino de la de verdad con obras de Antoni Muntadas, o la ya mencionada crítica de Almárcegui a la especulación inmobiliaria de los juegos olímpicos, incluso se pudo ver un stand "indignado" como el de PalmaDotze. La nota de glamour la puso IvoryPress por añadir nombres del starsystem poco habituales en ARCO, como Ai WeiWei y Anish Kapoor, aunque me hubiese gustado ver algo del libro de Isidoro Valcárcel Medina.

Stand Galería IvoryPress y Ai Wewei en primer término. Foto: Camilayelarte

Vista del stand de Espacio Mínimo con la instalación de Erwin Olaf. Foto: Camilayelarte

Vista del stand de Dan Galeria, Sao Paulo. Foto: Camilayelarte

No me acabó de convencer el stand de Espacio Mínimo, después de entrevistarles, me imaginé que su proyecto de repensar la feria sería distinto, el suyo no era un gesto de vaciar el stand, sino de llenarlo con una obra por otro lado muy efectista que provocaba el agolpamiento del público para mirar por la mirilla de Olaf. En otra liga jugaba un stand que me gustó mucho por empatía con el movimiento que mostraba, Dan Galería de Sao Paulo, puso en muestra un despliegue de obras de arte Concreto magníficas, una verdadera gozada ver el trabajo de Lygia Clark en el pequeño cuarto con catálogos, así como el resto de artistas contemporáneos de clara afinidad estética con el movimiento concreto.
En definitivas cuentas:

Lo mejor: Opening y Focus Países Bajos

Lo peor: El stand de Luis Adelantado y Marlborough
Lo más elegante: Dan Galería y el corte de pelo de Soledad Lorenzo.
La más oportunista: Decir que vacías un stand y no hacerlo. Todo lo que sea muñecos que saltan vallas o se congelan en frigoríficos.
Presencias inesperadas: una recuperada Àngels Ribé tras su paso por el MACBA
Lo más glamuroso: El stand de IvoryPress (pero sin Elena Ochoa y su sombrero)

ARCO 2012: Entrevista al programa First Collector de ARCO

2012-02-19T04:28:00.000-08:00

Este es el segundo año consecutivo que ARCO ofrece un servicio como el de First Collector, una oferta por otro lado habitual en toda feria que pretenda fomentar el coleccionismo. Arte Global es una consultoría dirigida por Elisa Hernando, cuya finalidad es la de orientar en medio de la complejidad del mercado del arte a aquéllos que deseen comprar obras de calidad para su colección. Hemos aprovechado nuestra visita a ARCO para hablar con María Cid, colaboradora de Arte Global, quién ha respondido a nuestras preguntas sobre arte y coleccionismo.

¿Qué tipo de coleccionista solicita vuestro servicio?

La verdad es que hay de todo, podemos hablar de un margen de gente que va desde los 30 años hasta parejas mayores. Es muy variado, algunos de ellos ya tienen una colección y en cambio otros acuden a nosotros porque es la primera vez que compran una obra. Nos hemos encontrado con gente que ya tiene obra de artistas muy destacados y otros que nos piden orientación porque quieren comenzar una colección. Sí que podría decirte que hay bastante gente joven interesada en comprar arte en estos momentos.

En el momento de asesorar, ¿cuáles son los principales criterios que se siguen?

Es importante conocer el perfil de cada coleccionista. Lo primero que hacemos siempre es procurar conocer la línea de interés de nuestros clientes, preguntamos qué artistas consagrados les interesan para después deducir qué es lo que les puede llegar a interesar. A partir de las corrientes de interés y del presupuesto que ellos definen, elaboramos una selección con la información de lo que hay en la feria y que creemos encajan con su perfil.

El conocimiento de lo que ofrece cada galería y cómo puede encajar con el coleccionista debe ser complejo, ¿no?

Sí, este es un servicio que requiere de un estudio previo, es por lo tanto un trabajo largo que nos lleva de dos a tres meses, ya que hay que recopilar mucha información. El hecho de que sea una selección personalizada para cada coleccionista conlleva su tiempo, es cierto que alguna vez pasa que aparece alguien solicitando una consulta inmediata, pero normalmente no es así. Para ofrecer un servicio de calidad es recomendable que los coleccionistas se pongan previamente en contacto con nosotros.

Vista general del espacio reservado al servicio First Collector en ARCO 2012. Foto: Camilayelarte

De entre la oferta que hay en esta edición de ARCO, personalmemnte ¿qué destacarías, qué piezas te parecen más interesantes?

Yo recomendaría a Secundino Hernández por ejemplo, está representado por varias galerías, su obra mezcla pintura y dibujo, es un artista que ya tiene una trayectoria bastante consolidada con piezas interesantísimas. Una instalación a destacar podría ser la de Daniel Canogar en la Galería Max Estrella, dentro de la serie Caudal, que estuvo expuesta el año pasado en la Fundación Canal, es un lavabo con personajes que van brotando desde dentro.

¿Que define una buena colección?

Esta es una pregunta complicada. Normalmente la gente menciona la coherencia pero no creo que tenga que ser exactamente así. Una colección diversa que abarque todos los campos y todos los soportes puede resultar muy interesante. Evidentemente hay nombres que elevan la categoría de una colección, pero yo destacaría la diversidad y la calidad de los artistas.

¿Crees que ARCO se está especializando en el sector de lo emergente, tanto en lo que se refiere a coleccionismo como a oferta artística?

Yo creo que sí, que se está haciendo un esfuerzo para convertirla en una plataforma de descubrimiento de nuevos nombres de calidad. Al fin y al cabo, el trabajo fundamental de las galerías es ese, el de descubrir nuevos talentos, apostar por ellos y promover su obra.

ARCO 2012: Entrevista a Jordi Mitjà

2012-02-18T07:01:00.000-08:00

En la pasada edición de Swab descubrí la obra de Jordi Mitjà (Figueres, 1970) a través de unas fotografías que parecían mostrar lo simple y poética que puede ser la realidad. Aprovechando que la Galería Raiña Lupa lo propone como artista destacado para esta nueva edición de ARCO, le hemos hecho algunas preguntas para conocer algo más su obra.

¿Puedes explicarnos qué obras tuyas encontraremos en el stand de la Galería Raiña Lupa donde eres artista destacado?

Por un lado se pueden encontrar algunos de mis últimos trabajos realizados en São Paulo en formato fotográfico, como “Models of builidings (with books)”. Unas obras que parten de libros comprados en mercadillos de segunda mano que utilizo como material base para hacer una tipología de esculturas efímeras que después se registran fotográficamente y que en este caso particular están inspirados en modelos de arquitectura brasileña de autores como Oscar Niemeyer o Lina Bonardi, por citar algunos.

También podemos encontrar una fotografía como “toCINEria”, que es el registro de una acción realizada en Terrassa. Cuando se encendían las luces de la ciudad, el letrero (que contenía la palabra “Tocineria”) se iluminaba encendiendo solo la palabra CINE.

Vista de las obras de Jordi Mitjà en el stand de Raíña Lupa. ARCO 2012. Foto: Camilayelarte

Hablas de la idea de Antropofagia casual para definir algunos de tus trabajos, ¿podrías explicarnos el concepto?

Este es el título de la exposición individual que hice en la Galería Raíña Lupa, pero hace referencia a mi modus operandi. La mayoría de mis trabajos parten de ideas o objetos que ya existen y que en cierta manera incorporo o modifico. La idea de Antropofagia es también un guiño al manifiesto antropofágico brasileño.

Vista de las obras de Jordi Mitjà en el stand de Raíña Lupa. ARCO 2012. Foto: Camilayelarte

¿Tus imágenes son realmente resultado de la casualidad, de la poética del azar o existe una construcción previa?

La casualidad es demasiado relativa. En mi proceso incorporo o desecho constantemente. La casualidad me parecía una contradicción a la idea de apropiación. Las imágenes se construyen sobre imágenes que ya existen.

Jordi Mitjà, 10.000 termitas para un universo a escala, 2009. Foto: Camilayelarte

¿Cuán importante es el lugar en tu obra?

El lugar marca líneas de trabajo, y yo no quiero obviar esos avisos.

¿Qué importancia tiene un evento como ARCO para los artistas, crees que los protagonistas son otros y no tanto vosotros?

Los protagonistas son las galerías. Arco es un termómetro del mercado y desgraciadamente para ellas, demasiado significativo para el resto del año.

ARCO 2012: Entrevista a PAC, Plataforma de Arte Contemporáneo

2012-02-18T02:42:00.000-08:00

No solo de galerías se nutre ARCO. La feria es una buena oportunidad para conocer aquellas publicaciones que nos mantienen al día en cuestiones de arte. De entre ellas, una de las más activas en cuanto a mundo twitter se refiere es @plataforma_pac. Hemos aprovechado la oportunidad para preguntarles sobre su trabajo y futuros proyectos.

¿Podéis explicarnos qué es PAC, cómo nace y cuál es su finalidad?

PAC es una plataforma dedicada a la difusión y promoción del arte contemporáneo. Surge ante la falta de agrupaciones dedicadas exclusivamente a la información y apoyo del arte más actual. Nuestra labor de difusión de arte contemporáneo se centra principalmente en nuestro portal www.plataformadeartecontemporaneo.com donde se publican diariamente noticias, críticas y entrevistas. Mientras que la promoción de artistas emergentes se realiza mediante diferentes proyectos comisariados. En los dos apartados tiene gran importancia las redes sociales de PAC que mantiene a nuestros seguidores informados contantemente.

Vuestra presencia en ARCO, ¿supone un ejemplo de cómo el sector del arte representado en las ferias es cada vez más amplio, no centrándose únicamente en galerías y artistas?

Sin duda, los artistas y las galerías son los protagonistas de ARCOmadrid, pero existen otros agentes que tiene un papel importante dentro del Mercado del Arte y deben asistir, como es el caso de la prensa especializada. Plataforma de Arte Contemporáneo estará situada en la zona de prensa digital, en el Stand 8G00B, en el pasillo que comunica los pabellones 8 y 10. Desde esta ubicación se puede consultar nuestra web, ver nuestras publicaciones online y unirte a nosotros en facebook y twitter.

¿Cómo os involucráis en la promoción de la obra de artistas emergentes?

PAC va más allá de ser un medio digital que informa de los que pasa en el arte contemporáneo, realizando y colaborando con comisariados, ferias, festivales, publicaciones, etc. Creamos proyectos específicos para diferentes eventos con la participación de artistas emergentes.

¿Qué os parecen las iniciativas como Paddle8 y VIP Art Fair que tratan de convertir Internet en una plataforma de consumo y compra de arte?

Internet logra acercar y romper fronteras, también en el arte. Plataformas online de subastas, ferias, prensa, etc., ayudan a que el arte contemporáneo sea más accesible.

¿Qué proyectos tenéis a corto plazo?
Vamos a seguir ampliando la información de artistas, exposición, ferias… ahora también con imágenes a través de nuestro canal YouTube. También estamos ultimando una colaboración con una galería de Madrid para realizar varios comisariados en su espacio.

ARCO 2012: Entrevista a Galería Espacio Mínimo

2012-02-17T00:12:00.003-08:00

Si algo de positivo tiene la crisis es que empuja a replantear los códigos establecidos y asumidos por todos. Participar en una feria y vaciar el stand de obras es un gesto que señala la necesidad, al menos de algunos, de plantearse el porqué y el cómo. Con ganas de saber más, hemos entrevistado a la Galería Espacio Mínimo para que nos contará los motivos de su propuesta en ARCO.

Renunciar a la posibilidad de mostrar las obras in situ a un comprador potencial suena arriesgado ¿Cómo y porqué surgió la idea de crear un stand virtual en un contexto comercial como es una feria?

La idea empezó a gestarse durante la celebración de ARCO el año pasado. Como siempre, a lo largo de la feria vamos comentando los aspectos positivos y negativos que encontramos para intentar potenciarlos o subsanarlos en las ediciones futuras. El año pasado se hizo más evidente para nosotros el riesgo que veníamos observando desde hace un tiempo de pérdida del significado inicial de las ferias de arte, que no es otro que fomentar el coleccionismo, la promoción de los artistas y propiciar contactos sociales que permitan dinamizar las transacciones para facilitar la compra-venta de obras. En muchos casos, esa función primaria en el mercado del arte es sustituida por la de ser un ero escaparate de la imagen del mercado del arte. La convicción de que una feria puede ser el mejor sitio para comprar y vender arte, pero el peor para exponerlo y contemplarlo nos llevó a intentar reflexionar sobre el auténtico papel de las galerías de arte y la deriva del significado de las ferias de arte contemporáneo y madurar esta propuesta que tiene como objetivo insistir en la formación de la mirada con respecto a las obras de arte contemporáneo y devolver a las galerías su sentido más esencial, al margen del comercial: el de ser espacios expositivos en los que mostrar proyectos artísticos específicos.

Utilizando la feria como plataforma de difusión para la promoción, el contacto y la venta de obras de los artistas representados y la galería como espacio expositivo de esas obras, intentamos evitar la contaminación aludida y devolver a ambas, la galería y la feria -y a las obras de arte, en definitiva- su auténtico significado.

Erwin Olaf, The Keyhole, única presencia física en el stand de ARCO, 2012.

¿Qué tipo de información relativa a las obras podremos encontrar en el stand?

Fundamentalmente visual. El visitante se encontrará con cuatro pantallas gigantes que estarán proyectando imágenes de un recorrido por el stand "real" en el ANEXO de la galería en la calle Doctor Fourquet de Madrid con la información técnica de las obras expuestas. Por supuesto, los interesados tendrán de las personas a cargo del stand toda la información que requieran de dichas obras, del concepto del stand y de las motivaciones del proyecto y de como, cuando y dónde pueden visitar el ANEXO y contemplar en directo las obras de arte. También el modo de utilizar el servicio limitado de transporte gratuito desde Ifema al Anexo de la galería y viceversa que hemos programado y que podrá ser utilizado, según disponibilidad, previa consulta y reserva.

¿Por qué habéis seleccionado esta pieza de Erwin Olaf como única obra presente físicamente en el stand?

Por varias razones. Por apoyar la iniciativa de la feria este año de focalizar la atención de cada galería en el trabajo de uno de sus artistas, que nos parece muy acertada, por la designación este año de Los Países Bajos como el país invitado en la Feria ya que Erwin Olaf es nuestro artista holandés al que representamos desde hace más de quince años, pero, sobretodo, porque el proyecto que presentamos, The Keyhole, una instalación formada por dos vídeos proyectados en el interior de un espacio cerrado por dos puertas, y que solo podrán verse a través del ojo de sus cerraduras, se encuadra perfectamente dentro del concepto general de nuestra propuesta.

Erwin Olaf, The Keyhole, única presencia física en el stand de ARCO, 2012.

Siguiendo con el discurso “virtual” que proponéis, ¿Qué os parecen iniciativas como la VIP Art Fair, celebrada en Internet hace unos días?

Todas las iniciativas que estén encaminadas a fomentar el coleccionismo y la difusión y promoción del arte contemporáneo nos parecen positivas. Otra cosa es que consideramos que unas puedan ser más efectivas que otras.

Dar a conocer y a entender el arte contemporáneo a un público general no es sencillo ¿cuál es vuestra estrategia como galería?

Una galería de arte tiene un marcado carácter cultural pero no es un centro educacional y nuestra labor no es la de educar al público en general, aunque lo hagamos en muchos casos, ya que eso tienen que hacerlo las instituciones competentes, por lo que no tenemos una estrategia al respecto más allá de realizar nuestra labor de promoción del programa de la galería y del trabajo de nuestros artistas del modo más efectivo y coherente.

Galería Espacio Mínimo
Cuándo: Del 15 al 19 de febrero en ARCO
Dónde: Pabellón 10 stand 10A20

Links de la semana: ARCO 2012

2012-02-17T00:11:00.000-08:00

Hoy cambio de estrategia y en lugar de ofreceros la semana resumida en links, os resumiré las noticias más interesantes publicadas hasta hoy sobre la edición de ARCO 2012 y todo lo que se mueve a su alrededor.

Empecemos por las múltiples entrevistas que ha dado Carlos Urroz en los últimos días. Aunque el discurso oficial es el que es, en cada una de sus apariciones comenta algo distinto que amplía nuestro conocimiento sobre como funciona y se piensa ARCO. Hace una semana Urroz contestó a las preguntas que le hicimos los lectores de El País en una entrevista digital. Menos espontánea pero más jugosa es la que le ha hecho Paula Achiaga para el Cultural donde el director de ARCO rebela por donde van los tiros en materia de consolidar la feria. Ahora bien, si lo que os gusta es verlo en vivo y directo os recomiendo la videoentrevista que aparece en Hoyesarte.

El miércoles la feria se inauguró para los profesionales pero Elena Vozmediano se debió dar una vuelta durante el montaje porque el día 14 ya teníamos en su blog la propuesta de un tour virtual por la sección Opening, comisariada por Manuel Segade.

Las primeras reacciones ante la nueva edición no se han hecho esperar. En El País, Estrella de Diego cuestionaba la iniciativa de la Galería Espacio Mínimo de presentar el stand de la feria vacío y unos días más tarde celebraba la austeridad de la feria en esta nueva edición. Esta misma austeridad es la que menciona Nicola Mariani en su blog destacando la calidad por encima de la espectacularidad, un equilibrio difícil de mantener en una feria. También me parece recomendable el post de Ferran Barenblit, describiendo los "universos" dentro del universo que es ARCO.

Holanda es el país invitado de este año, The Dutch Assembly, proyecto comisariado por Latitudes en ARCO nos acerca a la situación artística y cultural de este país, pero para hacernos una idea rápida del estado de la cuestión, el artículo de Roland Groenenboom, comisario holandés, en el Cultural nos viene la mar de bien.

Y por si dudábamos de que en una feria a lo que se viene es a vender, el País publica un artículo sobre los 280 principales de ARCO, los 280 coleccionistas que se pasearán por la feria para que ésta tenga su verdadero sentido de ser. Y para los que no compramos pero nos lo miramos, no está de más escuchar las sugerencias de a qué artistas hay que seguirles la pista para estar al tanto de las inversiones de futuro.

ARCO 2012: Entrevista a Manuel Segade, comisario de la sección "Opening"

2012-02-16T00:11:00.000-08:00

Lo dice el propio Carlos Urroz, que si de algún modo puede consolidarse ARCO es a través de lo emergente. Manuel Segade ha sido el encargado este año de comisariar una de las secciones de la feria que más interés despierta. La sección Opening se consolida por segundo año consecutivo como la apuesta más firme para convertir a ARCO en una feria donde descubrir nuevos talentos. Comisario en el cGac de Santiago de Compostela y en La Casa Encendida de Madrid, en Barcelona lo conocemos, entre otras, por La Qüestió del Paradigma. Manuel Segade nos ha contado cómo ha desarrollado su trabajo.

¿Cuáles ha sido las bases para la selección de las galerías?

He mantenido –con 10 de 25 galerías que se presentarán en Opening- una solución de continuidad con respecto al proyecto de Maribel López el año pasado. Las galerías que vuelven demuestran que la sección les ha funcionado y que ARCO supuso un impulso en sus trayectorias internacionales que, invitarlas de nuevo, supone consolidar. Por otro lado, me interesé en investigar escenas emergentes europeas –como la de Europa del Este- o directamente lejanas –como los países nórdicos- para permitir al público y a los coleccionistas acercarse a contextos que no recibimos en España habitualmente.

Hay un predominio de galerías berlinesas, ¿Berlín, continúa siendo la capital del arte emergente?

Se producen dos situaciones interesantes en Berlín: es la ciudad con mayor cantidad de galerías jóvenes en toda Europa y, además, es una ciudad que no cuenta con una enorme mercado; eso hace que, para las galerías de su escena, las ferias sean un recurso fundamental.

A grandes rasgos, ¿podrías destacar las líneas de trabajo del arte que se muestra en estas galerías?

Se trata de prácticas artísticas de riesgo, nombres de artistas todavía no consolidados se mezclan con artistas que comienzan a despuntar, actitudes experimentales se encuentran con reinterpretaciones de la tradición reciente... Lo más interesante es cómo físicamente, con su estructura de plaza, Opening compone un buen contexto donde las galerías se relacionan entre ellas no sólo por lógica espacial sino por una afinidad de gusto común. Esa idea de comunidad la representa la pieza de Solo Objects Exedra Levelling Field del artista turco Can Altay: será una escultura relacional que compone el centro del patio de Opening, un espacio para estar y a la vez una librería de libros de artista –Múltiplos, de Barcelona.

Dar a conocer y a comprender el arte contemporáneo no es fácil, ¿en tu trabajo como comisario te planteas su recepción por parte del público?

Por supuesto. Cualquier trabajo con la representación se expone, se publica o se presenta para un tercero. Lo fundamental es entender que no se trata de un elemento informe, genérico: el público no existe; existen los públicos, diversos, heterogéneos, con niveles de implicación diferenciados. En ese trabajo lo fundamental es el estudio del contexto y saber a quién o quienes te diriges en cada momento. Ahora bien, a pesar de la importancia de los ejercicios de traducción pedagógica o mediaciones diversas, es importante no perder de vista lo que afirmas en tu pregunta: el arte contemporáneo, en general, no proporciona objetos o discursos fáciles; ese es su territorio y eso obliga a un esfuerzo extra a sus públicos. Es un planteamiento simple: para discursos directos existen otras disciplinas, como la comunicación o la publicidad.

¿Cómo definirías la relación entre galeristas y comisarios?

Ambos forman parte de un sector productivo: cada uno cumple su función, de señalar o contextualizar por parte del comisario y de mostrar y vender por parte de la galería. Lo interesante de la escena del arte actual es que las metodologías de los artistas han alcanzado un nivel de complejidad que obliga a eliminar límites, barreras, distancias entre formas de trabajo que ya no se pueden adscribir a un ámbito profesional concreto y cerrado. Eso es lo que obliga continuamente a un trabajo en colectivo del que comisarios y galeristas, forman ineludiblemente, parte elemental.

ARCO 2012: Entrevista a Latitudes, comisarios de "The Dutch Assembly"

2012-02-15T03:15:00.003-08:00

Mariana Cánepa Luna (Montevideo, 1977) y Max Andrews (Bath, 1975) son el equipo que conforma Latitudes, una plataforma curatorial independiente con base en Barcelona que desde 2005 viene desarrollando proyectos en colaboración con artistas e instituciones. El resultado de sus investigaciones en el terreno del comisariado suele ser muy diverso, desde exposiciones a conferencias o proyectos editoriales. En esta edición de ARCO ponen a prueba su diversidad con The Dutch Assembly, un proyecto que prevé treinta horas de charlas, presentaciones, performance y lecturas que nos acercarán a la escena artística y cultural del país invitado de este año: los Países Bajos.

¿Podéis explicarnos cómo nació este proyecto para ARCO?

La invitación que nos extendió el Mondriaan Fund consistía en comisariar la representación de instituciones neerlandesas en ARCOmadrid como parte del programa 'FOCUS: Países Bajos', que también engloba la participación de 14 galerías holandesas comisariado por Xander Karskens. Nuestra propuesta quería enfatizar la gran diversidad discursiva y la calidad de producción que está teniendo lugar en los Países Bajos, y sobretodo explotar la duración de la feria, así como el espacio físico que se nos ofrecía en el Pabellón 10.

¿Qué encontrará el público que se acerque al stand de The Dutch Assembly durante los días que dure la feria?

En primer lugar el visitante se encontrará una estructura similar a una yurta en forma espiral realizada de madera. Aquí tendrán lugar los 30 eventos (mesas redondas, presentaciones de publicaciones, performances, entrevistas, proyecciones de films, presentaciones de artistas, una subasta, etc) que hemos organizado para los cinco días de la feria. Cada evento tendrá una hora máxima de duración y empezará a cada hora en punto, comenzando una hora después de la apertura de la feria (a las 13h) y finalizando una hora antes de concluir la feria (19h o 20h según el día).

'The Dutch Assembly' se presentará como lugar de encuentro entre profesionales y el público que libremente quiera participar y obtener así una visión transversal de lo que artistas, comisarios, directores de museos, academias, investigadores, etc. han o están realizando en estos momentos en Holanda. Lógicamente no son tiempos de celebración en el panorama cultural holandés con los gravísimos recortes que están sufriendo y que se agravarán aún más a partir del 2013, no obstante no queremos que eso nos paralice, sino que queremos avivar el debate, pensar en qué modos de trabajo se pueden adoptar, qué sinergias se pueden crear y a dónde se encamina el futuro de la producción, exhibición y educación artística. Podéis consultar y descargar el programa aquí
http://issuu.com/latitudes/docs/tda_programme_long

Jasper Niens and Thijs Ewalts "Superstructure", Wood, metal, 8 x 11 x 4m. Produced at Studio Pompstraat, Rotterdam

Production: John Colenbrander, Rick Eikmans, Daan Jansen, Jonathan den Breeijen.

Jasper Niens destaca por crear instalaciones en espacios fierísticos que transforman el código de relación con el público. ¿Podéis comentarnos un poco cómo es el proyecto de stand que ha ideado para acoger The Dutch Assembly?

Lo que nos interesaba del trabajo de Niens era su diálogo con el espectador y cómo piensa el espacio en el que nos movemos. Es cierto que ha realizado proyectos en ferias con su galería (por ejemplo, en Art Forum Berlin o en Nada Miami, el mismo stand era su proyecto), pero han sido sus proyectos en el espacio público y para escenografías teatrales lo que más nos interesó. Cuando le invitamos hablamos mucho sobre la tipología de espacio que ambos teníamos en mente y la necesidad de traducir la idea de asamblea, de acoger cómodamente a los invitados y al tiempo ser abierto para que el público se sintiese bienvenido a participar. En este sentido, el espacio que ha creado en colaboración con el diseñador Thiis Ewalts, invita al recogimiento al tener una forma orgánica como si se tratase del caparazón o la concha de un animal. La estructura se ha producido por partes en un estudio en Rotterdam y está hecha de maderas de lámina reforzadas de acero. El espacio de esta 'Superestructura' (así la han titulado) mide unos 10m de largo, 5m de ancho y 4m de alto.

Jasper Niens and Thijs Ewalts "Superstructure", Wood, metal, 8 x 11 x 4m. Produced at Studio Pompstraat, Rotterdam

Production: John Colenbrander, Rick Eikmans, Daan Jansen, Jonathan den Breeijen.

Vuestro proyecto es ejemplo de cómo un evento destinado al mercado puede convertirse también en una plataforma de análisis crítico y de debate del propio sistema. ¿Están tomando las ferias un papel que anteriormente protagonizaban otros eventos como por ejemplo las bienales?

ARCOmadrid siempre ha tenido un excelente programa de foros y debates muy importantes, en mi opinión ese ha sido uno de los sellos distintivos de la feria madrileña (cuando éramos estudiantes pasábamos más horas participando en estos programas que en la feria misma...). En este sentido pensamos que Carlos Urroz, director de la feria, ha querido reforzar este aspecto puesto que las ferias van más allá del comercio entre coleccionistas y galerías. La peculiaridad del proyecto que hemos organizado en esta ocasión, recae en que los 30 eventos son accesibles a todo el público (sin costes extra más allá de la entrada general a la feria) y que tendrán lugar en la misma feria (no en una sala de reuniones) y eso esperamos le de un ritmo más fluido y menos formal.

De entre los artistas que participan en el proyecto se cuentas varios españoles que están desarrollando proyectos en los Países Bajos, ¿existe el mismo flujo a la inversa, es decir, artistas neerlandeses que vienen a España en programas de intercambio?

Lamentablemente no puedo decir que sea así. Por supuesto, sí hay casos puntuales de intercambios, pero no se puede comparar al gran flujo de nacionalidades que ha existido en los Países Bajos. La estructura y sobretodo la diversificación del panorama cultural neerlandés de academias, centros de arte, museos, residencias, etc. han ofrecido (hasta ahora, está por ver cómo afectan los futuros recortes) una calidad de producción y exhibición admirable. La elección de los participantes españoles no es una cuestión de nacionalidad o de querer crear puentes entre los Países Bajos y España (que sí es lógicamente un criterio que hemos seguido), pues contaremos con la participación de artistas de Inglaterra o de Estados Unidos, que viven en Holanda desde hace años, como es el caso de Nathaniel Mellors o Jeremiah Day. Rubén Grilo por ejemplo, es actualmente residente de la Rijksakademie, Lara Almarcegui estudió en De Ateliers a finales de los noventa y ha residido en Holanda desde entonces, y lo mismo sucedió a Paloma Polo - acabó el programa De Ateliers en el 2009 y se ha quedado a vivir allí.

¿Tenéis previsto recoger y mostrar las conclusiones y aportaciones extraídas tras los cinco días que dura el proyecto?

No, no habrá conclusiones finales. La asamblea sigue un modelo más especulativo: la idea es que los participantes presenten sus proyectos e ideas directamente al público que quiere participar, sin necesidad de llegar a un consenso final, siendo más una investigación abierta y en curso. Cada evento/invitado ha decidido qué presentar, unos hablarán directamente del programa de los centros en los que trabajan (como es el ejemplo de Leontine Coelewij, Comisaria del Stedelijk Museum Amsterdam, que presentará el proyecto de extensión que está teniendo lugar en el museo), otros han 'delegado' esa hora que ofrecemos a cada participante, a un artista que de algún modo representa su modo de trabajo (como es el caso de De Hallen en Haarlem que ha invitado al británico Rory Pilgrim a realizar una performance con un coro) y otros aprovechan la oportunidad para presentar publicaciones (Zoë Gray, comisaria del Witte de Witte Rotterdam entre 2006-11, presentará una publicación que ha co-editado y que recoge los 20 años de la institución). La idea es que cada uno se lleve la experiencia del momento y realice sus propias conclusiones a partir de la pluralidad de proyectos y perfiles que se presentarán.

The Dutch Assembly
Cuándo: del 15 al 19 de febrero 2012 en ARCO
Dónde: Pabellón 10 stand G36
Twitter: @LTTDS #NLAssembly

Memòria personal. Fragment per a una autobiografia

2012-02-12T14:02:00.000-08:00

Hay una tipología de artista que escribe y Tàpies era uno de ellos. En la introducción de este libro, el propio artista menciona que al leer los escritos de artisas como Gauguin y Van Gogh se había planteado que él también algún día, acabaría escribiendo algo parecido a una biografía, este algo parecido es Memoria personal

A diferencia de otros ensayos suyos donde se centra en la creación artística y el arte en sí, este libro nos acerca a Antoni Tàpies, a la persona detrás del personaje. Como a veces pasa con las autobiografías, su texto también es una fuente imprescindible para conocer su obra. Aún así, a mi su lectura me ha ayudado a entender a Tàpies no tanto a nivel artístico y en su contexto internacional, sino al Tàpies comprometido con su cultura, la catalana, a un intelectual que luchó por la libertad expresándola a través del arte.

Es un libro lento que recomiendo leer sin prisas, tomándolo por etapas, y que puede interesarle no sólo a quien le guste el arte sino también a aquellos que les interese la historia de Barcelona y de España en general, la historia vivida desde la óptica del artista más importante que ha dado Cataluña en el siglo XX. Su lectura es una muestra también de la formación de una personalidad a través de la lectura, de la cosntrucción del pensamiento y de la conciencia de uno mismo a través de los libros, algo que en el caso de Tàpies se traduce en la complejidad del significado de su obra.

Antoni Tàpies, Memòria personal. Fragment per a una biografia, Fundació Tàpies, 2010. Precio: 34€

Links de la semana: De Tàpies a la centralización del MACBA

2012-02-10T00:07:00.000-08:00

Sin duda alguna la noticia que ha centralizado la atención de los medios de comunicación esta semana ha sido la muerte de Antoni Tàpies. Si bien todos los medios nacionales e internacionales se han echo eco de su fallecimiento, su pérdida se ha hecho sentir de forma muy especial aquí, en Cataluña. Es difícil expresar lo que Tàpies significa para la cultura catalana, su figura simboliza no sólo el arte sino una forma de sentir y entender Cataluña. El lunes, cuando la Fundació Tàpies abrió sus puertas en gesto de duelo para que el público pudiese despedirse del artista a través de sus obras, se podía sentir un extraño sentimiento de emoción y orgullo entre la gente que deambulaba por las salas y aprovechaba para acercarse a ver sus obras. Pocos artistas han sido tan discutidos como él, pero la reacción de la gente ante su pérdida ha sido una clara demostración de hasta qué punto su figura y su obra forman parte de nuestro patrimonio cultural.

A mitad de semana cerraba la segunda edición de Vip Art Fair, la feria 2.0. Si bien esta edición puede presumir de haber sido un éxito de público, los resultados en la venta no han sido tan satisfactorios como cabría esperar, habrá que darle tiempo al tiempo y esperar a que los coleccionistas se habitúen a interactuar via internet.

Buenas noticias para el arte en Latinoamérica, Urugay celebrará su primera Bienal "El Gran sur" en Montevideo. Alfonso Hug junto con la chilena Paz Guevara y la uruguayana Patricia Bentancur serán los encargados de comisariar la Bienal que tendrá lugar entre septiembre y diciembre de 2012.

Cuenta atrás para ARCO, Carlos Urroz ha concedido una entrevista a hoyesarteTV donde nos explica las novedades de esta edición y la dirección que pretende tomar la feria en los próximos años. En otra entrevista en el diario el MUNDO, Urroz se ha manifestado sobre la posible competencia que le puede salir a ARCO con el proyecto de Todolí para Barcelona: en España no hay tanto pastel para repartir.

Para terminar y como viene siendo habitual, nos centraremos en el tema Canòdrom, que ha cerrado de forma vergonzosa uno de sus capítulos. Como desconozco objetivamente las causas de lo que desde fuera parece una mala gestión de todos aquellos que tienen responsabilidades sobre el dinero que se ha invertido en un proyecto totalmente fallido, me remitiré a ofreceros los links que recogen la visión de cada uno de ellos: L'Associació d'Artistes Visuals de Catalunya empezó la semana con una acción de protesta en el propio Canòdrom, adelantándose a lo que se intuía iba a ser la decisión de la comisión delegada del MACBA presidida por Bartomeu Marí. Efectivamente la comisión ha decidido descartar el Canòdrom y situar el proyecto en la antigua fábrica Fabra i Coats, en Sant Andreu, hecho que conlleva prescindir de la figura de director, y por lo tanto de Küng, que por fin ha podido decir la suya en un comunicado donde deja especificada la burrada de dinero que se ha malgastado con el proyecto del Canòdrom: 4.450.000,00 €, todo para nada. De todo este tinglado quien sale reforzado (no moralmente precisamente) es el MACBA que pasará a controlar el sistema institucional artístico de Barcelona. Para poder leer una voz que no sea la que se expresa desde las páginas de La Vanguardia recomiendo leer el artículo de A*desk, y esperando a que Elena Vozmediano analice con imparcialidad la gravedad el asunto os animo a repasar lo que comentó sobre el ambiente que se respiraba en la entrega de los GAC la semana pasada.

A d'Antoni Tàpies

2012-02-06T14:27:00.000-08:00

Hace unos días escribí un post sobre la exposición que el Museu de Granollers le dedica al nacimiento del arte conceptual en Cataluña. Meridià Granollers es una exposición que nos acerca a una época en la que las ganas de salir del atraso cultural en el que estaba sumido el país, hicieron que un grupo de jóvenes pusiera a Granollers en el mapa de la vanguardia artística.

Antoni Tàpies, Gran A, 1977. Foto: Camilayelarte

De esta misma voluntad, el año 1977 los artistas Jordi Benito y Vicenç Viaplana decidieron organizar en el recién inaugurado Museo de la ciudad un ciclo de exposiciones dedicadas al arte contemporáneo catalán. La primera de ellas reunió a tres figuras fundamentales: Joan Miró, Joan Brossa y Antoni Tàpies.

Antoni y Teresa manos la obra con la Gran A en el Museu de Granollers, 1977. Foto: Camilayelarte

En la sala del segundo piso del Museu de Granollers se alzaba hasta hace pocas semanas una enorme A. A de Arte, A de Antoni, A como la primera letra del alfabeto, el inicio de algo que contiene a su vez inscrita la caligrafía de una O, O como un círculo que se cierra: el símbolo de un principio y de un fin. Esta obra fue creada por Tàpies y su esposa Teresa in situ, en el propio museo, con motivo de la exposición que antes mencionaba. Su participación en la muestra era fruto de la voluntad de una gente joven que quería mostrar el arte de aquéllos que como Miró, Brossa y el propio Tàpies habían sido un faro a seguir durante los oscuros años del franquismo. Ellos ya no están pero su legado queda.

VIP Art Fair 2012: la feria 2.0

2012-02-06T00:11:00.000-08:00

Con pocas ganas de salir de casa por culpa del frío, este fin de semana la VIP Art Fair me ha ido como anillo al dedo para poder visitar una feria sin gastos de ningún tipo, únicamente a golpe de click. A pesar de ser una defensora de la experiencia sensorial y física que para mi tiene el arte, y de desconfiar que una visita online a una galería, un museo o una feria pueda substituir la experiencia de vivir el arte en directo, tengo que decir que me ha sorprendido muy positivamente su formato y funcionamiento.

Eija-Liisa Ahtila, Vaaksauora - Horizontal , 2011. Marian Goodman Gallery.

Dándome una vuelta por los stands me he preguntado si tal vez esta idea debería aplicarse a otras ferias como la LOOP Art Fair, dedicada al videoarte, un medio que se adapta perfectamente al visionado online, y que te permite ver las piezas que te interesan más de una vez y de una forma más cómoda que en la habitación de un hotel.

Carlos Caraicoa, No way out, Galleria Continua, Vip Art Fair, 2012

Parece ser que este año el funcionamiento ha mejorado notablemente respecto a la edición del año pasado, no lo puedo comparar, pero a diferencia de otro experimento de este tipo como Paddle8, sí puedo decir que Vip Art Fair me ha enganchado más.

Vista del plano de la feria con las opciones de filtro y ruta

La estructura no deja de ser como en una feria normal y corriente, con galerías que presentan proyectos a gran escala, otras dedicadas a un solo project, la sección de arte emergente o de obra gráfica. La pestaña que me ha sido más útil ha sido la del mapa a través de la cual se puede filtrar la información que te interesa por temas, como el continente de proveniencia de la galería, artistas, medios y precios, algo que en una feria de a pie es absolutamente imposible. Si me pongo en la piel del que pueda plantearse comprar una obra, me da la sensación que el formato online puede resultar más cercano para jóvenes coleccionistas que todavía no se sientan seguros en el mundo de las ferias y las galerías. Preguntar el precio de una obra y entrar en conversaciones con el galerista no debe ser fácil, aquí en cambio tienes el precio en todas las piezas y si lo deseas puedes entrar en el chat de la galería para pedir más información. Vip Art Fair es un formato más democrático para con el gran público, que rompe con el elitismo que se da en las grandes ferias de arte contemporáneo al uso.

Vista de una de las obras del stand de la galería Joan Prats en Vip Art Fair

De entre las galerías españolas he encontrado sólo dos, la Galería Joan Prats con la representación de un solo artista, Enrique Martínez Celaya, y la Galería Elba Benitez, con obras de Cabello/Carceller, Cristian Iglesias y Ignasi Aballí entre otros.

Cabello/Carceller en el stand de Elba Benítez

Por lo que se refiere a las galerías de arte emergente, me han llamado la atención Untitled de Nueva York y Gonzalez y Gonzalez de Santiago de Chile. Cabe decir que las obras expuestas van cambiando constantemente, de forma que el interés por una galería o artista se puede prolongar a lo largo de todos los días que dura la feria. Más de una visita se hace necesaria para comprobar si los stands han ido cambiando o no.

Vista de la obra de Ryan Gander en el stand de Annet Gelink gallery

Otra de las opciones que más me ha gustado es la de construir tu propio tour por la feria y seleccionar lo que más te ha gustado, algo que en vivo requiere más de un día de visita, en este caso además puedes organizar tus visitas y selecciones por temas y jugar un poco a hacer de comisario, y si no, seguir las recomendaciones de profesionales como Jens Hoffmann y Daniel Herrmann. Si a esto le añadimos el uso de las redes sociales el éxito del formato está asegurado. Vender no se si venderán, pero ofrecer entretenimiento y conocimiento al espectador lo hacen de sobras.

VIP Art Fair 2.0 hasta el 8 de febrero de 2012 en http://www.vipartfair.com

Homenatge a Salvador Riera

2012-02-05T03:35:00.000-08:00

Comparado con el reconocimiento que reciben comisarios y críticos de arte, siempre me ha parecido injusta la valoración de los galeristas dentro del sistema del arte. Parece que el hecho de comerciar los convierta en acto seguido en los malos de la película, yo admiro mucho el trabajo de aquellos galeristas que se implican y defienden la obra de los artistas y que comparten los buenos y malos momentos de sus carreras, y pienso como Sami Tarica, que a menudo el que sabe más de arte no es el historiador sino el marchante.

Homenatge a Salvador Riera, de Andreu Pujol Mas y Glòria Bosch i Mir, es un libro que recupera la memoria de una de las figuras más importantes de la Historia del arte en Cataluña en la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Breda, un pueblo del Montseny, Salvador Riera es el ejemplo del emprendedor que a finales de los años cuarenta abandonó Cataluña para irse a las Américas en busca de prosperidad, una situación no muy distinta de la de ahora. Muy implicado culturalmente, desde Brasil tejió una importante relación con artistas e intelectuales como Josep Pla o Joan Ponç y construyó una de las colecciones de arte catalán más importantes del mundo.

A su vuelta a Barcelona, Riera abrió la galería de arte Dau al set, cuya labor, durante los veinte años que estuvo abierta (1973-1994), fue la de mostrar exposiciones de carácter histórico del arte catalán, así como de figuras contemporáneas como Barceló, George Condo o Jean Michel Basquiat. La colección que reunió a lo largo de su vida es de hecho el embrión de la colección del MACBA la cual vendió por un precio muy bajo a la Generalitat de Catalunya poco antes de su muerte, en 1994. Su viuda, Carmen Buqueras de Riera, es actualmente una de las coleccionistas de arte contemporáneo más importantes de España. Este Homenatge es un ejemplo de cómo hacer Historia del arte desde el testimonio de alguien que vivió su pasión por la cultura como una forma de compromiso con su país, el mismo compromiso que han demostrado quienes han organizado el homenaje y la edición de este libro.

Glòria Bosch i Mir y Andreu Pujol i Mas, Homenatge a Salvador Riera, Associació de Veïns Vilatans de Breda, Breda, 2012. L'Alguer7

Links de la semana: de los premios GAC al proyecto de Feria de Vicente Todolí

2012-02-03T00:11:00.000-08:00

No ha sido una semana de muchas alegrías así que empezaremos recordando lo bueno: el día 1 de febrero se entregaron los premios GAC, los galardones que las cuatro Asociaciones de Galerías de Cataluña (sí, cuatro), otorgan al sector del arte y el galerismo. De todos los ganadores, de quién más nos alegramos es del otorgado a Elena Vozmediano como mejor crítica de arte. Al día siguiente El Cultural publicó una entrevista en la que con la sencillez y lucidez que la caracteriza demuestra el porqué es una de las mejores.

La mala malísima noticia de la semana ha sido la de la pérdida del Espai Laboratori del Arts Santa Mònica. Los recortes no han tenido piedad con el proyecto que investigaba la relación entre arte y ciencia y que francamente otorgaba una identidad única al Santa Mònica. El Espai Laboratori era un ejemplo de cómo los museos pueden romper las barreras entre disciplinas. Josep Perelló, responsable del área, se niega a continuar después del tijeretazo que prevé la organización de una única exposición al año. El drama no termina aquí, sino que el Santa Mònica por decisión del Departamento de Cultura de la Generalitat, también pierde el servicio pedagógico que acompañaba a las exposiciones. Para echarse a llorar. No os perdáis como despedida de l'Espai Laboratori la exposición Camps invisibles, en muestra hasta el 4 de marzo de 2012.

En el mundo cool del comisariado la noticia de la semana ha sido el anuncio del próximo comisario de la 55ª Bienal de Venecia: Massimiliano Gioni que actualmente está en el New Museum, joven y con una carrera bastante de envidiar, no es la primera Bienal que comisaría, aquí podéis ver la entrevista que le hicieron en la pasada edición de ARCO, como comisario de la Gwanju Bienal. Y en el mundo no tan cool y más de pandereta del comisariado made in Spain destaca la defensa que la AAVC ha realizado de la figura de Moritz Küng, cuya continuidad en el drama Canòdrom depende de la Comisión delegada del MACBA. Si bien hay maniqueísmo en el trato que se le ha dado a este tema no me parece que la palabra "precariedad" que aparece en el artículo sea la indicada para describir la situación de Küng.

Otra noticia triste ha sido la de la muerte, por suicidio según parece, del artista Mike Kelley. Buscando información sobre su obra he encontrado esta entrevista que Art21 le hizo hace un tiempo y que vale la pena mirar.

Y para terminar con algo de alegría entre tanta pena, la sorpresa del proyecto que Vicente Todolí presentará finales de este mes a la Fira de Barcelona sobre un nuevo modelo de feria basado en la exhibición de artistas seleccionados por un equipo de comisarios y representados por galerías. A caballo entre una feria y una bienal, tal vez el proyecto consiga ubicar a Barcelona en el circuito de ferias internacionales que tanto ambiciona.

Arte Fiera 2012: Mucho ruido y pocas nueces

2012-02-01T00:55:00.000-08:00

El otro día leí que Italia es el país donde se celebran más ferias de arte al año. Cantidad no es sinónimo a calidad, pero de entre todas ellas la más antigua y prestigiosa es Arte Fiera celebrada en Bolonia desde 1974. Otras ferias que compiten con este título son Artissima en Turín y MiArt en Milán.

Vista de Arte Fiera Bologna 2012. Foto: Camilayelarte

La celebración de Arte Fiera convierte a Bolonia durante la última semana del mes de enero en una ciudad donde poder disfrutar del arte a lo grande (y barato). Los museos son gratuitos para aquellos que hayan visitado la feria, además, el sábado se celebra la Notte bianca que coincide también con Art First, un proyecto de comisariado ubicado en diversas sedes de la ciudad. Por si sobrara tiempo también podemos dedicarnos al Arte Fiera Off, donde galerías de la ciudad y diversos espacios culturales aprovechan para inaugurar nuevos eventos.

Stand de la Galeria Nikolaus Ruzicska, Salzburgo. Foto: Camilayelarte

Pino Pinelli, Pittura R, Galleria Santo Ficara, Firenze. Foto: Camilayelarte

A pesar de la gran oferta, Arte Fiera adolece de ser un evento cada vez más local. Si nos centramos únicamente en la feria cabe decir que la presencia internacional es mínima, uno de los principales handicaps de las ferias en el sur de Europa, pero todavía es más desconcertante la ausencia de galerías que son un referente en Italia: si los mejores no acuden es que algo pasa. En esta edición una parte más que importante de las galerías de Milán han decidido darle la espalda a Arte Fiera, los motivos se desconocen y hay quien habla de estrategia para potenciar MiArt como la nueva feria más importante del país.
Más allá de lo que pueda suceder entre el equipo directivo y las galerías milanesas lo que sí es evidente es que el nivel medio ha bajado en los últimos años. Sinceramente me sorprendió la calidad más bien justa de las galerías participantes, tal vez 300 sean demasiadas para poder mantener el nivel de la que se supone es la feria más importante del país. No se sabe si la actual directora continuará dirigiendo el evento el año que viene pero está claro que Arte Fiera necesita un cambio si quiere recuperar el papel que en algún momento tuvo.

Jannis Kounnellis, Senza titolo, 2008. Galleria Fumagalli, Bergamo

Giorgio Griffa, Puntini Bianchi, 1970. Galleria Fumagalli, Bergamo. Foto: Camilayelarte

Michelangelo Pistoletto. Galleria Claudio Poleschi, Lucca. Foto: Camilayelarte

De lo seleccionado por las galerías este año, se percibía la influencia de la exposición de Arte Povera comisariada por Germano Celant en varios museos italianos. Mucho Pier Paolo Calzolari, Giulio Paolini, Jannis Kounnelis y el omnipresente Pistoletto, aunque este y Alighiero Boetti suelen estar presentes todos los años.

Jacob Hashimoto, Candlesticks surrounded by Earth, 2011. Galerie Forsblom. Foto: Camilayelarte

La instalación que causó furor y que más veces saldrá publicada es la instalación Armada de Jacob Hashimoto, un ejército de barquitos de vela que animaba el espacio de la feria con su sinuoso vaivén. Más interesantes que los barcos son sus piezas a camino entre la escultura y la pintura a base de papel de arroz y bambú, muy delicadas y efímeras.

Vista de un stand de la sección jóvenes galerías. Foto: Camilayelarte


William Kentridge, Drawing for Refusal of Time: Against Advice, 2011. Galleria Lia Rumma. Foto: Camilayelarte

Blue and Joy, Dear Tomorrow, 2012, sección On the spot, Galleria Paola Colombari. Foto: Camilayelarte

Antonio De Pascale, La Vache qui rit, 2011 sección On the spot. Cortesía Galleria Paolo Maria Deanesi. Foto: Camilayelarte

De entre los proyectos más interesantes propuestos por Arte Fiera destacaría On the spot, una idea que trata de cuestionar la frontera entre el evento comercial que es una Feria y la posibilidad de convertirlo en evento expositivo. Durante los tres días de duración de la feria, tres comisarios, Paco Barragán, Oliver Kielmayer y Lara Pan instalaron e inauguraron una exposición cada uno, cuya duración era de un solo día y estaba hecha con la selección de obras presentes en los stands de las galerías participantes. La que yo vi mostraba piezas de Blue and Joy y Antonio De Pascale, creo que trataba de reflexionar sobre el momento actual, la sociedad de consumo, la crisis... de hecho Blue and Joy le dirigía una carta al mañana, para que vuelva entre nosotros.

Robin Minard, à lire en silence, 2006. Galerie Mario Marzzoli. Foto: Camilayelarte

Una de las galerías que más me llamó la atención fue la Galería Mario Mazzoli, que desde hace tres años apuesta por la obra de artistas que trabajan con el sonido como elemento estructural de su obra. Es la primera vez que me topo con algo así en una feria, la verdad es que el stand parecía más bien el laboratorio de un genio loco, con obras sonoras y cinéticas que llamaban la atención de todos. Lástima que el ruido del ambiente fierístico no dejaba oír algunas de las instalaciones. Creo que era la única propuesta que afrontaba la relación entre arte y ciencia.

Dadamaino, Componibile, 1966. Foto: Camilayelarte

Lucio Fontana, Concetto spaziale, 1954. Galleria Amedeo Porro. Foto: Camilayelarte

Me dejé para el final la sección dedicada a artistas italianos de los sesenta y setenta. Junto con el consagrado Fontana también abundaba la obra de Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Dadamaino y otros artistas menos conocidos de aquella época pero igualmente interesantes. Da pena decir que tal vez fue lo que más disfruté, me arriesgo a que me consideréis algo reaccionaria en el gusto. Lo divertido de acudir a una feria es enfrentarte con la sobreabundacia y seleccionar lo que más te ha gustado o analizar el porqué no te ha gustado eso otro. Hacer fotos es el primer gesto hacia la construcción del propio criterio, a veces incluso fotografiamos lo que no nos gusta para reafirmarnos en ello, así que más allá de lo aquí haya podido decir, os invito a que veáis el álbum de mi visita a Arte Fiera.

Meridià Granollers anys 70

2012-01-29T10:30:00.000-08:00

Meridià Granollers es una de aquellas exposiciones construidas tras un proceso de investigación exhaustivo. Su resultado toma forma en las salas del museo, pero una exposición no deja de ser una manifestación efímera así que su catálogo funciona en este caso más que nunca como documento final de dicha investigación.

Tal y como sucede en la exposición, el catálogo hace hincapié sobre el espíritu que impregnó el Granollers de los setenta. No sólo se documentan las actividades entorno a las artes visuales, sino también las de la música progresiva, entendiendo la apertura cultural de aquel periodo en todas sus vertientes. Los textos de Pilar Parcerisas y Karles Torra aportan el análisis crítico en cada una de sus disciplinas mientras que el testimonio de Vicenç Viaplana, protagonista de aquella época nos ayuda a entender cómo se gestó todo aquello e incluso con qué facilidad se pudieron plantear las primeras muestras de arte conceptual. Parece un contrasentido pero da la sensación que en una España en las antípodas de la vanguardia y la cultura se pudo plantear algo que tal vez hoy con más infraestructuras y sensibilidad hacia el arte contemporáneo sería imposible.

En tiempos de crisis y de recortes en cultura, el testimonio de lo que ocurrió en Granollers me parece como mínimo inspirador. Animo a quien esté interesado en conocer el arte de los setenta en Cataluña a que lea este catálogo, bien escrito, bien documentado y diría que hasta imprescindible para comprender no sólo la historia del arte en nuestro país sino la esencia que hace posible el arte.

Meridià Granollers anys 70. Art de concepte i acció, Editado por Ajuntament de Granollers y Museu de Granollers, 2010. Precio: 30€ en Llibreria Catalònia

Links de la semana: De Pantalla Global al Crowdfunding expositivo

2012-01-27T00:17:00.000-08:00

Desde que el CCCB presentó el proyecto de Pantalla Global en el mes de octubre hemos podido seguir las aportaciones del contracampo de la exposición a través de su página web. Esta semana finalmente se ha inaugurado el campo, es decir el discurso elaborado por los comisarios Gilles Lipotvestsky, Jean Serroy y Andrés Hispano sobre la presencia de las pantallas en nuestras vidas. Parece que nos encontramos en los albores de una nueva forma de pensar la producción de exposiciones y Pantalla Global se presenta como un laboratorio de experimetación de lo procomún.

Barcelona perderá parte de la colección Alorda-Derksen. Chrisitie's celebrará una próxima subasta con piezas que se podían visitar en la Fundación AD de Manuel Alorda y su esposa Hanneke Derksen. Una lástima tanto la pérdida como la falta de proyección e interés que ha tenido la Fundación.

El Museo de Bellas Artes de Houston y el Centro Internacional para las Artes del Continente han creado el Archivo digital de arte Latinoamericano del siglo XX, una herramienta que preludia la necesidad de escribir parte de la historia del arte en Latinoamerica. Podéis consultarlo aquí.

De vergüenza ajena es lo de Juan Ripollés en el IVAM para este 2012. No teníamos bastante con lo de la escultura a Carlos Fabra en el aeropuerto de Castellón. En este artículo, Elena Vozmediano nos cuenta las irregularidades en la gestión del museo, la Diputación y demás organismos públicos.

El museo de Rotterdam ha actuado frente al tijeterazo presupuestario que suponía la suspensión de una de sus exposiciones estrella creando una red social para co-financiarla con ayuda del público. Crowdfunding para una exposición de arte, ¿será esta la nueva vía de producción de exposiciones? Como público hemos pasado de un rol inactivo a participar como actores (Pantalla Global) y productores de una exposición.

Meridià Granollers anys 70. Art de concepte i acció

2012-01-26T00:51:00.000-08:00

Ayer comenté la exposición sobre Arte Povera que ha comisariado Germano Celant en diversos museos italianos, cuya finalidad ha sido la de realizar una análisis crítico e histórico del movimiento que supuso la superación del arte entendido como pintura y escultura y que abrió la puerta a la experimentación con nuevos materiales. La exposición no me acabó de gustar, la encontré ambiciosa, con más necesidad de ofrecer un gran show y de resucitar el movimiento y su supuesta continuidad hasta día de hoy.

Xavier Vilageliu, El nom de les coses, 1971. Foto: Camilayelarte

Unos días antes de ir a Milán visité Meridià Granollers anys 70. Art de concepte i acció una exposición sobre el nacimiento del arte conceptual en Cataluña, que comparte con la exposición del Arte Povera 1967-2011 la recuperación de un mismo momento histórico y de eclosión de nuevas prácticas artísticas. Si bien no podemos comparar el peso y la visibilidad internacional del Arte Povera con la del conceptualismo catalán, ni la situación política y cultural de los dos países, sí que podemos hacerlo en el planteamiento y resultado de ambas exposiciones.

Vista general de la exposición. Foto: Camilayelarte

Magda González, Empaperament, 1971. Foto: Camilayelarte

Vista general de la exposición. Foto: Camilayelarte

Meridià Granollers anys 70 es una exposición perfectamente documentada y relatada, que nos acerca a una parte importantísima de la historia del arte de nuestro país. Es más, Pilar Parcerisas, su comisaria y los colaboradores de la muestra han conseguido transmitir algo tan difícil e inmaterial como es la energía artística que impregnó la ciudad de Granollers en aquellos años. Tras la visita de Meridià tienes la sensación de haber captado el espíritu de un período concreto y de un lugar específico.

En primer término, Àngel Jové, Il·lusió sentimetal, 1971 y Xavier Vilageliu, Elegia de la vida barata, 1971, reconstrucción 2010. Foto: Camilayelarte

Acción colectiva, El sant sopar, mayo 1973. Foto: Pere Espaulella

Montar una exposición sobre un movimiento que desafió el arte entendido como objeto, priorizando la idea y la acción por encima de la obra, no debe ser fácil. Que el resultado no sea una sucesión de documentos en vitrinas que transmiten la muerte de tal acción, que el ejercicio de historización no acabe convirtiendo la experiencia por parte del público en algo didáctico pero aburrido es todo un reto que Meridià Granollers supera con creces.

Vicenç Viaplana, Vides provocades, 1976. Foto: Camilayelarte

No es una exposición con muchas obras y sí con testimonios fotográficos y documentales. Algunas de las instalaciones son reconstrucciones, puesto que fueron concebidas como acciones efímeras. La exposición está dividida en dos espacios físicos y temáticos, el primer piso alberga el periodo de 1971 a 1973 en el que Granollers reactiva y se inventa una escena artística emergente a través de diversas iniciativas como el I Concurs d'Art jove y la exposición Homentage a Miró, que darán lugar a las prácticas de arte efímero y pobre. El segundo piso muestra la deriva de este arte de acción en los happenings y el postconceptual de los años 1974 y 1979.

Acción de Jordi Benito, Diapason, 1972. Fotografía Joan Tintó

Resulta sorprendente y revelador que una ciudad como Granollers se proyectará más allá de su condición de ciudad de provincias y que desde una escena artística local logrará mostrar unas prácticas artísticas en total consonancia con lo que se estaba experimentado en el resto de Europa en aquel momento. Vicenç Viaplana, Jordi Benito, Xavier Vilageliu, Magda González, Lluís Peñaranda o Carlos Pazos son algunos de los artistas presentes en la exposición y artífices de esta eclosión de experimentalismo.

Vista general de la exposición. Foto: Camilayelarte

Menos espectacular y con menos budget que la superproducción sobre Arte povera en Italia, Meridià Granollers anys 70 es una exposición imprescindible para entender el arte en Cataluña y acercarnos a la obra y a la actitud de unos artistas que creyeron posible superar el aislamiento cultural en el que estaba sumida España. Toda una lección.

Arte povera, 1967-2011

2012-01-25T00:47:00.000-08:00

Este fin de semana he estado en Milán para visitar una de las secciones de la exposición simultánea que Germano Celant ha comisariado en diversos museos italianos. Arte Povera 2011, un proyecto muy ambicioso en su planteamiento, ha contado con la participación de ocho museos nacionales para albergar una mega retrospectiva sobre uno de los movimientos, sino "el" movimiento artístico italiano más importante de la segunda mitad del siglo XX (con permiso de Achille Bonito Oliva y la Transvanguardia, también en muestra actualmente en Milán en el Palazzo Reale).

Vista exterior de la Triennale de Milano, 2011. Foto: Camilayelarte

La idea del proyecto tiene dos lecturas, por un lado la de mostrar la capacidad y el interés de los museos italianos de trabajar en común y mostrarse como una verdadera red de espacios expositivos y por el otro la de revisar a nivel crítico el movimiento que nació en 1967 y abrió la puerta a la experimentación con nuevos materiales y a la relación del arte con el espacio que lo circunda. Arte Povera 2011 es una clara voluntad de historizar el movimiento pero también de validar sus postulados en el momento presente, y tal vez sea aquí donde más cojea la idea, ¿realmente debemos hablar de povera en el 2011?

Vista general de la exposición. Foto: Via Artribune

Mi opinión se limita a la exposición de la Triennale, cuya finalidad es la de mostrar el Arte Povera en el contexto internacional de la época. Los artistas que históricamente podemos considerar povera son 13: Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounnellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini y Gilberto Zorio.

Vista de la exposición. En primer termino, Mario Merz, Le case girano intorno a noi o noi giriamo intorno a le case? 1994. Foto: Marco Curatolo

Una extensísima cronología en la sala de entrada del espacio de la Triennale sirve de arco histórico para ver la evolución del movimiento y entender su internacionalización a través de tres hechos significativos: la exposición Arte&Ambiente comisariada por Celant en la Bienal de Venecia de 1976 y las exposiciones realizadas por el grupo en la Galeria Konrad Fischer y Leo Castelli respectivamente.

Giuseppe Penone, Albero porta, 1993. Foto: Triennale di Milano

A nivel expositivo la muestra se resuelve haciendo honor al nombre: pobremente. Las salas de la planta baja están dedicadas a figuras individuales con obras históricas que muestran las bases estéticas sobre las que se fundó el movimiento. El resultado es algo frío y desangelado, como si las obras hubiesen envejecido mal, más allá de relacionarse con el espacio arquitectónico parecen perderse en él.


Vista de la exposición en la Triennale con obras de Pino Pascali, Giovanni Anselmo y Alighiero Boetti, 2011 Foto: Marco Curatolo

Pino Pascali, 32mq di mare, circa 1967. Foto: Triennale di Milano

En el piso superior se encuentran piezas históricas junto con aquéllas que muestran la evolución de los artistas que todavía se encuentran en activo, en un intento de establecer una relación continúa entre pasado y presente y demostrar que éstos todavía pueden exponer como grupo. Hay instalaciones como la de Pino Pascali, 32mq di mare y Giovanni Anselmo que merecen la visita a la exposición, aún así la disposición de las obras está desequilibrada, algunas se pisan y otras adolecen de no crear la sinergia esperada entre ellas, esto es así especialmente en las obras realizadas en los últimos años. Algunos de los artistas decididamente han perdido lo de povera por el camino como el caso de Marisa Merz, con una instalación al principio de la exposición muy mínima y poética hecha con hilo de nylon a finales de los sesenta y en cambio unas pinturas de los últimos años con pan de oro que no entiendo qué tienen que ver con el movimiento artístico de los sesenta. Lo mismo me parecieron los bustos romanos de Giulio Paolini.

Giovanni Anselmo, Verso oltremare, 1984. Foto: Triennale di Milano

Y es que el querer mantener que el povera tiene su continuidad hasta el 2011 es un poco alargar la cosa, es como la Venere degli stracci de Pistoletto que de tan rehecha ya ha perdido la gracia. Si hay que ser purista hay quien dice, el propio Celant en su momento, que el povera se acaba en 1971, así que mostrar lo que los artistas han continuado haciendo hasta el día de hoy es mostrar su evolución personal y no tanto la del povera en sí cuyo nacimiento fue fruto de un momento concreto de la historia. Querer historizar cierto tipo de arte o ciertos movimientos es como querer enlatar algo que si bien debiera comerse fresco lo acabamos consumiendo en conserva.

Chema Alvargonzalez. Mehr licht

2012-01-22T01:04:00.000-08:00

Si algo cabe destacar de la exposición que el Arts Santa Mònica le ha dedicado a la figura de Chema Alvargonzález, es el hecho de que más allá de ser una retrospectiva que nos acerca a la obra y al universo poético del artista, su planteamiento y puesta en escena transmite algo más que trasciende la fría divulgación crítica de su obra. Este algo más, de naturaleza inmaterial, sea tal vez resultado del cariño y respeto que sus organizadores sentían por Alvargonzález.

A esta conclusión he llegado tras entrevistar a Ariadna Mas, comisaria de la exposición y tras leer el catálogo de la muestra. Los textos de Vicenç Altaió y Ariadna Mas, nos acercan a una visión crítica de la obra del artista, en cambio, Franco Marinotti, galerista y amigo personal de Alvargonzález escribe un texto de aquellos que ayudan a trascender la distancia que a menudo los espacios expositivos imponen entre el público, el artista y la obra. Esta distancia que está muy bien salvada en la exposición lo está todavía más en el catálogo. Aún a riesgo de sonar cursi, me parece que tanto el catálogo como la exposición transmiten la nostalgia por la ausencia del artista, esa ausencia que él mismo tomaba como tema para sus obras.

Arts Santa Mònica, Mehr Licht, Ediciones Polígrafa, 2011.

Links de la semana: del Guernica en el Prado a los artistas destacados de ARCO

2012-01-20T00:30:00.000-08:00

Hace unos días comentábamos el fichaje del Metropolitan de NY con la contratación de la comisaria de la Tate para dirigir un nuevo Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Parece que algo se mueve en las rígidas divisiones que hasta ahora han dominado la gestión museística. ¿Si el MET gana en aumento de arco cronológico por qué no el Prado y el MNAC? Esto mismo se cuestiona Miguel Zugaza al otorgar un titular tan jugoso como "El Guernica se merece estar en el Prado" contundente y claro mensaje a su vecino, el Reina, que no creo le interese entregar semejante tesoro. Lo mismo tiene en mente Pepe Serra, recién aterrizado a la dirección del MNAC, quien ve clara la necesidad de romper con los límites cronológicos. La museología necesita de nuevas formas de pensar un museo, tal vez esto sea un principio.

Siguiendo la voluntad de tomar la corriente a los nuevos aires 2.0 que corren por los pasillos de los museos, Elena Vozmediano ha estado investigando estos días la presencia de publicaciones digitales y eBooks en los museos nacionales e internacionales. Aquí tenéis el resultado.

Aprovechando la renovación del convenio de patrocinio entre la fundación Telefónica y el Museo del Prado, el ministro José Ignacio Wert ha anunciado la próxima renovación de la Ley del Mecenazgo, algo que todo el sector reclamaba desde hacía muchos años. Parece ser que nos movemos hacia la privatización y la adopción del modelo anglosajón. ¿Privatizar la cultura? El blog Composición n1 se lo preguntado esta semana abriendo un espacio de debate sobre el tema. A mi lo de privatizar no me entusiasma, creo que la cultura debería ser de gestión pública, estos días he estado releyendo un artículo de David Trueba donde reflexiona sobre cómo un Gobierno puede entender la cultura como parte de su proyecto político y de país. Buscando sobre el tema he encontrado este inspirador artículo de Amador Fernández Savater animando al compromiso y la gestión en provecho de todos.

El miércoles Internet sufrió un apagón en EEUU como acto de protesta contra la ley SOPA. El blog Art Fag city publicó un post recientemente donde mostraba cómo los Net Artists habían pronosticado hace 15 años la aparición de dicha ley.

A un mes de que empiece ARCO comienzan a aparecer noticias sobre esta nueva edición dirigida por segundo año por Carlos Urroz. Ya tenemos publicada la lista de los artistas destacados de cada galería participante via Hoyesarte.

Entrevista a Ariadna Mas, comisaria de la retrospectiva de Chema Alvargonzález

2012-01-19T00:31:00.000-08:00

Aprovechando que quedan pocos días para que finalice la retrospectiva de Chema Alvargonzález en el Arts Santa Mònica, hemos charlado con Ariadna Mas, su comisaria, para que nos explique algo más sobre la exposición y la obra del artista.
De la conversación con ella se desprende que Mehr Licht es una retrospectiva no sólo construida desde el conocimiento, sino también desde el cariño y respeto por la obra de Chema Alvargonzález.

¿Cómo surgió la idea de una retrospectiva dedicada a Chema Alvargonzález?
Existía un proyecto previo que Arts Santa Mònica le encargó a Chema, una exposición sobre arte y ciencia pensada para el espacio de l'Anella. Chema realizó un pre-proyecto donde figuraba un espacio central dedicado al universo, una instalación nueva que conectaba con el tema de la ciencia y alrededor tenía diferentes secciones dedicadas a temas que él había tocado a lo largo de su carrera. Esto era poco habitual en él, ya que normalmente siempre mostraba sus últimas creaciones, nunca miraba hacia atrás. A mi me llamó la atención que en este proyecto en cambio sí figuraba algo del pasado.

Imagino que su muerte debió truncar el proyecto

Sí, Arts Santa Mònica se planteó qué hacer, si continuar con el proyecto o dejarlo. Al inicio me contactaron para coordinar la exposición, no como comisaria, la verdad es que Chema era bastante anti-comisarios y le gustaba dirigir él mismo sus proyectos. Tras estudiar su idea nos dimos cuenta que no era aprovechable porque no disponíamos de ese espacio central que él había proyectado. Finalmente nos decidimos por hacer una retrospectiva.

Vista parcial de la exposición. Foto: Camilayelarte

¿El cubo que se alza en medio de la sala hace referencia a ello?

La estructura de la exposición se desarrolla desde el vacío de esta obra que no llegó a proyectar, es el rectángulo central que divide el espacio en cuatro ejes temáticos.

¿Cómo has abordado tu labor de comisaria?

He procurado que mi trabajo como comisaria no interfiriera mucho, lo importante era hacer entender al público cuáles eran los temas que le interesaban a Chema y con los que trabajaba: el viaje, arte y ciencia, la ciudad y el abandono. Formalmente hemos buscado intervenir el mínimo para darle máximo protagonismo a las obras. El cubo central es el único elemento arquitectónico que funciona como encrucijada de temas. Nos pareció importante que el espacio fuera oscuro para que las propias piezas emanaran la luz.

¿Y el título, Mehr Licht? Es muy poético

El título juega con las últimas palabras de Goethe. Es un homenaje a Chema pensando que tal vez antes de morir también tenía en la cabeza esta idea sobre la luz. Por otro lado, este es un tema recurrente en su obra, Mehr Licht es el título de una de las instalaciones más importantes de arte público que hizo en Berlín.

Chema Alvargonzález, Visible, 2006. Foto: Camilayelarte

¿Las obras provienen la mayoría de colecciones privadas?

Hay obras de colecciones públicas, privadas y del propio fondo del artista. Debo decir que ha sido una exposición complicada a nivel de préstamos. Muchas de las piezas las hemos encontrado por el boca a boca. Al morir Chema existía un poco de caos en su archivo y localizar las piezas no ha sido fácil, de hecho algunas de ellas no han podido llegar. Una de las instalaciones más importantes, la que figura en la escalera, ha sido cedida gracias a la mediación de un galerista e importante editor, Franco Marinotti.

Chema Alvargonzález, Invisible, 2006. Foto: Camilayelarte

¿Tenías claro qué piezas no podían faltar?

Sí, las más importantes eran las instalaciones Visible e Invisible. Cuando Chema hablaba de viaje siempre lo hacía a través de estos dos conceptos. Se trata de palabras corpóreas que creo que son importantes en su trayectoria, están muy presentes en sus cuadernos de dibujos. En el caso de Visible, se trata de una pieza que ha recorrido mucho mundo, estaba pensada para eso, para dar vueltas por la ciudad. Si Chema estuviera aquí tal vez la obra estaría dando vueltas por Barcelona, no lo sabemos.

¿Podrías destacar alguna obra que te guste especialmente?

A través de las nubes, es un ejemplo de cómo utilizaba las maletas como medio para construir cajas de luz, pero a la vez para simbolizar el viaje. A mi me gusta porque además refleja cómo el artista trabajaba el material, de forma muy rudimentaria, como un artista del este donde nada es perfecto y el acabado no está pulido. Era muy manual, recuperaba las maletas de los encantes y las transformaba en cajas de luz que tal vez volvía a desmontar y reciclaba en una nueva obra. Su taller estaba lleno de maletas. La idea de tránsito aparece constantemente en su obra, le gustaba fotografiar los no-lugares, aquellos espacios impersonales y fríos, así como los medios de transporte, trenes, motos... En Largo recorrido nos sugiere a través de una Vespa reflejada en múltiples espejos la idea de viaje al infinito.

Chema Alvargonzález, Largo recorrido, 1996. Foto: Camilayelarte

El viaje también puede entenderse como idea de cambio y de transformación

Sí, es un concepto muy presento no sólo a nivel conceptual en referencia al viaje, sino por ejemplo en la constante transformación que se produce en una ciudad. La series de fotografías que representa ciudades expresan esta idea. Chema vivió toda la transformación de la ciudad de Berlín tras la caída del muro y ello se refleja en su obra.

Chema Alvargonzález, En la luz exterior, 2008. Foto: Camilayelarte

La sección dedicada al tema de la ausencia es especialmente emotiva

Chema entendía la ausencia como una especie de herida que supura y no acaba de cerrar nunca, una constante en la vida. En la última serie que hizo antes de morir recupera un poco el tema de la pintura que había tocado al principio de su carrera, trata la fotografía como lienzo, por ejemplo En la luz exterior muestra el desván vacío y abandonado de un amigo que conoció en el pasillo del Hospital Clínico mientras recibía tratamiento para su enfermedad. Este amigo murió poco antes que Chema y el vacío que se percibe en su espacio viene a figurar la ausencia tanto del amigo como la suya propia.

¿Qué herencia crees que ha dejado la obra de Chema Alvargonzález?

Yo creo que forma parte de una generación de artistas que han dejado un legado importante de trabajo realizado con nuevas tecnologías donde lo que importa es el mensaje y no tanto el material con el que se expresa. Su obra es importante tanto en España como en Berlín. Su herencia en esa ciudad es "La escuelita", el espacio que creó para artistas emergentes.

Deriva i control. Interferències en el procés creatiu

2012-01-16T00:00:00.000-08:00

Nuestras acciones en la vida están condicionadas por aspectos que no podemos controlar, cuestiones del azar que determinan la forma de aquello que en un principio pensábamos que sería de un modo y acaba siendo de otro. Bajo la idea de esta tensión entre la deriva y el control se centra la exposición comisariada por Miquel Ollé i Esther Pi en La Capella con obras de los jóvenes artistas de l'Escola Massana.

Vista general de la exposición en La Capella. Foto: Camilayelarte

La presencia de esta dicotomía inicial se presenta con más intensidad en unos proyectos que en otros. Las dos primeras propuestas son tal vez las que asumen de forma clara la idea de un trabajo en constante evolución, en este caso de evolución y deriva en el propio espacio expositivo. Pancartes d'artistes de Laia Arqués, Marta Petreñas y Massimiliano Scaglione es un proyecto enmarcado en el barrio del Raval, un trabajo de reflexión de las políticas llevadas a cabo por el Ayuntamiento como reflejo del modelo de ciudad por el que se ha apostado y de las consecuencias o inconsecuencias que esto ha tenido en la vida del barrio.

Vista general de la exposición en La Capella. Foto: Camilayelarte

En primer término, Sonobe de Celeste Miranda, 2011. Foto: Camilayelarte

En el resto de trabajos que se presentan en la sala principal, da la sensación que de la deriva se va paulatinamente pasando al control, o mejor aún, al olvido de esta idea inicial gracias a que muchos de los trabajos interesan por sí mismos, sin derivas ni controles de por medio. Os habalaré de tres que me gustaron especialmente, mal que me pese dejarme otros en el tintero. Olga Capdevila, construye del encuentro casual con el libro Sexual anomalies del Dr. alemán Magnus Hirschfeld, judío y homosexual en la Alemania nazi, una investigación entorno a su figura y la de sus pacientes a través de la ilustración de dichas anomalías. Además adopta el aspecto relacional que a mi tanto me gusta de llevarme algo de la obra a casa: una ilustración de una especie de pirámide de las perversiones, muy instructiva.

Olga Capdevila, Sexual anomalies and perversions, 2011. Foto: Camilayelarte

Hidalgo amb federalismo de Gemma Barbany es una instalación en vídeo que muestra los limpiadores de cristales de coches de al ciudad de Guadalajara en México. La pantalla principal muestra un primer plano del limpiador en acción sobre la superficie de ésta, acercándonos al colectivo, mientras que las entrevistas individuales identifican la singularidad de cada uno de ellos.

Gemma Barbany, Hidalgo amb federalisme, 2011. Foto: Camilayelarte

Pero tal vez quien más me hizo disfrutar la visita a Deriva i Control fue Marta Burugorri con una obra que recuerda a la de Bestué/Vives y que divierte tanto como la de éstos. Shabbat Shalom y Sinònims son dos trabajos que unen humor e inteligencia y aligeran la pesadez conceptual de algunas de las obras de la exposición. Merece la pena.

Sinónimos Espasa de bolsillo from Marta Burugorri on Vimeo.

Deriva i control. Interferències en el procés creatiu en La Capella hasta el 29 de enero de 2012

Mind Invaders. Com fotre els mitjans: manual de guerrilla i sabotatge cultural

2012-01-15T02:34:00.000-08:00

¿Quién es Luther Blissett? Nadie y todos. Por lo que a este post respecta, Luther Blissett es el autor del libro, pero en realidad se trata de un nombre que no responde a un individuo sino a lo que podríamos llamar con-dividuo. Luther Blissett es una identidad múltiple tras la cual se esconde cualquiera que haya querido adherirse al proyecto de reventar desde dentro el sistema de la industria cultural y de la información.

Mind Invaders nos acerca al proyecto que nació en 1994 bajo la influencia de la obra, más que obra vida, de Ray Johnson, uno de los exponentes más relevantes del arte portal. Luther Blissett Project, nombre con el que se conocen las acciones que tuvieron lugar desde 1994 hasta 1999 (aunque esto no signifique que Luther Blissett haya desaparecido) es un proyecto bajo el que artistas, activistas e intelectuales de diversos países se agruparon en una red de acciones que cuestionaban, entre otras cosas, la idea del copyright, entendiendo la cultura como un producto inter-textual, fruto de la contaminación de múltiples factores y por lo tanto individuos.

Muchos de los artistas que han tomado Luther Blissett como identidad forman parte de la cultura underground, como por ejemplo Coleman Healy. Más allá de si os interesa este tipo de subcultura, del arte entendido como acción directa, Mind Invaders es interesante porque muestra un proyecto que anunciaba en los albores de internet una forma de entender el mundo como una red global de conexiones, de pequeños núcleos de trabajo interconectados entre sí tras un proyecto común: desestabilizar el sistema cultural dominado por el mercado y el capitalismo. Su lectura me ha hecho descubrir que existe otra forma de entender la cultura, que otra realidad es posible. Si os interesa conocer las acciones de Luther Blissett y del sabotaje cultural os recomiendo visitéis su página.

Luther Blissett, Mind Invaders. Com fotre els mitjans manual de guerrilla i sabotatge cultural. Ed. Tangram, 2010. Precio: 12€ en Loring Art

Links de la semana: Del sueldo de Küng al árbol de Yoko Ono

2012-01-13T00:41:00.000-08:00

Sin duda el Hit que ha caldeado las noticias relacionadas con el arte en Barcelona ha sido la revelación del sueldo de Moritz Küng por su dirección del inexistente Canòdrom. La noticia la ha dado La Vanguardia, en un titular que parecía culpar de la situación al suizo. Reconozcamos que ha habido cierto maniqueísmo en la noticia y que Küng se ha visto obligado a salir a dar explicaciones: que no son 5.500€ sino 3.500€ lo que cobra desde hace dos años, y que trabaja lo suyo, aunque se le vea poco. Tal vez todo esto sea una estrategia para justificar cómo acabará el culebrón Canòdrom. No lo sé, pero tot plegat es vergonzoso y las partes implicadas deberían asumir su parte de culpa, del primero al último, que no se puede andar jugando con el dinero público de esta manera.

La Galería Sabrina Amrani de Madrid ha inaugurado nueva exposición con el artista marroquí Younes Baba-Ali, Desencuentro(s) es un propuesta más de esta galería que acerca miradas y planteamientos entre Oriente y Occidente, algo que a mi personalmente me parece más interesante que andar buscando referentes en todo lo anglosajón.

Esta semana se ha inaugurado una de esas exposiciones que te hacen vislumbrar el poder del marketing aplicado a las artes visuales. Las 11 galerías que tiene Larry Gagosian por el mundo se han llenado de los alegres puntitos de colores de Damien Hirst. De él vamos a cansarnos este año entre su retrospectiva en la Tate y la mega expo simultánea de la Gagosian Gallery, ya lo hemos intuido con la montada polémica entre él y Hockney, que francamente qué más nos dará lo que piense el uno del otro. De entre todo lo reseñado sobre el artista, vale la pena releer el artículo de Jonathan Jones sobre el orgullo británico que despierta su obra. ¿Será Hirst al arte lo que la Thatcher a la política?

El Metropolitan Museum of Art está decidido a competir en lo que a arte contemporáneo se refiere y para ello ha fichado a Sheena Wagstaff, comisaria de la Tate, para que se ocupe de programar las exposiciones que tendrán lugar en el edificio que actualmente ocupa el Whitney Museum of American Art y que pronto abandonará por una nueva sede en el Meatpacking District. ¿Es necesario que el MET se especialice en contemporáneo? ¿Qué opinarán en el MNAC y en MACBA? Via New York Times

Yoko Ono apoya el movimiento Occupy Wall Street con la creación de una obra relacionada con su Wish Tree del MoMa. La artista está creando el texto para unas postales que se imprimirán y repartirán de forma gratuita, todo muy en la linea fluxus y estética relacional. Via The Art Newspaper

VOINA: ¿Mesura o desmesura?

2012-01-12T00:47:00.000-08:00

Escribo este post un poco a continuación de lo que presenté en la sala 13 de La Exposición expandida el pasado lunes en relación a las formas de hacer política a través del arte. Entre los artistas que barajaba para la exposición se encuentra el colectivo VOINA, pero finalmente decidí hablar de ellos a parte.

"VOINA Wanted" acción de solidarización de Voina para con los miembros buscados del grupo. 2 de enero de 2012, Atlanta. Foto: Free Voina

VOINA es un colectivo de artistas/activistas que utilizan sus acciones artísticas como herramienta de protesta contra los abusos de poder del gobierno ruso. Se declaran firmemente en guerra, de hecho Voina quiere decir eso, guerra, con el estado desde su fundación en 2005. A pesar de contar con la participación de unas 200 personas entre artistas, escritores e intelectuales, el grupo nuclear de Voina está formado por 5 miembros, Vor (su líder) Kozlenok (la mujer del líder), Kasper (el hijo de dos años del líder y su mujer), Leo The Fucknut y Plut, quien escribe y teoriza las acciones del grupo.

Foto de família: 4 de los cinco mienbros de VOINA, falta Plut. Foto: via BBC NEWS

Vor y Kozlenok renunciaron allá por 1998 a utilizar el dinero para vivir, o eso dicen, y sin casa ni ataduras se dedican a planear acciones de clara protesta que a menudo acaban con la detención de sus participantes. Renuncian a trabajar con museos y galerías aunque van a participar como comisarios invitados en la próxima Bienal de Berlín que promete ser de clarísimo carácter político.

Decembrist Commemoration, 2008. Foto: via Plucer

Fuck for the heir-Medved's little Bear, 2008. Foto: via Plucer

Las acciones del grupo destacan por su radicalidad. En Decembrist commemoration escenificaron una ejecución de tres inmigrantes ilegales, uno de ellos judío, y otro homosexual en un supermercado de Moscú para denunciar la política homófoba y antisemista del alcalde de la ciudad. Dos días antes de la elección de Dmitry Mdvedev como nuevo presidente, organizaron una orgía en el museo estatal de biología para denunciar la pantomima democrática en la elección de sucesor de Putin, y el ambiente pre-electoral que se respiraba en el país: jodiéndose los unos a los otros. Polla capturada por la KGB fue una acción de dos minutos, donde pintaron una enorme polla sobre el puente de delante de las oficinas del Servicio de Seguridad Estatal (antigua KGB). Si os apetece podéis echarle un ojo a sus acciones y performances en este blog del grupo, donde el humor y el absurdo se mezclan con una determinada voluntad política. A mi lo que hace VOINA me gusta.

Dick capturated by KGB. Foto: Via Plucer

El pasado 31 de diciembre realizaron su última acción por la que han sido noticia no sólo en Rusia sino también a escala internacional. Como regalo de navidad a los presos políticos rusos decidieron incendiar con cócteles Molotov un furgón de detención de la policía. Desde distintos medios se han alzado voces reclamando que una acción de este tipo no puede considerarse arte, mientras hay quien señala que las fronteras entre arte y política tiene unos límites que no deberían cruzarse. Sobre la discusión de si es arte o no, me aburre pensar en tener que justificarlo, y en cuanto a si es lícito utilizar acciones de este tipo, mientras no se use la violencia contra las personas o los animales y la acción funcione como símbolo no me parece tan desmesurado, lo que sí es una vergüenza es que todos los países traguen con la supuesta democracia rusa aún a sabiendas que el intercambio de papeles en el poder entre Putin y Mdvedev de democracia no tiene nada. Ante tal estado de corrupción y abuso de poder lo de VOINA me parece necesario.

La ciudad como espacio político. Sala 13 @laexpoexpandida

2012-01-09T00:11:00.000-08:00

Como queda ampliamente documentado en la Sala 9 de La Exposición Expandida, la ciudad ha sido desde los años 60 el escenario de reivindicación de los distintos movimientos sociales y culturales que han dado forma a la sociedad que somos hoy en día. Esta función de espacio de comunicación y expresión que a lo largo de la historia la ciudad ha ido cumpliendo con más o menos intensidad, ha tomado un protagonismo incuestionable en este último año. De Tahrir, Plaça Catalunya y Sol hasta la ocupación de Wall Street, la ciudad en el 2011 ha sido tomada por sus ciudadanos como legítimo espacio político.

Vista de la plaza Tahrir, El Cairo, 2011. Foto via Ara.cat

¿Puede una manifestación ciudadana y una acción política ser arte? Esta cuestión se nos plantea ante la reciente selección de Manuel Borja-Villel en ArtForum, al considerar el 15-M como la mejor muestra de arte en España en este último año.

Vista de Sol, Madrid, 2011. Foto via Ciberdroide

El arte puede ser una forma de política, una herramienta que nos hace reflexionar y concentrar nuestra atención ante cuestiones que determinan nuestra vida. La forma en que se puede hacer política con el arte es múltiple e infinita. En esta sala os quiero mostrar una selección de cómo los artistas desde lenguajes y planteamientos distintos han tomado la ciudad para hablarnos de temas que son política.

Luba Lukova, Poster Art & Politics para el calendario de 2010 de la organización Warresisters

La Acción

Tucumán Arde, es probablemente el referente de una acción artística con fines claramente políticos. En 1968, en Argentina, un colectivo de artistas decidió organizar un contradiscurso de lo que en aquellos momentos el gobierno argentino y los medios de comunicación informaban sobre la situación de los azucareros de la provincia de Tucumán y denunciar su terrible realidad. Entrando en contacto directo con lo que ocurría en dicho territorio y apropiándose de las formas de los medios de comunicación, Tucumán Arde fue un experimento efímero en donde por un momento fue posible diluir las fronteras entre el arte y la política.


Vista de la acción por la calles de Tucumán, 1968. Foto: Qartlog

Imágenes de Tucumán Arde. Foto via Paneoneloff

La Memoria

Más allá de la acción política directa, reflexionar sobre la memoria contenida en los monumentos y edificios que conforman la ciudad es otra forma de mostrar la política contenida en el espacio público, en cómo esta lo determina y le da forma. Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) confronta en Media Site-Media Monuments el pasado y presente de los monumentos de la ciudad de Budapest, mientras Camilo Yáñez (Santiago, 1974) utiliza el Estadio Nacional de Chile para hablarnos sin palabras, sólo a través de la imagen, de la tragedia política de su país.

Antoni Muntadas, Media Site-Media Monuments, Budapest, 1998. Untitled (History) 12ª Bienal de Estambul. Foto: Camilayelarte

La Palabra

Entendida como espacio de comunicación, la ciudad se convierte en el soporte para que a través de la palabra los artistas expresen su disconformidad con el sistema y así constituir un paisaje de reflexión social en el cual la crítica pueda ser entendida como base para la democracia. La obra de Martha Rosler se enmarca dentro del activismo de los sesenta y setenta mientras que las acciones del Group Material durante la década de los ochenta son una muestra de cómo de la necesidad y disconformidad con las políticas culturales de un país se puede hacer arte. En Da Zi Baos, realizaron una intervención en Union Square con los manifiestos del movimiento de "Los muros de la democracia" en China.

Martha Rosler, Housing is a human right (1989), Times Square NY. Foto via The Mainlander

Group Material, Da Zi Baos, 1982. Acción manifiesto en Union Square, NY. Foto via EIPCP

La Cotidianidad

Detener la mirada ante los gestos que dan vida a la ciudad y que a su vez son reflejo de las políticas que se dan en ella es lo que encontramos en al obra de Francis Alÿs (Bélgica, 1959) En Barrenderos, centra su atención en este colectivo de profesionales, el resultado de esta performance no es, como a menudo sucede, lo que el artista esperaba.

Fotograma de Barrenderos, Mexico City 2004. Francis Alÿs

La Ocupación

Considerar el 15-M como la mejor muestra de arte del 2011 puede conllevar el peligro de disminuir su carga política, no es un movimiento nacido desde los artistas, sino espontáneo y formado por todos los ciudadanos. Sin embargo, Occupy Museums, nacido a raíz de Occupy Wall Street y organizado por el artista Noah Fischer y los distintos agentes culturales de la ciudad de Nueva York, es una acción que pretende denunciar el elitismo institucional y que es un claro reflejo del momento convulso y de cambio que estamos viviendo.

October 20, 2011, at the MoMA, "Occupy Museums," a protest the Occupy Wall Street movement, Week 5. Foto via JB Nicholas/Splash News.

El arte es reflejo de la sociedad y de la historia que lo hace posible, la etapa en la que estamos entrando augura que la relación entre Arte y Política se vuelva más intensa que en los últimos años, donde el mercado ha controlado la producción y en consecuencia la reflexión entorno al arte. Como ciudadanos necesitamos respuestas y propuestas que tal vez el Arte nos ayude a encontrar.

Pagèsiques

2012-01-08T02:15:00.000-08:00

Li faig un tall a l'arbre i surt un broll de lletra

Perejaume, Pagèsiques

El libro de este domingo sirve de continuación al post sobre la exposición de Perejaume en La Padrera. Recomiendo a todos aquellos que estén interesados en su obra que lean sus poemas y escritos para poder comprender y entrar en su particular poética.

Pagèsiques es un libro de poemas y de textos en donde la teoría de abandonar la relación higiénica que mantenemos con la naturaleza o con el paisaje y de transformarla en algo más físico y gestual se entiende más facilmente que en las obras que vemos en la exposición. A través de la palabra Perejaume es capaz de crear imagenes que reivindican el poder poético de la naturaleza: los bosques, la geología entendida como un baile entre las montañas o el trabajo del pagès cuyo ritmo y gesto parece ir al compás del ritmo de la propia naturaleza, todo ello son imágenes que se van repitiendo a lo largo de libro sin hacerse repetitivas.

Durante su lectura me ha dado la sensación de entender la obra de Perejaume como un sistema complejo, donde lo visual y lo escrito se entrecruzan en una estrecha relación con otro tercer elemento fundamental, el territorio. Aunque puede parecer extraño se me hace difícil escribir sobre Perejaume en castellano y no en catalán, es como si al expresarme en una lengua que no es la propia de la obra estuviese perdiendo esa esencia que se pierde en cada traducción, la poesía no es traducible y el conjunto de la obra de Perejaume es poesía ya sea visual o escrita. Su forma está ligada al lenguaje y al gesto. Para aquellos que no podáis leer en catalán os dejo un documental de Iago Otero Armengol realizado con la colaboración de Perejaume que reivindica uno de esos gestos que recoge el libro, Verema de veremes nos acerca al trabajo de Josep Travesa, un pagès de Olzinelles, también presente en Pagèsiques cuya vida es símbolo de la relación distinta que el hombre puede establecer con el territorio.

Perejaume, Pagèsiques, Edicions 62, 2011. Precio: 26,53€ en Documenta

Perejaume en La Pedrera

2012-01-07T01:39:00.001-08:00

Sobrepoblación, sobreproducción y sobreconsumo. Somos una sociedad de lo sobre que vive el reto, por primera vez en la historia, de parar el crecimiento y aprender a decrecer. ¿En qué modo se aplica esta reflexión a las artes visuales? Esta pregunta es una de las tantas que podemos extraer de la visita a la exposición Ai Perejaume, si veies la munió d'obres que t'envolten no en faries cap de nova pero no es la única. La obra de Perejaume es de aquellas que asume su autonomía una vez ejecutada y que acepta la transformación de su razón de ser al entrar en contacto con el público, el espacio y la atmósfera.

Perejaume, Signatura, 2001. Foto: Camilayelarte

Vista parcial de la exposición. Foto: Camilayelarte

La Pedrera y Gaudí son dos elementos que se entrecruzan a lo largo de la exposición con las obras del artista. Ambos tienen en común la relación intensa con la naturaleza, algo que se traduce en la arquitectura orgánica de uno y el pre-paisajismo del otro.

Perejaume, Terrarisme, 2001. Foto: Camilayelarte

Perejaume, National Gallery, 1998. Foto: Camilayelarte

Perejaume, Teló de muntanyes 2, 2007. Foto: Camilayelarte

Para entender la obra de Perejaume creo que es importante conocer su admiración por la pintura de Joaquim Mir, por ese interés inicial de la relación del pintor con el paisaje, porque es precisamente en el cuestionar este concepto, el del paisaje, donde se encuentra parte del sentido de su producción artística. Hablar de paisaje es entender la naturaleza como construcción, con la voluntad de transformarla y modificarla según nos convenga. Pero y si nos atreviésemos a ir un poco más allá? o un poco más atrás? Y si para combatir la sobreproducción de imagen decidiésemos abandonar los pinceles y volver a una relación primigenia con el entorno? Esa misma relación que el campesino tiene con la tierra que labra, una relación más física y menos visual.

Perejaume, Obra en préstec. Pedrera de Somerset, Bristol, 2011. Foto: Camilayelarte

Perejaume, Ex-vots y Suro Pelegrí, 2011. Foto: Camilayelarte

No creáis por esto mismo que digo que no hay pintura en la exposición de La Pedrera, sí que la hay y mucha, de hecho, irónicamente, parece que Perejaume nos invite a reflexionar desde la misma sobreabundancia, afrontándola. Pinturas que se cansan de serlo y escapan del cuadro o campos de pinturas que de tanto abundar asemejan a cementerios, son una tipología de obras que se complementan con otras en las que la intervención de la mano del artista poco importa y donde la piedra extraída directamente de la cantera substituye el gesto del pincel y la corteza de un árbol se transforma en la piel de la arquitectura de Gaudí. La propia exposición parece contener un ritmo propio que se va transformando poco a poco, del exceso pasamos a la reflexión, y del representar al ser.

Entrevista a Guillermo Pfaff

2012-01-02T23:39:00.000-08:00

En el post que escribí sobre la exposición de La Gran Aventura mencioné una obra a la que no conseguía llegar desde el relato construido por David Armengol. Lloc equivocat de Guillermo Pfaff (Barcelona, 1976) se me resistía a pesar del interés que me despertó. Por casualidades de la vida lo he podido entrevistar y conocer algo más su obra y la coherencia con la que aborda su trabajo como pintor.

¿Cuándo empezaste a interesarte por la pintura y a saber que querías dedicarte a ello?

Mis inicios con el mundo de la pintura empiezan con mi familia, mi tío y mi tía son pintores. Mi primer trabajo para ganarme un dinero fue como ayudante de mi tío, preparando las telas y el material. Allí aprendí muchas cosas, de hecho el primer conflicto con la idea de qué era la pintura lo tuve preparando unos cuadros para una exposición suya. Él realizaba unas plantillas que se pintaban a base de capas de una pintura bastante densa. Yo era el ayudante que pintaba la obra y cuando vi la exposición sentí un poco de rabia al ver los cuadros colgados porque pensé que algunos de ellos los había hecho yo. Ahí empecé a plantearme muchas cosas.

Un conflicto entre entre la idea y el concepto por encima de la ejecución y la técnica

Sí, ese cuadro no era mío era suyo, la idea era la de él, yo era su ayudante y punto. Después por empatía empecé a interesarme por pintores que precisamente planteaban este tipo de cuestiones como Martin Kippenberger que tiene esa serie de obras realizadas por personas que él ha seleccionado. La experiencia de trabajar como ayudante de otro pintor me proporcionó una formación técnica pero también conceptual sobre la pintura.

¿Estas primeras reflexiones han marcado de alguna manera tu forma de trabajar y abordar el hecho pictórico?

Sí, de hecho yo trabajo por proyectos, algo que es un poco distinto a lo que hace un pintor. Normalmente un pintor desarrolla un trabajo diario en el estudio investigando la materia, etc. En un cierto momento me planteé que ya sabía como respondían las materias y que ya conocía el resultado. Encontré muchos anacronismos al trabajo de pintor. Tener un estudio es caro y vivimos un momento en que la movilidad es primordial, un día estás aquí y otro día estás en Londres, Berlín o Japón. Decidí trabajar desarrollando las obras conceptual y gráficamente, archivándolas hasta encontrar un proyecto con un comisario, galería o institución, para tener un margen de adaptación. Mi idea de trabajar como pintor es esta, no la de estar en el estudio pintando cada día.

¿Cuáles son tus referentes, qué artistas te interesan?
Mis referentes son pintores, artistas que se adecuen a este aspecto de producción. Aquéllos que buscan ir un poco más allá, como te comentaba, Kippenberger es un ejemplo. Mi pintor favorito es Leon Golub que trabaja mucho el dibujo y que tiene una obra de gran formato pero que no la monta en bastidor algo que me sirve para esta idea de simplificar el formato. Por poner un clásico ejemplo, entre Polke y Richter, yo soy más de Polke, es menos evidente y me hace pensar más, es una estética más complicada, no me complace tanto pero me da más recorrido.

¿Siempre tuviste claro que tu lenguaje era la pintura?
Cuando acabé de estudiar tanteé otros terrenos, pero descubrí que poniéndome límites, obligándome a ser pintor, encontraría la vía de investigación que me interesaba en el arte: ¿qué tiene que pintar un pintor del siglo XXI? Incluso respondiéndome al tema de la ecología de la imagen, vi que no es necesario crear lo que ya se ha creado. Para mi considerarme pintor es importante porque ordena mi metodología de trabajo. Todo aquello que creo lo creo pensando en pintura, ya sea escribiendo el proyecto o dibujándolo. Al igual que un músico escribe música aunque no tenga un orquestra allí tocando, yo al escribir el proyecto lo escribo para transformarlo cuando me sea posible en pintura.

Lloc equivocat (Desierto) y (Mar), 2011. Vista de la instalación en La Gran Aventura, Can Felipa. Foto: Aa Pfaff

De esto se extrae que no eres para nada intuitivo, sino que la idea y el concepto prevalecen sobre la forma ¿no?

No, no soy intuitivo, me siento alejado de esa forma de entender la pintura. Esto no quiere decir que niegue sus cualidades formales. Cuando digo que trabajo así, por economía y funcionamiento no significa que el momento de la ejecución no sea importante para mi, al contrario, la vivo muy intensamente. De hecho cuando desarrollo la idea también pienso en el material, el tipo de papel, el carbón, es importante escribirlo porque cuando recuperas la obra aquello que parece superfluo es en el fondo lo que le da forma. En el sentido plástico mis trabajos son a menudo bastante austeros pero gano en espontaneidad, algo que me parece atractivo.

En el caso de Lloc equivocat, tu proyecto para La Gran Aventura ¿también se gestó siguiendo esta metodología?
Sí, creo que fue una idea que David Armengol, el comisario, supo rentabilizar muy bien. En origen eran unos dibujos muy simples, donde yo quería plantear la idea de cuando te encuentras a medio camino de un viaje y ya no hay vuelta atrás y te preguntas si te has equivocado de opción. Era un poco una metáfora del artista pero también de otras situaciones de la vida, cuando piensas ¡quién me mandaba meterme en esto! A David le gustó y lo adaptamos un poco a lo que él quería expresar con el libro.

¿En que proyectos estás trabajando ahora?

Estoy desarrollando un proyecto que se titula A to U. Parto de la idea de la entrevista como herramienta de conocimiento. Entrevisto a profesionales de otras disciplinas que hayan tenido éxito en su trabajo, como por ejemplo publicistas, filósofos o arquitectos y les planteo toda una serie de cuestiones con las que yo me encuentro en mi trabajo, con el día a día, tipo qué piensan del arte, qué harían ellos si fueran pintores o qué papel tiene la cultura en la sociedad. De estas conversaciones intento hacer una reflexión y una obra consecuente con ella. La obra es el resultado de mi aproximación a esa persona.

Portable Painting de la serie A to U, 2011. Foto: Aa Pfaff

¿Portable Painting es el resultado de una de estas entrevistas?
Sí, es la primera serie de este proyecto. Lo realicé en Japón entrevistando a Hidetoshi Kuranari, un publicista que trabaja para una importante agencia en una especie de departamento de generación de ideas y creatividad. Me puse en contacto con él para que me aconsejara con mi producto, en este caso mi obra. Portable Painting fue el resultado del intercambio y la conversación que mantuvimos, todo muy en clave de publicista, hablándome del producto y del público. El resultado se expuso en la Trienal de Yokohama. Creo que este proyecto a través del diálogo me ayudará a desarrollar un estudio crítico sobre qué es la pintura.

Intentar vender pintura como proyecto a desarrollar no debe ser fácil ¿cómo reaccionan las galerías?
Las galerías no están acostumbradas a valorar el trabajo de un pintor de esta manera. Sí lo están para aquellos que desarrollan una obra puramente conceptual o artistas que crean instalaciones. Ellos visualizan la estética y ven si les encaja o no, pero en el campo de la pintura les hace dudar un poco. Intento mostrarles lo que ya he resuelto, aún así es cierto que es complicado. Lo que más cuesta es hacer entender a los demás que así es como trabajo.

Robert Delaunay, Tours Eiffel de Manuel Barbié-Nogaret

2012-01-01T02:59:00.000-08:00

El libro del que voy a hablar hoy no es una reciente publicación ni nos aproxima a nada que tenga que ver con el arte contemporáneo. Robert Delaunay, Tours Eiffel, es el catálogo de una de las exposiciones que con amor y profesionalidad organizó Manuel Barbié-Nogaret en su galería de Paseo de Gracia. Quiero escribir sobre él, sobre el catálogo y sobre Manu, porque no logro hacerme a la idea de que alguien tan joven y con una pasión tan profunda por su trabajo ya no esté aquí.

La Galería Manuel Barbié, con sede en Paseo de Gracia inauguró en noviembre de 2006 con una exposición de Sonia y Robert Delaunay. El presente catálogo fue el resultado de otra exposición, Robert Delaunay, Tours Eiffel que respondía a la voluntad de Manu de acercar el arte de las primeras vanguardias al público barcelonés así como de profundizar en su análisis y conocimiento. En este sentido el estudio de la serie de obras sobre la Tour Eiffel que Delaunay pintó a lo largo de su vida y que podemos encontrar ampliamente documentadas en el libro, sirven de preludio al futuro catálogo razonado sobre el artista a cargo del experto Richard Riss.

Junto con el texto introductorio del propio Manuel Barbié, el catálogo cuenta con el estudio de Juan Manuel Bonet, quien nos ayuda a comprender la obra del artista francés en su contexto. El libro sorprende ante todo por su rigurosidad, algo que considero fiel reflejo de la forma en que Manu entendía el oficio de galerista. Cuando me regaló este catálogo le pregunté cuánto tiempo le había llevado publicarlo y sonriendo, como siempre hacía, me dijo que meses en editarlo pero años en pensarlo. Robert Delaunay, Tours Eiffel es un libro cuya lectura nos ayuda a comprender un importante episodio de la historia del arte, y su belleza y buen gusto en la edición, un fiel reflejo de la persona que lo hizo posible.

Los posts más leídos del año

2011-12-31T03:05:00.000-08:00

Para despedir el 2011 os hago una selección de los cinco posts más leídos durante este año en el blog. Muchísimas gracias a todos aquellos que le habéis dedicado parte de vuestro tiempo a leer y comentar las exposiciones, los libros y las recientes entrevistas. Para el 2012 más y mejor!

Gordon Matta-Clark, el alquimista urbano. El Macba recibió la donación de un fondo de fotografías de la obra de Matta-Clark, para celebrarlo publicamos este artículo que ha sido el más leído del año.

54 Bienal de Venecia, los pabellones nacionales. Reseña de cómo lo más anacrónico de la Bienal acabó siendo más interesante que la sosa selección de Bice Curiger.

La Gran Aventura, elige tu propia exposición. David Armengol comisarió una exposición donde jugar y elegir nuestro propio camino, fue lo más divertido del año.

Contra la Postmodernidad. Ernesto Castro sorprende con este libro donde estética y política se dan de la mano. Si la juventud sube con estas ideas podemos estar esperanzados.

Entrevista con Ignasi Aballí. Primera entrevista en el estudio de un artista, gran emoción al compartir la experiencia de un artista de su talla, de entender el arte como compromiso. Toda una lección.

The Paper Trail, Francesc Ruiz rastrea el cómic en Egipto

2011-12-30T01:15:00.000-08:00

Que el cómic no es sólo cosa de adolescentes lo sabemos de sobra. Francesc Ruiz (Barcelona, 1971) lo utiliza como herramienta para profundizar en temas que tienen que ver en muchos casos con la sociología. La cultura popular contenida en dicho medio es entendida como reflejo de cuestiones complejas tales como la política o la religión, un lenguaje que permite transmitir ideas, insisto en el plural, y hablar de aquellas cosas que nos afectan y condicionan como sociedad.

Vista de la instalación Cairo Newsstand en el Contemporary Image Collective del Cairo, 2010-2011

The Paper Trail, es el resultado de la estancia del artista durante la primavera de 2010 en el Contemporary Image Collective del Cairo. Como es habitual en sus trabajos, se trata de una obra site-specific en el sentido conceptual del término, es decir, que está hecha desde la experiencia en el Cairo y en relación a su contexto social y político. Durante su estancia allí, Ruiz investigó la situación del cómic en Egipto, tal vez por eso resulte un poco difícil como público de Barcelona entrar en la historia y pillar el lenguaje de lo que se nos está diciendo. Lo que vemos en el Nivell Zero de la Fundació Suñol es una obra en cierto modo descontextualizada, a la que podemos acceder gracias a dos factores, por un lado a la curiosidad de descubrir la realidad del Egipto previo a la revolución de enero pasado y por otro gracias a las explicaciones y traducciones del propio Francesc Ruiz.

Siguiendo la idea de narrativa expandida presente en sus anteriores proyectos, la instalación se desarrolla en tres trabajos, The Green Detour, Cairo Newsstand y The First Comic Shop in Egypt.

Francesc Ruiz, The Green Detour, 2010-2011. Foto: Fundació Suñol

The Green Detour, es un cómic impreso en verde, en una única tinta como manda en los países de economía poco pudiente, donde cuatro personajes extraídos de la historia del cómic egipcio y símbolos cada uno de distintos momentos de su historia, Tin Tin, el pato Donald, Samir y el Ciudadano Molido, se van de paseo por el centro del Cairo. En el proyecto original, el cómic se editó por entregas y cada entrega era distribuida en un punto distinto de la ciudad del Cairo que los lectores debían descubrir en cada lectura. Nosotros nos contentamos con una copia traducida que animo a leer (a pesar de que yo no lo hice) para comprobar si la distancia política y cultural Barcelona-El Cairo es salvable o no.

Cairo Newsstand (detalle), 2010-2011. Foto: Fundació Suñol

En Cairo Newsstand la fórmula recuerda a lo que vimos en el Santa Mònica hace unos años, el quiosco entendido como microcosmos, metáfora de lo que bulle en la ciudad. En este caso son diarios egipcios en árabe, con titulares inventados por el propio Ruiz, amontonados y sujetos por unas inquietantes piedras a la manera de allí, o al menos eso imagino porque estar, no he estado. La exposición se cierra con una reflexión que señala cómo el cómic y la cultura popular son una herramienta a la que el poder debe y de hecho teme, The First Comic Shop in Egypt, nos anuncia la apertura de la primera tienda de cómics del Cairo, un proyecto que nunca llegó a ver la luz por motivos que los acontecimientos políticos del último año nos ayudan a entender.

Links de la semana: Del patrocinio contaminado de la BP a la Bienal de Whitney

2011-12-27T00:53:00.000-08:00

Nos acercamos al final del año y los medios de comunicación se ponen a hacer esos típicos recuentos de los sucesos más destacables del 2011. El blog de la Frieze hace lo propio con la selección de las mejores exposiciones que se han visto a lo largo del año, Max Andrews de Latitudes elige lo mejorcito que hemos visto (o perdido) en España. (Frieze Blog)

El British Museum, La National Portrait Gallery, la Royal Opera House y la Tate Britain han renovado el acuerdo de patrocinio con la petrolera BP cosa que no ha gustado para nada a parte de la opinión pública que considera inmoral que dicha empresa limpie su imagen a través del patrocinio cultural. Si os interesa esta protesta os recomiendo le echéis un ojo a la publicación Culture Beyond Oil. (The Art Newspaper)

En SalonKritik hemos podido leer la opinión de David G. Torres sobre la selección de la exposición favorita de Manuel Borja Villel para este 2011 en ArtForum. ¿Puede considerarse el 15-M una acción o exposición de carácter artístico? ¿o al hacerlo se corre el riesgo de vaciarlo de contenido político? (SalonKritik)

Por si quedara alguna duda sobre si el arte y la cultura son política, esta última semana nos hemos topado con la expulsión de Larissa Sansour en el Lacoste Elysée Prize por ser demasiado pro-palestina. El Musée de l'Eysée donde se celebraba el evento ha rechazado a su vez acoger el premio por la actitud censuradora de Lacoste. (ArtInfo)

El Whitney Museum of American Art ha anunciado los participantes de la Whitney Biennial para este 2012. Comisariada por Elisabeth Sussman y Joe Sanders lo más destacable del proyecto es la inclusión de músicos, coreógrafos y dramaturgos para una de las salas de la bienal. (Artforum)

Akron, de Mireia C. Saladrigues

2011-12-22T00:23:00.000-08:00

¿Es posible exponer lo imposible? Mireia c. Saladrigues lo hace en Akron, su proyecto en el Espai Guinovart de Agramunt, última propuesta del ciclo Impossibilitats. Como es habitual en ella, Saladrigues nos pone a prueba como público ante una situación que nos desconcierta de entrada y de salida, uno se va de Akron sin saber si se ha entendido o dejado de entender.

Mireia c. Saladrigues, Akron, 2011. Foto: Camilayelarte

Una pequeña sala fría como el propio Agramunt acoge un proyector de más de cien años de antigüedad, ante él se sitúan 8 paneles que sirven tanto de mapa conceptual del proyecto como de propio soporte a una futura proyección de material que jamás habría sido posible proyectar con ese proyector puesto que en sus tiempos había sido propiedad de Acción Católica.

El proyecto presenta dos imposibilidades, por un lado tenemos la propia imposibilidad de poner en marcha el proyector debido a su antigüedad y por el otro el hecho de que el material que se pretende proyectar no hubiese sido aceptado por Acción Católica en los tiempos en los que el proyector sí hubiese podido funcionar.

Mireia c. Saladrigues, Akron, 2011. Foto: Camilayelarte

Akron, es un work in progress o así nos lo hacen pensar los paneles frontales, donde nos advierte de que el final nunca es cerrado ni unívoco. Bajo el proyector y en medio de una maraña de negativos de película un papel nos anuncia la fecha del próximo pase, el 13 de febrero. Así pues, ¿realmente se proyectará algo? ¿Podría ser que finalmente nada fuese imposible?¿Habrá que acudir el 13 de febrero, día en que finaliza la exposición, para comprobarlo? o correremos el riesgo de hallar por única compañía el canto del búho que tanto abunda en Agramunt?

Entrevista a Ignasi Aballí

2011-12-20T00:14:00.000-08:00

Entrar en el estudio de un artista y descubrir cómo trabaja y porqué hace lo que hace es una de las cosas por las que realmente merece la pena trabajar en el mundo del arte. En el caso de Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) esta experiencia es todavía más enriquecedora porque al entrar en su estudio descubres aquellos elementos que estructuran parte de su obra, como las ventanas, la luz o el polvo. En esta entrevista comparte su espacio y tiempo para explicarnos la evolución de su trabajo.

Empecemos un poco por el principio, cuando empezaste a pintar, ¿cuál era el contexto del que partías, cómo llegaste a cuestionarte la naturaleza del hecho pictórico?

En el momento en el que empecé a estudiar Bellas Artes la estructura de la Facultad había cambiado y había dejado de ser la facultad clásica donde todos pintaban realismo y del natural. Existían tres opciones, yo elegí la que estaba impartida por Hernández Pijuan, a caballo entre la opción clásica y la experimental. Mi trabajo cabe situarlo en esta primera influencia de la obra de Pijuan. A partir de un cierto momento comencé a sustituir la pintura por otros materiales, a pintar paisajes donde el tema ya no era la naturaleza sino las materias primas, substituía la pintura por el material mismo como el azufre o el hierro. Me encontraba con el problema de que con el material podía pintar la montaña pero el cielo y la tierra continuaban siendo pintura y esto hizo que cada vez redujese más la presencia de ésta por la del material y de ahí pasé a hacer cuadros monócromos sólo con el material en sí, azufre, carbón, ceniza etc.

Hasta que llegas a la creación de la serie Pell, ¿cómo se gesta el proceso de paso del material a la desnudez completa de la pintura?

Es un proceso largo en el que vas cuestionándote cosas, existe una necesidad personal de buscar la salida, de crisis podríamos decir. Es un proceso difícil en el que a poco a poco vas encontrado alternativas que te parecen mejores.

En esos momentos en los que redefinías lo que era la pintura, ¿cuáles eran tus referentes?

Me fijaba en artistas que estaban en una postura similar, que se estaban cuestionando de distintas maneras el hecho pictórico, por ejemplo siempre me ha interesado Ryman, On Kawara, los conceptuales, gente que aportaba algo más que representar una simple imagen, esto fue en parte por la necesidad de ir simplificando el contenido de la obra de dejarla con los mínimos elementos y también por un interés personal de identificación con los artistas que de una manera te dan respuesta a las preguntas que te haces y a la dificultad para avanzar que tienes.

¿Conocías su obra de primera mano o bien a través de publicaciones?

En principio partes de los libros pero después a medida que avanzas te vas encontrando con muchos de ellos, confluyes y vas a parar a sitios donde ellos también están, te proponen exposiciones donde ellos participan, los conoces personalmente. También la curiosidad y las ganas de estar al día ha hecho que me interesara ver las obras directamente y todavía más conocerlos directamente. Tener ante ti a gente que son un referente y que has admirado y poder saludarlos está muy bien.

¿Te ha pasado? ¿ Con quién?

Sí, por ejemplo el día que estuve comiendo con Michael Asher o Lawrence Weiner. Compartir exposiciones con ellos te permite no sólo tener un contacto puntual sino comentar y hablar sobre el propio trabajo. Después por ejemplo compartes el montaje de la Bienal de Venecia con gente como Raymond Pettibon o Gerhard Richter.

Vista del estudio de Ignasi Aballí. Foto: Camilayelarte

Volviendo a tu obra, partiendo de la pintura también has ido despojando de su capacidad de ficción a otros medios como el cine y la fotografía, cuestionando la reproducción de la imagen en sí

Empecé a hacer lo mismo que había hecho en pintura, pensar qué es el cine, de hecho tiene puntos en común con la pintura, también es una ficción, creemos en lo que vemos pero en realidad detrás hay toda una estructura que la hace posible, desde distintas aproximaciones me interesaba desmontar precisamente los elementos que constituyen esta recreación de la realidad. He seguido el proceso ampliando la imagen no únicamente en pintura sino en cualquier medio de comunicación que la reproduzca, esto me ha llevado a utilizar las imágenes ya hechas, encontradas y producidas por otros, cambiarlas, reordenarlas o fragmentarlas y a partir de ahí proponer otra lectura o trabajo sobre la imagen, más que hacer otras de nuevas. Actualmente todo lo que sea producción de imagen contiene cine, televisión, prensa, es un campo muy interconectado.

En el caso de la serie Listados o de la instalación Rètol en el MACBA, haces uso del lenguaje para crear una imagen, ¿puedes explicar esta relación?
La relación entre imagen y lenguaje es algo que siempre me ha interesado, empecé a utilizarla en la pintura, en los trabajos de cartas de colores donde ponía el color, el tono y al lado su nombre, o bien superponiéndolo de forma que era imposible separar el aspecto visual del lenguaje. Esta relación que ya era problemática para mi, dio lugar a todos estos trabajos y es cierto que los Listados y el trabajo en el Macba son trabajos del lenguaje llevado a la imagen, es una relación que está presente en mi obra en una dirección u otra. Cuando utilizo las fotos de portadas de periódicos y saco el pie de foto, aquello es una imagen convertida en texto, es una imagen que responde a un hecho concreto, es casi averiguar a qué texto hace referencia. En cambio con los Listados es al revés, abres el texto para llevarlo a una imagen mental. Esta operación es muy propia del arte conceptual.

Detalle de los recortes para la serie Listados. Foto: Camilayelarte

Muestra del collage original para la serie Listados. Foto: Camilayelarte

En algunos de tus trabajos haces referencia a un escritor francés, Georges Perec, ¿en qué modo su literatura es una influencia en la construcción de tu pensamiento crítico entorno al arte?
Perec ha sido un escritor con el que me he sentido muy próximo, que buscaba en Literatura lo que yo he buscado en las artes visuales, cuando lo descubrí y entré más a fondo en su trabajo o ensayos sobre él me di cuenta que su metodología y su forma de plantearse la escritura estaba muy cerca de lo que yo me planteaba en pintura. No lo he utilizado directamente a excepción de Desapariciones donde tomé como punto de partida su relación con el cine.

En esta obra, Desapariciones, cambias un poco la línea de tu trabajo y creas una especie de ficción inventándote la filmografía de Perec ¿no?
No, en realidad me invento los carteles, la filmografía es real aunque muchas de ellas no se hayan hecho. Si se mira atentamente los carteles tienen relación con mi trabajo hasta entonces, el conjunto de carteles hace una especie de retrospectiva de mi obra. La imagen que yo utilizo para cada cartel es absolutamente neutra y podría servir para cualquier película, la idea que me interesa es que el cartel es la película, comienza y acaba ahí, es una estrategia muy perequiana, jugar con los límites de lo que es real y de lo que no, jugar con el lenguaje para hacer una propuesta nueva. En los carteles aproveché para mostrar lo que había sido mi obra, están los errores, el polvo, el sol...

¿Consideras importante la lectura para la formación de un artista?
Todo es importante, la literatura lo es pero también el cine, la música, pasear por la calle, cualquier cosa. Creo que hay que estar atento a todo aquello que te envuelve, hasta la tontería más cotidiana a la que no le das importancia.

De hecho para ti esta cotidianidad es importante, parte del material de tu obra sale precisamente de este estudio, el polvo, las ventanas, la luz...
Supongo que si estuviese en otro espacio mi obra seria distinta, no lo sé, pero seguro que te influye el sitio donde estás, es tu experiencia y eso es lo que llevas a la obra. Yo trabajo con cosas tan cercanas y cotidianas como el periódico, el Tipp-ex o el polvo que hay aquí.

Detalle del estudio de Ignasi Aballí. Foto: Camilayelarte

Detalle del polvo en el estudio. Foto: Camilayelarte

El proceso de gestación de tu obra es lento, necesita de mucho tiempo, a veces incluso años
Sí, muchos de ellos conllevan un periodo largo otros en cambio son más inmediatos. Muchos de mis trabajos están abiertos y continúan evolucionando, como los Listados, que empezaron en el 97 y todavía siguen. Han cambiado, ya no son cifras lo que recorto sino nombres de países y construyo con ellos mapas mundi, es interesante para ver la evolución de qué países se nombran y cuáles no, esto quiero hacerlo durante unos cinco años. Es la idea de construir un mapa a partir de un parámetro que no es geográfico ni político, sino mediático.

El hecho de que tu visibilidad internacional haya aumentado, ¿cómo ha afectado al ritmo de trabajo?
La verdad es que con el tema de los Listados me estoy planteando si no ha llegado el momento de dejarlo. Ya tengo a gente que me está ayudando a recortar los periódicos, algo que no me gusta, porque puede parecer muy mecánico pero no lo es, no siempre recorto lo que tengo planeado recortar, puede haber algo que no puedo explicar porqué y me interesa así que no sé hasta que punto tiene sentido. Si el propio trabajo no me permite hacerlo tal vez sea una señal de que tengo que abandonarlo de forma natural. Cada momento te obliga a resituarte y adaptarte a las posibilidades, actualmente tengo menos tiempo de desarrollar proyectos pero la experiencia te permite actuar de forma más rápida.

En este sentido y para finalizar puedes explicarnos un poco tus últimos proyectos, como la serie CMYK Color System que presentaste recientemente en la galería Estrany de la Mota
Es un trabajo que proviene de las cartas de colores pero también del cuestionamiento de la imagen. En la pinacoteca de São Paulo expuse una serie de vitrinas que utilicé como elemento formal. Eran vitrinas con pigmentos, como si fueran la base de cualquier pintura, que a partir de ahí pudiesen salir todos los cuadros expuestos en la pinacoteca. Estaban expuestos como material cerrado en una urna, de inicio de todo pero también de final. A partir de este trabajo pensé en otro sobre la imagen impresa, los cuatro colores que sirven para imprimir cualquier imagen, y en lugar de poner el color en la base de la vitrina lo situé en el espacio interior de la vitrina, con el uso de las paredes, creando un espacio invisible porque es inmaterial, pero a la vez llena de ese color. Es un trabajo de deconstrucción de la imagen, en este caso de la imagen impresa.

Contra la postmodernidad

2011-12-18T02:01:00.000-08:00

En Contra la Postmodernidad, el jovencísimo Ernesto Castro lleva a juicio las implicaciones políticas, filosóficas y culturales de un movimiento que a mi me cuesta mucho de definir y de entender. No es un libro que hable de postmodernismo tal y como se define en las artes visuales pero sí que cuestiona a los principales pensadores que se enmarcan en dicha tradición, véase Derrida y Lyotard.

Para Castro la Postmodernidad es la transcripción cultural, política y filosófica del Capitalismo. El triunfo del neoliberalismo de los últimos 30 años ha supuesto a nivel cultural la neutralización del proyecto vanguardista que pretendía sintetizar creación artística y transformación política. El postmodernismo pues seria la forma cultural propia de los países capitalistas y la actual crisis del sistema una demostración de la inviabilidad de sus supuestos a estas alturas de la historia. A lo largo del libro, Castro analiza las falacias tanto de pensadores políticos, sociólogos y filósofos y muestra cómo el postmodernismo ha sido el marco perfecto tras el cual esconder los abusos de dicho sistema. Ante la coyuntura actual, francamente bien expuesta, deberíamos dejar paso a un marxismo sin modales, dice Castro, al intelectual deberíamos exigirle y debería autoexigirse un compromiso con lo concreto, con la política real, y esto mismo es lo que he echado en falta al final de la tesis del libro, de acuerdo, estamos en contra y sabemos el porqué ¿pero qué proponemos a cambio?

Ernesto Castro, Contra la Postmodernidad, Ediciones Alpha Decay, 2011. Precio 8€ Loring Art

Links de la semana: De la Zabludowicz Collection a la Exposición Expandida

2011-12-16T00:33:00.000-08:00

El MoMA es pionero de una nueva forma de historiografiar el arte. El Oral History Project pretende construir un archivo a base de entrevistas a artistas en una aproximación más directa al proceso de creación y gestación del arte. Hans Ulrich Obrist realmente está creando escuela. via The Art Newspaper

La Zabludowicz Collection en Londres se atreve con un programa de exposiciones individuales dedicadas a artistas emergentes que todavía no cuenten con galerías que los representen. Por qué no existirán estas iniciativas por aquí? via ArtInfo

Ante la crisis hay que atreverse a lanzar nuevas ideas. Hoy arranca Room Art Fair en el Hotel Mayerling de Madrid, una feria que recuerda un poco a nuestra Loop Art Fair, las habitaciones del hotel sirven para mostrar el trabajo de artistas emergentes. via masdearte

Dime lo que coleccionas y te diré quién eres. La Fundación Godia nos muestra qué arte se colecciona en Barcelona. via La Vanguardia

La Exposición Expandida continúa abriendo sus salas y reflexionando sobre el tema de la Ciudad. Esta semana le ha tocado turno a la Sala 9, un repaso exhaustivo por el feminismo y la performance, imprescindible! via La Caja Revuelta

Guinovart y el piasaje de Agramunt

2011-12-15T00:23:00.000-08:00

El viernes pasado estuve en Agramunt para visitar el Espai Guinovart. Mi visita estaba motivada por la exposición de Mireia C. Saladrigues, Akron, dentro del ciclo Impossibilitats, pero en lugar de hablar de ella lo que realmente me apetece es comentar las instalaciones y obras que vi de Josep Guinovart (Barcelona1927-2007).

El contacto con la obra de Guinovart no empieza cuando entras en la sala de exposiciones sino unos cuantos kilómetros antes, cuando la espesa niebla de la provincia de Lleida comienza a extenderse por un paisaje plano hecho de verdes y de la intensidad marrón de la tierra. Los árboles, desnudos de hojas se erigen como fantasmas en medio de este paisaje llano y unos enormes pájaros, que después descubriremos que son búhos, se apoyan sobre sus ramas. Hace un frío intenso y la niebla es de esas pixaneres que te deja la cara mojada.

Vista general de l'Espai Guinovart en Agramunt. Foto: Camilayelarte

Josep Guinovart, L'Era (detalle). Foto: Camilayelarte

Una vez en la sala de exposiciones tres instalaciones dividen el espacio, Les quatre estacions, La Cabana i l'Era. De las tres, estas dos últimas son las que mejor resumen la síntesis entre la obra de Josep Guinovart y el paisaje de Agramunt. El suyo es un trabajo que nace de la relación con el territorio, con la cultura pagesa y la rudeza del campo. Los elementos de la naturaleza, los animales, las herramientas con las que se trabaja la tierra y los productos que nacen de ella son parte formal de su lenguaje. En l'Era una enorme plataforma de arcilla, que toma su forma de esa parte de las masías que sirve para separar el grano de la paja, se desarrolla un micro universo de simbologías y constelaciones construidas a base de aquellos elementos que hacen referencia a la vida de pagès y al paisaje de Agramunt: los búhos, las gallinas, lo conejos o la hoz para trabajar el campo.

Josep Guinovart, La Cabana. Foto: Camilayelarte

Josep Guinovart, La Cabana (detalle). Foto: Camilayelarte

La Cabana en cambio crea un espacio mágico donde un árbol, la alzina, se alza en su interior envuelta por unas paredes construidas a base de arcilla y paja quemada y cubierta por una red que reproduce las constelaciones, ahora sí que reales, que rigen parte del calendario de la vida en el campo. Esta unión con la tierra junto con el lirismo cromático de sus trabajos hacen que la obra de Guinovart pueda enmarcarse en la tradición de Miró, aún así siempre he pensado que si no hubiese sido catalán, Guinovart habría podido ser un artista a medio camino entre Alberto Burri y el Arte Povera, por su uso del soplete y de los elementos de deshecho.

Durante el camino de vuelta a casa, el paisaje que al llegar me había sorprendido por su austeridad recobra un nuevo sentido y de pronto recuerdo que otro artista catalán, Hernández Pijuan, también utilizó y reflexionó entorno al paisaje de las tierras de Lleida.

Bienal de Lyon, ni terrible ni especialmente bella

2011-12-12T00:19:00.000-08:00

All changed, changed utterly: a terrible beauty is born

W.B. Yeats

Una terrible belleza ha nacido con este poético título basado en el poema Easter de W.B. Yeats, la argentina Victoria Noorthoorn ha tratado de exponer en la 11ª Bienal de Lyon la belleza subyacente en la tensión, la contradicción y la ambivalencia de los tiempos que estamos viviendo. Un momento de crisis es pues un momento de cambio que enriquece a la creación, a pesar de lo hermoso que a nivel teórico resulta este planteamiento, su puesta en práctica ha dado un resultado más bien templado.

Si comparamos la de Lyon con las otras dos bienales de este año, Lyon gana junto con Estambul en la selección de unos artistas que se escapan del centralismo del sistema del arte. Ambas han apostado por lo periférico demostrando que en Latinoamérica, Europa del este y África existen propuestas mucho más interesantes que en lo presentado por la Bienal de Venecia de la Curiger. Francamente ahí no vi nada que no hubiese visto en Art Basel, en cambio tanto Lyon como Estambul han cumplido la función de mostrar nuevos lenguajes y nuevas propuestas.

Vista del exterior de la Sucrière. 11ª Bienal de Lyon. Foto: Camilayelarte

Aún así, me quedo con la Bienal de Estambul, cuyo discurso entendí a la perfección. Tal vez por inexperiencia todavía necesito una narración que me guíe en la exposición, de forma que la libertad y el planteamiento abierto que propone la Bienal de Lyon me ha dejado más bien fría. El suyo no es un discurso evidente y sí bastante imprevisible, como no he sabido trazar una lectura demasiado clara de lo que Noorthoorn propone, os hablaré de lo que sentí y experimenté ante aquellas obras que llamaron mi atención.


Ulla Von Brandenburg, Kulissen, 2011. Foto: Camilayelarte


Robert Kusmirovski, Stronghold, 2011. Foto: Camilayelarte


Laura Lima, Puxador, 1998-2011. Foto: Camilayelarte

De entrada el hecho de que la exposición se desarrolle en cuatro sedes me parece algo excesivo y desmesurado, a mi sólo me dio tiempo a visitar la Sucrière y el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, y tampoco tuve necesidad de más.
En la Sucrière, una antigua fábrica de azúcar, la Bienal alza el telón, y nunca mejor dicho, con una instalación de Ulla Von Brandenburg que nos da la bienvenida, unos telones de colores nos recuerdan que el arte es una escenificación. De hecho esta primera parte de la Bienal destaca por su teatralidad, una obra de Samuel Beckett, Breath (1969) pone en escena lo que intuimos que es, debido a la oscuridad, un montón de desperdicios que van iluminándose poco a poco, un seguido de inhalaciones y exhalaciones se oyen y acto seguido el grito de lo que suena como un cerdo degollado. Más allá del extrañamiento de la situación y la pobreza del lenguaje propio de Beckett a mi me gustó ver la reacción natural y coherente de un grupo de niños que ante el susto prorrumpió un grito todavía más alto que el de la propia obra.

Eduardo Basualdo, El silencio de las sirenas, 2011. Foto: Camilayelarte

Otro escenario también extraño e invisible desde el primer piso es el trabajo de Robert Kusmirovski, una especie de tanque circular que esconde en su interior una caótica biblioteca, un microcosmos que sólo podemos observar desde el segundo piso. Para aumentar la sensación de duda que transmiten los proyectos, Laura Lima pone a prueba la estabilidad del edificio con el Puxador donde un hombre desnudo empuja las cuerdas atadas a los pilares del edificio. El proyecto más poético y que cierra este primer capítulo es el Silencio de las sirenas, de Eduardo Basualdo, un lago artificial que se llena y vacía de forma paulatina por un agua oscura que simboliza los mares y los océanos, "Si la luna chocara con la tierra causaría una auténtica revolución entre los oceanos y mares de este mundo" dice Basualdo.

Erika Verzutti, Sculpture, 2008-2011. Foto: Camilayelarte

Katinka Bock, Sculpture, 2009-2011. Foto: Camilayelarte

Erick Beltrán, Perikhórein knot, 2011. Foto: Camilayelarte

En escultura destacan los trabajos de Erica Verzutti y Katinka Bock, ésta última con unas piezas en arcilla que me gustaron por su sencillez. Tal vez una de las obras que llama más la atención es la de Erick Beltrán Perikhorein Knot, un globo de madera que a modo de enciclopedia nos ofrece una doble lectura de la historia , por fuera ofrece una visión objetiva y en su interior una visión subjetiva.

Gabriel Sierra, Sin título (El día como un hueco en la mitad de la noche), 2011. Foto: Camilayelarte

The Center for Historical Reenactments, Xenoglossia, 2010-2011. Foto: Camilayelarte

Jessica Jackson Hutchins en primer término y La Bruja de Cildo Meireles. Foto: Camilayelarte

En el Museo de Arte Contemporáneo el espacio no da para tanta experimentación como en la Sucrière, destacaría el hecho de que se proponen instalaciones a gran escala como la Bruja de Meireles, junto con obras de formato más íntimo como los dibujos de Giacometti. En un cierto sentido también aquí se alza un telón, de hecho el suelo entero se levanta ante nosotros en una instalación de Gabriel Sierra que nos hace reflexionar sobre el espacio y la relación que establecemos con éste. Aunque un poco difícil de entender el proyecto Xinoglossia del The Center for Historical Reenactments estudia el uso del lenguaje a través de los equívocos, es una de esas obras que apetece estudiar en más profundidad. Me gustó especialmente, tal vez porque le supe encontrar cierta correlación, la obra de John Cage y Henning Lohner junto con el proyecto de Bernardo Ortiz, heredero de la poesía concreta que con sus dibujos nos señala la importancia del gesto mínimo y cotidiano frente a la grandilocuencia del arte.
Si algo hay que reconocerle a la propuesta de Noorthoorn es la libertad que se le concede al público de tomar o dejar aquello que se le muestra, no aceptar o no entrar en alguna de las obras no le quita fuerza a lo que se dice, aunque a algunos esto último no nos quede demasiado claro.