Tras el post que publicamos la semana pasada
continuamos con nuestra ruta por las galerías de la ciudad más museística de
Europa, Londres. En esta ocasión seguiremos por el barrio de Mayfair
acercándonos a las inmediaciones de la Royal Academy of Arts para visitar la
berlinesa
Sprüth Magers, ya cerca de
Picaddilly entraremos en la famosa
White Cube y cogeremos el metro para acabar
en Marylebone, donde tiene sede una histórica galería londinense,
LissonGallery.
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Vista exterior de Sprüth Magers, Londres, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Morris Louis & Cyprien Gaillard, From Wings to Fins, Sprüth Magers, 2013. Foto: Camilayelarte |
From Wings to Fins, Morris Louis & Cyprien Gaillard
Sprüth Magers
Cyprien Gaillard ha sabido darle a la
poética de la ruina de herencia dieciochesca, una acertada lectura en clave
contemporánea. Los suburbios, paisajes industriales desolados, arquitecturas
fruto de políticas económicas llevadas a cabo por gobiernos que la efímera
memoria colectiva ha olvidado, son el material con el que trabaja este artista
de la ruina. Pero no nos equivoquemos,
Gaillard no exalta la melancolía o
invita a la reflexión moral sobre el paso del tiempo como hicieron los viajeros
del Grand Tour al enfrentarse con los fragmentos arquitectónicos del glorioso
pasado clásico, más bien hay cierto gusto perverso por esa destrucción que es
parte intrínseca del sistema occidental. No hay en Gaillard una moral contra el
consumismo o las políticas que llevan a la rápida obsolescencia del mundo que
nos rodea, sino todo lo contrario, la exaltación viene de ese flujo constante,
de esa negación de la permanencia, la poética está en que nada es para siempre,
en que todo se destruye, se consume y deshecha, y en ese cíclo
destructivo es donde radica la belleza.
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Morris Louis & Cyprien Gaillard, From Wings to Fins, Sprüth Magers, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Morris Louis & Cyprien Gaillard, From Wings to Fins, Sprüth Magers, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Morris Louis & Cyprien Gaillard, From Wings to Fins, Sprüth Magers, 2013. Foto: Camilayelarte |
En el espacio londinense de la galería Sprüth
Magers (también tienen sede en Berlin),
Gaillard presenta sus collages a base de ejemplares del National Geographic. Dispuestos
en una serie de mesas de trabajo, las hojas de las revistas están plegadas
sobre sí mismas formando unas delicadas formas en flor. La forma no se
corresponde con el contenido, pues las imágenes ensambladas son una selección progresiva
de escenas de destrucción. Abandono, silencio, fracaso, son los conceptos que
planean sobre estos collages, poéticos y desoladores al mismo tiempo. El leitmotiv floral de las revistas se repite
en otro elemento que sorprende al visitante de la sala, el fragmento de lo que
parece una verja en hierro está estratégicamente situado en una columna frente
a la ventana, es agresivo y decorativo por partes iguales, como las imágenes
del National Geographic, se trata de la réplica de una estructura metálica de
seguridad del parking público de una plaza actualmente desaparecida que el
artista recuperó, el fragmento de un paisaje urbano que ya ni siquiera es una
ruina, pues el culto a la memoria en el espacio urbano es un lujo demasiado
caro.
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Morris Louis & Cyprien Gaillard, From Wings to Fins, Sprüth Magers, 2013. Foto: Camilayelarte |
El gran atractivo de la exposición
es que Gaillard ha buscado un aliado en su puesta en escena de la estética del
fracaso. Una pintura de Morris Louis de la serie Veils cuelga en la sala,
cromáticamente es afín a las imágenes seleccionadas por Gaillard, aunque ello
sea muy sutil. Hay en la pintura derramada por la tela de Louis un precendente
de la estética de la ruina de Gaillard, en el silencio, la no resistencia, ese
flujo libre del pigmento está tan lejos de la gestualidad enérgica del
expresionismo abstracto que nos lleva a esa idea del fracaso aceptado y elevado
a condición poética, el artista no ofrece resistencia, asume el estado deforme
de la materia y extrae la belleza que hay en ella.
Sprüth Magers
7A, Grafton Street - Londres
Del 15/10/2013 al 16/11/2013
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Vista exterior de White Cube, Londres, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Haim Steinbach, Travel, White Cube, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Haim Steinbach, Travel, White Cube, 2013. Foto: Camilayelarte |
Travel, Haim Steinbach
White Cube
Entrar en una exposición es un acto
condicionado por el sistema cultural del que procedemos. Haim Steinbach pone
alerta los mecanismos que se desencadenan cuando nuestros condicionados ojos se
posan ante cualquier objeto. Y digo cualquiera porque alguno de los objetos en
muestra en el espacio de la galería White Cube esté probablemente también en
vuestras casas, en algún que otro armario. Caeríamos en un error si considerásemos
los objetos de la vida ordinaria expuestos en vitrinas por Steinbach como el
objeto, valga la redundancia, de su exposición. No sólo son los objetos, sino
las vitrinas, las paredes falsas, las tuercas, las maderas, los elementos
estructurales que transforman el espacio de la galería en una
especie de laberinto donde transitar ante juguetes, orinales (olvidad una
posible referencia a Duchamp), zapatillas, sombreros, y todo objeto que se os
pase por la cabeza, aquello que da forma a una exposición
forma parte del discurso del artista.
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Haim Steinbach, Travel, White Cube, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Haim Steinbach, Travel, White Cube, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Haim Steinbach, Travel, White Cube, 2013. Foto: Camilayelarte
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Haim Steinbach parte del Homo Collector, de
sus inicios en la pintura y dentro los postulados del minimalismo le queda el
gusto por exhibir los objetos en estanterías de herencia juddiana. El objeto
entró en la esfera de su práctica artísitca cuando en 1976 realizó una serie de
pinturas a base de linóleo, las imitaciones de parquet, mármoles y materiales
preciosos varios le servieron para reflexionar sobre las implicaciones
culturales que conlleva el uso de uno u otro material, de ahí se pasó al objeto
con la firme voluntad de ampliar nuestra capacidad de lectura del objeto
cotidiano. Visitar una exposición suya es un doble ejercicio entre leer la
superestructura que define la percepción de la obra de arte y la invitación a abrir
nuestros ojos y ampliar la capacidad de sorpresa ante lo que damos por
descontado. ¿Al fin y al cabo no es eso de lo que va el arte?
White Cube
25-26, Mason's Yard - Londres
Del 02/10/2013 al 16/11/2013
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Vista exterior de Lisson Gallery, Londres, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Tatsuo Miyajima, I-Model, Lisson Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Tatsuo Miyajima, I-Model, Lisson Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte |
I-Model, Tatsuo Miyajima
Lisson Gallery
Tatsuo
Miyajima despliega sus instalaciones númericas a base de LEDS en el espacio de
Lisson Gallery. Ya en los años ochenta,
Miyajima abandonó la performance en favor a las instalaciones con neones y
series de números para hablar sobre el
fluir de la vida, la energía invisible y el espíritu que anima el cuerpo de las
cosas. El uso de la tecnología no nos debe confundir, los temas que interesan a
este artista tienden a la filosofía y a la espiritualidad.
En I-model, el
artista presente tres series de trabajo, los Corps sans organs, título tomado de Antonin Artaud, Rizhomes y Life Palace. Ocupan el espacio principal de la galería una especie
de organismos animados por un mecanismo autónomo que activa la secuencia
numérica, del 1-9 de forma aleatoria. Recordemos que Miyajima no incluye nunca
el número 0 pues éste no existe en la cultura oriental.
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Tatsuo Miyajima, I-Model, Lisson Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte |
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Tatsuo Miyajima, I-Model, Lisson Gallery, 2013. Foto: Camilayelarte |
Los colores que dan
vida a los números son el verde, rojo y azul, elegidos por cuestiones
técnicas pero también por las distintas connotaciones que tienen en la cultura
Oriental y Occidental. A diferencia de un artista que también utiliza la
secuencia de números en su obra, Mario Merz con la secuencia Fibonacci, en las
obras de Miyajima no es posible leer la lógica interna que anima la iluminación
de uno u otro número, ésta responde a una vida interior, autónoma, ajena a nosotros.
En este caso Miyajima ha colaborado con Takashi Ikegami, profesor en la
Universidad de Tokyo, quien ha creado el programa informático que genera la
secuencia.
Probablemente la obra que mejor refleja la filosofía que anima las obras de Miyajima, sea Life Palace, una casa de te japonesa que de nuevo nos recuerda a las cabañas de Merz y nos invita a entrar en su interior, una suerte de cosmos habitado de nuevo por números que acogen con silencio.
Lisson Gallery
52-54, Bell Street - Londres
Del 27/09/2013 al 02/11/2013
Más fotos de las exposiciones en nuestra página de
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Consulta dónde están las galerías de este post en nuestro mapa de Galerías de Londres: