viernes, 27 de julio de 2012

Links de la semana: de recortes y burbujas

  • "Hay que mirar más allá del horizonte y sonreír todos los días", esta fue la frase de consuelo  del secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle por la subida del IVA, el cual reconoció en una entrevista a RNE que la subida es difícil de explicar. Del consejo a mirar más allá, se entiende que el horizonte más próximo que se avecina es negro pero que muy negro. En lugar de sonreír, el pasado martes el sector del arte contemporáneo se manifestó ante el MNCARS, Elena Vozmediano nos lo ha contado en su blog.  
  • Imposible trabajar con tanto recorte: El MUSAC pierde a su director, Agustín Pérez Rubio, que ha decidio dimitir tras cuatro años de trabajo debido a las dificultades y trabas que conlleva la situación actual.
  • El rayo de sol entre tantas nubes negras lo ha puesto La Fundació Miró anunciando su programa expositivo para la temporada 2012-2013. Jackson Pollock en Explosió y el cine en Insomnia son algunas de las propuestas.
  • Mientras aquí nos morimos de asfixia, en Londres se vive en la burbuja de los JJOO. Ya inaugurados, el Olimpic Park ofrece la posibilidad de visitar 25 esculturas al aire libre, con trabajos de Monica Bonvicini, Claire Woods o Martin Richman entre otros. Las principales casas de subastas (Christie's, Sotheby's y Bonham's) también han aprovechado para subirse a esta ola y han lanzado diversas subastas temáticas, algunas de ellas celebradas con éxito y otras próximas que preparan el terreno para la caza de compradores en tan fértil escenario.
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    miércoles, 25 de julio de 2012

    Waqas Khan. Abstraction contained




    Con motivo de su primer aniversario la galería Sabrina Amrani ha querido celebrar la ocasión con la exposición y edición de un catálogo particularmente especial, Waqas Khan. Abstraction Contained. Tras un año en el que ha apostado por acercarnos a artistas poco visibles en el circuito artístico español, con especial atención a la creación en el norte de África y Oriente Medio, Amrani nos descubre no sólo la obra sino la actitud vital de un artista como Waqas Khan, poniendo el broche de oro a una temporada que comenzó con la felicidad y alegría de la obra de Elvire Bonduelle y cierra con una propuesta no menos optimista y vital, algo a lo que en vistas de la coyuntura actual  le estamos profundamente agradecidos.
    La belleza del arte y su poder de comunicar a distintos niveles, ya sea de forma espiritual o física es el tema sobre el cual gira el trabajo de Waqas Khan. Siguiendo la tradición del dibujo Bardhakhat dentro de la pintura miniaturista Mughal, pero actualizada con el uso de un Rotring 0.1, Waqas dibuja desde el uso de un signo mínimo los mapas mentales y emocionales (sospecho que es inútil distinguir  entre ambas categorías) vividos a lo largo de su minucioso proceso artístico. El resultado es una especie de mandalas cinéticos que conectan con nuestros sentidos más allá de lo tangible y cuyas cualidades podrían ser casi taumatúrgicas. En esta reafirmación del arte en tanto que comunicación hecha posible a través de la belleza y de la experiencia única y personal que supone mirar una obra de arte, Amrani ha invitado a personas de distintos campos y disciplinas a compartir su experiencia con la obra de Waqas, entendiendo el catálogo como un espacio en donde compartir y celebrar el arte, sin olvidar el trabajo y compromiso en la divulgación del mismo. Una entrevista con el artista, la atención a la particular técnica y soporte de la pintura y unos códigos QR que nos permiten disfrutar de la obra de Waqas en el móvil, completan la edición de un catálogo que es reflejo de un proyecto que entiende el oficio del galerismo de una forma próxima, sincera y renovadora. 

    Waqas Khan. Abstraction contained, Editor: Jal Hamad & Alonso López González, Madrid, 2012. Precio: 25€ en Galería Sabrina Amrani
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    lunes, 23 de julio de 2012

    Links de la semana: de las protestas contra la subida del IVA a los souvenirs olímpicos de Larry Gagosian

    • Diversos colectivos del sector del arte contemporáneo se han adherido a las protestas contra la subida del IVA y los recortes del Gobierno de Mariano Rajoy con una carta abierta donde se denuncia ante todo el incremento del IVA y retención del IRPF como medida que afecta de forma alarmante a los artistas, que deberán facturar con un IVA del 21% mientras hasta ahora lo hacían con un 8%. Si tan deseada era la nueva ley de mecenazgo para activar la participación del sector privado en el arte, esta nueva mesura tira por los suelos cualquier espectativa de que España pueda competir con el resto de Europa en cuanto a mercado del arte se refiere. Las protestas no acaban aquí, este martes 24 de julio se ha convocado a las 20:00h  una movilización como acto de protesta frente al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia.
    • Otro de los archivos ampliados es el del MNAC que ha recibido la donación del estupendo fondo fotográfico de Joan Colom, cuya obra pudimos disfrutar el año pasado en Foto Colectania. Su donación es una gran noticia que hay que celebrar.
    • Jordi Balló será el próximo comisario del pabellón de Cataluña y Baleares en la Bienal de Venecia de 2013 comisariada por Massimiliano Gioni,  con el proyecto audiovisual "25%" de Francesc Torres y Mercedes Álvarez.  Recordemos que no somos pabellón de la sección oficial pero sí evento colateral y que Jordi Balló fue hasta hace pocos meses el director de exposiciones del CCCB, donde hará cosa de un año vimos el proyecto de Francesc Torres sobre el 11S.
    • Mientras unos se hunden con la subida del IVA otros aprovechan la subida de su particular ola para sacar el máximo provecho. Esto es lo que ha hecho Larry Gagosian sacando una exposición Olímpica que encaje con la coyuntura londinense: Olympic Rings, Basquiat y Warhol: un capricho para aquellos que quieran prescindir del ordinario souvenir y hacerse con un recuerdo de la edición de estos juegos.
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    viernes, 20 de julio de 2012

    Entrevista con Carles Taché

    Una obra de Jordi Benito y una instalación a base de espejos de Joan Brossa nos reciben en la entrada del portal contiguo a la Galería Carles Taché y nos invitan escaleras arriba a un nuevo espacio que se aleja del tradicional formato de galería de arte. Es La Taché Gallery, la respuesta que Carles Taché ofrece a un momento que se prevé de transición y reevaluación del sistema del arte. 
    El íntimo espacio dedicado a las exposiciones se complementa con una sección de merchandasing concebida hasta en sus más mínimos detalles, huyendo de la frivolidad de las tiendas de museos y apostando por una idea de cultura expandida que va desde las selecciones bibliográficas llevadas a cabo por figuras como Romà Gubern y Anna Maria Guasch, pasando por ediciones especiales de obras de arte como una baraja de Joan Brossa o el angelito de Carlos Pazos, hasta el diseño de los muebles y objetos que dan forma al espacio. Carles Taché nos ha recibido para contarnos su proyecto en una sala de visitas que promete convertirse en un espacio polivalente y de intercambio para todos aquellos que se sientan comprometidos con un proyecto de cultura como el suyo.

    Carles Taché en La Taché Gallery, 2012. Foto: Camilayelarte

    ¿Qué ha motivado la idea de abrir un nuevo espacio como La Taché?

    Este espacio existe porque existe la Galeria Carles Taché, es un proyecto de hace años y nace pensado como galería de nueva generación, nueva conceptualmente, como respuesta a una necesidad de mostrar el arte emergente o algunos proyectos singulares de artistas de la galería Carles Taché que, por sus características, no tienen cabida en la galería. El factor de la experiencia te obliga a abrir nuevos caminos de forma comprometida, el trabajo previo de la Galería Carles Taché garantiza el rigor y valor del arte joven que se pueda mostrar en este espacio. En estos momentos difíciles y complicados es una prueba de ratificación en aquello en lo que crees y defiendes, es el momento de cuestionar ciertas cosas.

    ¿Qué relación mantendrá con el programa de la galería Carles Taché?

    El programa de La Taché será independiente del de la Galería Carles Taché. Aquí se expondrán artistas mucho más jóvenes, la duración de la exposición será de un mes y no de tres meses como en la galería, en un momento determinado puede coincidir que mostremos alguna parte del trabajo de un artista en exposición en la galería, pero no será lo habitual. Hemos decidido inaugurar con la obra de Miguel Ángel Campano, que expone en Carles Taché, porque se trata de un artista que por su condición no puede trabajar haciendo las grandes formatos que hacía y ahora hace cosas más pequeñas, he pensado que este trabajo tan emocional y tierno se tenía que ver, este sería el ejemplo de una exposición singular.

    ¿Cuáles son las características que diferencian este nuevo espacio con el más tradicional de una galería de arte?

    Intentamos romper con los límites tradicionales del espacio de una galería de arte. La idea es la de crear un espacio que responda a al necesidad de relacionarse a través de la cultura. Conceptualmente es una galería abierta a campos muy distintos, desde la danza, la moda, el diseño hasta las ediciones de obra gráfica, libros, conciertos, exposiciones de pequeño formato. Lo que queremos es homologar un arte joven internacional que responda a los intereses de las nuevas generaciones de coleccionistas que buscan una nueva forma de comprometerse con el arte.

    Vista de La Taché Gallery, 2012. Foto: Camilayelarte

    El formato se encuentra lejos del elitismo que a menudo acompaña al mundo del galerismo, es más abierto y próximo con el público.

    Sí, de hecho uno de los proyectos es celebrar sesiones de lectura de los autores recomendados en la librería con estudiantes del Insitut del Teatre y que la gente pueda seguir la lectura con un ejemplar propio. A los galeristas lo que nos gusta es hablar de arte, la relación que se establece entre el artista y el galerista es muy especial, nos educamos mutuamente y un espacio como este puede servir para esto, para crear un espacio de relación donde hablar de arte. La Taché es un proyecto que puede crecer y hacerse más grande, conceptualmente se puede exportar a otros sitios, nace con clara voluntad internacional.

    ¿Trabajaréis con el arte emergente de Barcelona?

    Sí, por supuesto,  a pesar de que no contamos con porcentajes establecidos, evidentemente trabajaremos con artistas de la escena emergente de Barcelona, pero lo que en realidad buscamos es la calidad, la de aquí y la del resto del mundo. Estamos en contacto con escuelas de creación extranjeras. La idea es promover arte joven internacional haciendo un seguimiento de los artistas lo más cuidadoso y continuado posible. Actualmente esto puede hacerse no únicamente organizando una exposición sino por ejemplo recomendando la obra de artistas en el blog de la galería.

    Miguel Ángel Campano, La Taché Gallery, 2012. Foto: Camilayelarte
    Vista de La Taché Gallery, 2012. Foto: Camilayelarte

    En la librería hay recomendaciones de personajes de la cultura que no tienen una relación directa con el arte contemporáneo.

    Sí, figuras como Josep Carreras o Eduardo Mendoza, lo que deseo es abrir la riqueza que estos personajes tienen y su complicidad con la cultura y el arte, son gente amiga, cercana que visitan galerías y son sensibles a la creación contemporánea.

    Desde que empezaste ¿cómo ha cambiado Barcelona en el ámbito del arte contemporáneo?

    Barcelona es una ciudad que durante años ha apostado por la cultura y en un momento como el de ahora lo que nos exige es trabajo, ser sensible con lo que está pasando. Cuando empecé había una vitalidad y unas ganas increíbles de comerse el mundo, con una respuesta intelectual importante, vivíamos años de represión y dictadura que nos hacía más beligerantes en el buen sentido de la palabra. Recuerdo que los galeristas defendían las obras de sus artistas de forma más encarnizada, hoy en día si una cosa no te gusta te enseñan otra. Creo que deberíamos recuperar esta energía y vitalidad que la propia ciudad representa.

    Miguel Ángel Campano
    La Taché Gallery
    Consell de Cent, 288
    Barcelona
    Hasta el 31 de julio

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    (Versió en català)


    Una obra d'en Jordi Benito i una instal·lació a base de miralls de Joan Brossa ens reben a l'entrada del portal contigu de la Galeria Carles Taché i ens conviden escales amunt, a un nou espai que s'allunya del format tradicional de galeria d'art. És La Taché Gallery, la resposta que Carles Taché ofereix a un moment que es preveu de transició i re-avaluació del sistema de l'art.
    L'íntim espai dedicat a les exposicions es complementa amb una secció de merchandasing concebuda fins al mínim detall, fugint de la frivolitat de les botigues de museus i apostant per una idea de cultura expandida que va des de les seleccions bibliogràfiques portades a terme per figures com Romà Gubern i Anna Maria Guasch, passant per edicions especials d'obres d'art com una baralla de Joan Brossa o l'angelet de Carles Pazos, fins el disseny dels mobles i objectes que donen forma a l'espai. Carles Taché ens ha rebut per explicar-nos el seu projecte en una sala de visites que promet convertir-se en un espai polivalent i d'intercanvi per tots aquells que es sentin compromesos amb un projecte de cultura com és el seu.

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    Què ha motivat la idea d’obrir un nou espai com La Taché?
    Aquest espai existeix perquè existeix la Galeria Carles Taché, és un projecte de fa molts anys que neix  pensat com a galeria de nova generació, nova conceptualment, com a resposta d'una necessitat que hi ha de mostrar l'art emergent o alguns projectes singulars d´artistes de la Galeria Carles Taché que, per les seves característiques, no tenen cabuda a la galeria que per les característiques del seu treball no tenen cabuda a la galeria. El factor de l'experiència t'obliga a obrir nous camins de forma  compromesa, el treball previ de la Galeria Carles Taché dona rigor i valor a l'art jove que es pugui mostrar en aquest espai. En aquests moments que són difícils i complicats és una prova de ratificació en el que creus, el que estimes i defenses, és el moment de qüestionar certes coses. 
    Quina relació mantindrà amb el programa de la galeria Carles Taché?
    El programa de La Taché serà independent del de la Galeria Carles Taché. Aquí s'exposaran artistes molt més joves, la duració de l'exposició serà d'un mes i no de tres mesos com a la galeria, en un moment determinat pot coincidir que mostrem alguna part del treball d'un artista en exposició a la galeria, però no serà habitual. Hem decidit inaugurar amb l’obra de Miguel Ángel Campano, que exposa a Carles Taché,  perquè es tracta d'un artista que per la seva condició no pot treballar fent els grans formats que feia i ara fa coses més petites, he pensat que aquest treball tan emocional i tendre s'havia de veure, aquest seria l’exemple d'una exposició singular.
    Quines són les característiques que diferencien aquest nou espai amb el més tradicional de la galeria d’art?
    Intentem trencar els límits tradicionals de l'espai d'una galeria d'art. La idea és la de crear un espai que respongui a la necessitat de relacionar-se a través de la cultura. Conceptualment és una galeria oberta a molts camps diferents, des de la dansa, la moda o el disseny fins a les edicions d'obra gràfica, llibres, concerts, exposicions de petit format. El que volem és homologar un art jove internacional  que respongui als interessos de les noves generacions de col·leccionistes que busquen una nova forma de comprometre's amb l’art.
    El format es troba lluny de l’elitisme que sovint acompanya el món del galerisme, és més obert i pròxim amb el públic
    Sí, de fet un dels projectes és celebrar sessions de lectura dels autors que tenim recomanats a la llibreria amb estudiants de L'Insitut del Teatre i que la gent pugui seguir la lectura amb un exemplar propi. Als galeristes el que ens agrada és parlar d'art, la relació que s'estableix entre l'artista i el galerista és molt especial, ens eduquem mútuament  i un espai com aquest pot servir per això, per crear un espai de relació, on parlar d'art. La Taché és un projecte que pot créixer i fer-se més gran, conceptualment es pot exportar a altres llocs, neix amb clara voluntat internacional.
    Treballareu amb l’escena d’art emergent de Barcelona?
    Sí es clar, tot i que no tenim uns percentatges establerts, evidentment treballarem amb artistes de l’escena emergent de Barcelona, però el que busquem és la qualitat, la d’aquí i la d’arreu del món. Estem en contacte amb escoles de creació estrangeres. La idea és promoure art jove internacional fent un seguiment dels artistes el més acurat i continuat possible, actualment això es pot fer no només organitzant una exposició sinó per exemple recomanant l'obra d'artistes en el bloc de la galeria.
    A la llibreria hi ha recomanacions de personatges de la cultura que no tenen una relació directa amb l'art contemporani.
    Sí, figures com Josep Carreras o Eudardo Mendoza, el que vull és  obrir la riquesa que aquests personatges tenen i la seva complicitat amb la cultura i l’art, són gent amiga, propera, que visiten galeries i són sensibles a la creació contemporània.
    Com ha canviat Barcelona en l’àmbit de l’art contemporani des de que vas començar?
    Barcelona és una ciutat que durant anys ha apostat per la cultura i en un moment com el d’ara el que ens exigeix és treball, ser sensible amb el que està passant. Quan vaig començar hi havia una vitalitat i unes ganes increïbles de menjar-se el món, amb una resposta intel·lectual  important, vivíem anys de repressió i dictadura que ens feia més bel·ligerants en el ben entès de la paraula. Recordo que els galeristes defensaven les obres del seus artistes de forma més aferrissada, ara si no t’agrada una cosa t’ensenyen un altre. Crec que hauríem de recuperar aquesta energia i vitalitat que la pròpia ciutat representa.


    Miguel Ángel Campano
    Consell de Cent, 288
    Barcelona
    Fins el 31 de juliol
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    Manifiesto por la cultura en España

    Las asociaciones profesionales del arte contemporáneo de España han hecho público el siguiente manifiesto después de las medidas anunciadas por el Gobierno español de aumentar el IVA en el sector cultural hasta el 21% (lo que supone un incremento de 13 puntos) y de reducir el presupuesto de las instituciones culturales.

    Rajoy en el Congreso de los Diputados anunciando los recortes

    Manifiesto por la cultura en España:

    Las medidas adoptadas por el Gobierno el pasado 13 de julio sitúan irreversiblemente a España en una dirección de recesión económica y de dependencia política que no permite anticipar una salida a la actual situación de crisis económica y social; su próxima puesta en marcha afecta, además, a los futuros parados, a los futuros jubilados, a los pensionistas, a los dependientes y sus familiares, a los funcionarios, a los autónomos, a los artistas y empresas culturales…

    El ataque al ya frágil tejido cultural, que a partir del 1 de septiembre quedará herido de muerte, es especialmente grave por lo irracional de su planteamiento: algunas de estas medidas, lejos de ayudar a aportar soluciones a la crisis económica, van a conducir a la extinción de una red de profesionales y empresas especialmente preparados para mejorar la calidad de nuestra convivencia; en estos momentos, el tejido cultural es el más adecuado para promover la innovación, impulsar la crítica, sustentar la cohesión social, imaginar un futuro… es decir, para contribuir de forma decisiva al diseño colectivo de un nuevo modelo económico para nuestra sociedad.

    Las medidas del 13 de julio lo van a debilitar irremisiblemente, para ahondar más si cabe la crisis ética de nuestro país y el escepticismo sobre nuestra capacidad de salir juntos adelante, sin dejar a nadie en el camino. La cultura es un lugar privilegiado para dotar de credibilidad a los mecanismos colectivos de nuestra sociedad, para proponer vínculos que mejoren nuestra cohesión, para estimular procesos colectivos. Sin esa red de intereses culturales en la que se entretejen pasado, presente y futuro los proyectos colectivos son más difíciles de desarrollar.

    No es posible omitir que las medidas del 13 de julio, unidas a las que se han ido adoptando cada viernes de dolores y a las líneas maestras de los Presupuestos Generales del Estado de este año, van dirigidas contra los sectores más débiles de la sociedad española y contra los diferentes colectivos que pueden obstaculizar la intención de los intereses financieros europeos de configurar una orla mediterránea de mano de obra barata y mucho suelo disponible, con el menor control democrático sobre este proceso. Y los profesionales y las empresas culturales formamos uno de los sectores que pueden oponerse, por su capacidad de crítica y su influencia social, a este proceso de autoritarismo económico.

    Las medidas del 13 de julio no van dirigidas exclusivamente contra los profesionales y las empresas culturales, pero sí que van dirigidas contra nosotros, precisamente en un momento en el que, por la globalización que propician las tecnologías de la información, por la necesidad de mejorar la capacidad competitiva de los países, por el cuestionamiento de los modelos económicos tradicionales, la cultura debe considerarse como un sector estratégico, y mucho más en España, ya que es fundamental para dirigir nuestra función de bisagra entre las economías y las sociedades europea y latinoamericana. Por eso no se entiende desde la racionalidad económica el tratamiento que el Gobierno va a dar desde el 1 de septiembre al conjunto de la actividad cultural: en un momento de recesión como el actual, el consumo de bienes culturales presenta una tendencia negativa irremisible; a ello contribuirá más todavía el doble efecto de aumento de coste que representan el incremento de las retenciones de IRPF para los autónomos y el incremento de IVA para la mayor parte de bienes culturales, en algunos casos de hasta un 13 %; sumadas estas dos medidas, lejos de aumentar la recaudación por parte del Estado -lo que podría no compartirse, pero sí entenderse- va a reducirla porque va a minimizar hasta la nada la actividad cultural productiva, al tiempo que se precariza más todavía al sector, lo sitúa en una posición de difícil competitividad con el exterior y lo empuja hacia transacciones irregulares, fuera de la disciplina fiscal, sobre todo en algunos de los ámbitos de actividad. La adopción de estas medidas va a contribuir al empobrecimiento intelectual de España y va a arrojar al paro a miles de trabajadores.

    En la actual situación sería comprensible que se planteara desde el Gobierno un reparto de cargas entre el conjunto de la sociedad española para “salir de la crisis”, pero este reparto solo sería aceptable bajo tres principios: que se conozcan los objetivos, que se negocien los criterios y las formas de distribución y que afecte a todos los sectores de la sociedad, con la excepción de los más necesitados. Por lo que sabemos y vamos interpretando, los objetivos no son los que aparecen en los preámbulos de los decretos, los criterios y las formas de distribución son autoritarios, no trasparentes y sectarios y los sectores afectados por las medidas son los más débiles o los más dinámicos de la sociedad española.

    Por todo ello, porque nos jugamos el ser o no ser de la actividad cultural en España, nuestro trabajo profesional y nuestra capacidad de contribuir a crear conocimiento, es imprescindible que de forma conjunta y con una visión racional y global de la situación respondamos cuanto antes a las medidas anunciadas por el BOE y exijamos al Ministerio de Cultura, Educación y Deporte la puesta en marcha de otras políticas, que no solo son posibles, sino sobre todo necesarias. La actividad cultural española necesita ser impulsada, no arrojada al contenedor de material reciclable. Desde el conjunto de los profesionales y empresas culturales reclamamos la unidad de todo el sector para hacer frente con la mayor fortaleza a este conjunto de medidas que van en contra de los intereses de nuestra soberanía como sociedad.

    Desde esta unidad, exigimos la retirada de las medidas que atacan a la supervivencia del tejido cultural de nuestro país, como es el incremento del IVA al 21%; reclamamos un proceso de negociación del Ministerio de Cultura, Educación y Deporte con las asociaciones representativas de los diferentes sectores para analizar la realidad económica de la cultura española y adoptar las medidas que, en la actual situación de crisis, garanticen su supervivencia y proponemos la elaboración conjunta de un Plan de Apoyo y Protección de la Cultura, hoy más necesario que nunca, como contribución de los profesionales y empresas culturales de España a la salida de la crisis. Hasta ese momento, rechazamos nuestra participación en todo acto o convocatoria promovido por el Ministerio de Cultura, Educación y Deporte como muestra de protesta ante las medidas del 13 de julio.

    Para expresar claramente nuestra posición unitaria como representantes del sector de la cultura, hacemos público este Manifiesto y convocamos acciones de protesta en todas las ciudades.
     

    Firmantes:

    - Asociación de Coleccionistas de Arte Contemporáneo, 9915
    - Asociación Cultural Sorambulas
    - Clasicas y Modernas. Asociación para la igualdad de género en la cultura
    - Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales de España
    - Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo
    - Encuentros de Mujeres de Iberoamérica en las Artes Escénicas
    - Instituto de Arte Contemporáneo (IAC)
    - Mujeres en las Artes Visuales (MAV)
    - Off Limits
    - Unión de Asociaciones de Artistas Visuales

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    lunes, 16 de julio de 2012

    Klänge


    En origen editado como libro de artista, Klänge, se publicó en Munich en 1912 con un tiraje limitado a las 300 copias, siendo actualmente una rareza literaria puesto que el propio Vassily Kandinsky expresó su deseo de que no volviera a reeditarse. Escrito entre 1907 y 1912, se trata de un libro de poemas acompañado en su versión original por doce xilografías a color y treinta y cinco en blanco y negro que recogen el momento de transición y gestación de las teorías de Kandinsky con respecto a la abstracción. No se trata por lo tanto de un libro teórico como De lo espiritual en el arte, sino de una aproximación desde la poesía del profundo cambio que se verificaría en pintura, un relato del movimiento que lo llevó de lo figurativo a la abstracción. 
    Su título, Klänge, sonidos, hace ya referencia a la particular categoría que Kandinsky otorgó a la música con respecto a la pintura. Aquí es la palabra y su musicalidad la que construye la imagen a pesar de que ésta se pierda inevitablemente en la traducción del alemán. No se trata de poemas autónomos con respecto a la realidad, todavía la figuran de algún modo aunque esté constituida por colores que son a la vez personajes, casas, cielos o lanzas, una especie de mundo irreal que se acerca a los márgenes del sinsentido, anunciando el salto que se avecina de la frontera de lo concreto a lo abstracto. Sin poder ver las imágenes que lo acompañaban, los poemas de Klänge nos recuerdan a las primeras pinturas de Kandinsky herederas del folklore ruso. La libertad anunciada en sus páginas no pasó desapercibida a los dadaístas y algunos de los poemas publicados en Klänge fueron leídos en las sesiones del Cabaret Voltaire. 


    Vassily Kandinsky, Sons, Edicions 62, Barcelona, 1990. Precio: 17€ en uniliber.com
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    jueves, 12 de julio de 2012

    Luis Claramunt, el viaje vertical

    Un viaje de sólo ida, sin retorno ni Ítaca a la que llegar después de la larga travesía, a esta postura vital hace referencia El viaje vertical, título prestado de la novela de Enrique Vila-Matas que  resume la vida y la obra  de Luis Claramunt (Barcelona, 1951-Zarautz, 2000), pintor poco conocido que el MACBA recupera en esta retrospectiva como parte del proyecto de explicar la historia de nuestro arte más reciente no desde un discurso construido por sustituciones estéticas sino a través de miradas y proyectos personales.

    Luis Claramunt, El viatge vertical, 2012. MACBA. Foto: Camilayelarte
    Luis Claramunt, El viatge vertical, 2012. MACBA. Foto: Camilayelarte

    La suya, la de Claramunt, es una trayectoria conscientemente construida desde los márgenes, fuera de las tendencias que por generación y lugar de nacimiento le hubiese tocado seguir. Para mí, esta ha sido una exposición de descubrimiento, no sólo de la obra de un artista del que desconocía casi todo, sino también de un modo de comprender y vivir Barcelona. El viaje vertical de Claramunt comienza en esta ciudad para después seguir hacia Sevilla, Marrakech y Madrid, pero la Barcelona de la que habla es aquella que la política del Barcelona posa't guapa se esforzó por cancelar. A los que nacimos en los ochenta nos cuesta reconocer la ciudad pre-olímpica, y sobretodo ese barrio chino de figuras marginales, gitanos y flamenco del que Claramunt sintió fascinación y sentimiento de pertenencia hasta el punto de abandonar su origen catalano-burgués por el underground de la calle Escudellers. Paralelo a este giro vital, en lo artístico la obra de Claramunt toma sus referentes fuera de las dos principales tradiciones artísticas catalanas, el informalismo y el arte conceptual. Muy lejos de ello, en las obras expuestas en el MACBA reconocemos la influencia de  figuras como Isidre Nonell, Ignacio Zuluoga o José Gutierrez Solana.

    Luis Claramunt, El viatge vertical, 2012. MACBA. Foto: Camilayelarte
    Luis Claramunt, El viatge vertical, 2012. MACBA. Foto: Camilayelarte

    La  trayectoria pictórica de Luis Claramunt comienza desde un expresionismo que se desprende paulatinamente de la mancha y la materia avanzando hacia lo formal y pictórico para finalmente desnudar la pintura y llegar a sus elementos más esenciales, el trazo y el dibujo. La exposición  abre y cierra su discurso desde la importancia de éste último dentro del proceso de trabajo del artista. Una serie de dibujos no pensados en su origen para ser expuestos se presentan como herramienta de interpretación de su relación con el mundo, con un lenguaje formal a primera vista abstracto es posible reconocer en él algunas figuras recurrentes de su imaginario como las navajas o las guillotinas. El dibujo funciona en la obra de Claramunt como una suerte de escritura automática fruto de su deambular por las ciudades a modo de flanêur de los bajos fondos o bien como resultado de las lecturas de autores como Conrad, Camus o Stevenson, influencia directa de su particular universo.

    Luis Claramunt, Bestiar brau, 1988. Foto: Camilayelarte
    Luis Claramunt, Sin título (de la serie La Muela de oro), 1991. Foto: Camilayelarte



    Luis Claramunt, Sin título (de la serie La Muela de oro), 1991. Foto: Camilayelarte

    De esta importancia de la ciudad y la literatura en su obra nos hablan las series de fotografías que recogen su deambular por el barrio chino, el puerto de Barcelona o el Bilbao industrial. Es en la secuencia de estas imágenes donde mejor se entiende aquello que interesaba a Claramunt, la poética de lo marginal y suburbano como residuo de una forma de estar y ser en el mundo que no tenía lugar y cabida dentro del sistema social y artístico de la época, una marginalidad voluntaria dentro de la práctica artística que se ejemplifica en los libros autoeditados a base de fotocopias que huían de cualquier valor mercantil.
    La suya es una pintura asimbólica, 100% urbana, como él solía decir, ligada aún en sus expresiones más abstractas a una realidad, ya sea la de Barcelona, Madrid, Sevilla o Marrakech, que sirve como elemento de construcción de la estructura formal de sus obras. La exposición no limita su espacio a las salas del MACBA sino que se alarga en una colaboración con el MNAC, donde una serie de dibujos de Nonell dialogan con los del propio Luis Claramunt, dos anacronismos de sus respectivas épocas mano a mano como propuesta del presente.


    Luis Claramunt, El viaje vertical.
    MACBA, del 13 de julio al 21 de octubre de 2012
    Plaça del Àngels, Barcelona
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    martes, 10 de julio de 2012

    Links de la semana: del Occupy en dOCUMENTA al #Opencurating de Latitudes

    • No ha sido por invitación oficial como en la Bienal de Berlín sino como reacción espontánea. El movimiento #Occupy ha hecho acto de presencia en la Friedrichplatz de Kassel ocupando el espacio público para transformarlo en espacio de reivindicación política. Lejos del desalojo los organizadores de dOCUMENTA (13) han interpretado el gesto dentro del espíritu de Joseph Beuys y Carolyn Christov-Bakargiev, su directora artística, ha dado su bienvenida al movimiento "doccupy":
    •  
    'I welcome the "doccupy" movement in Friedrichsplatz, which has grown over the last weeks. It continues the wave of democratic protests that have been spreading across many cities in the world. It enacts the possibility of re-inventing the use of public space and appears to me to be in the spirit of the moment and in the spirit of Joseph Beuys who marked documenta and its history significantly, embodying another idea of collective decision making and political responsibility through direct democracy.
    With this welcome, I also want to affirm the abilities of the people involved to care for the square, and to take responsibility for the space that they have the right to occupy, to consider the City of Kassel and the other visitors of documenta in a worldly spirit of germination and flourishing.'
    Carolyn Christov-Bakargiev

    • Siguiendo con las opiniones que ha ido generando dOCUMENTA (13) os recomendamos el especial de A*desk con artículos de Javier Hontoria, Juan Canela, Montse Badia, Maite Garbaio y Andreas M. Kauffmann.
    • Rosa Ferré será la nueva jefa de exposiciones del CCCB, tras la salida del cargo de Jordi Balló. Su actividad hasta el momento se ha centrado en la gestión cultural con empresas como Cultural Affairs y IntelligenceBarcelona, centradas en la producción y diseño de exposiciones.
    • El pasado 13 de junio se publicaron los proyectos ganadores de 6ª edición de BCN Producció, como novedad destacamos las dos nuevas categorías de proyecto de investigación y comisariado, ésta última ha recaído en Alexandra Laudo, de la plataforma Heroínas de la Cultura, mientras que la oficina curatorial Latitudes ha ganado el de investigación con el proyecto #Opencurating, que trata de indagar cómo la revolución 2.0 y la política de transparencia que de ella se deriva puede transformar el arte contemporáneo, la organización de exposiciones y la práctica curatorial.

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    martes, 3 de julio de 2012

    Altar Ego, Antoni Miralda en el Bòlit

    Transformar un alimento en cultura, éste es el proceso que se desencadena en nuestra cocina cada vez que nos disponemos a preparar el desayuno, la comida o la cena. Desde la forma en que cocinamos hasta cómo consumimos este alimento, el acto de comer no sólo cubre una necesidad básica sino que  supone un ritual del que se desprende nuestra forma de ser, estar y relacionarnos con el mundo. La comida nos habla de tradición pero sobretodo del proceso de hibridación de la que ésta nace. Fruto de la intersección, la cultura implícita en el ritual de la comida no nace de forma autónoma sino por un complejo proceso de intercambio que tiene en la relación con el otro(s) su última razón de ser.

    Antoni Miralda, Altar Ego, 2012, Bòlit. Foto: Camilayelarte

    Mucho antes de que Rirkrit Tiravanija invitara al público a saborear su noodles tailandeses, Antoni Miralda (Terrassa, 1942) ya cuestionaba el objeto artístico, los límites del espacio expositivo y de la relación de ello con el público a través de performances e instalaciones donde los alimentos  y el arte culinario adquirían una categoría semiótica más allá de su función nutricional. En el caso de Altar Ego, la exposición en el Bòlit de Girona, Miralda ofrece un despliegue de esta capacidad suya de entender el arte y la cultura como un proceso abierto y permeable, en una exposición que se ofrece a la ciudad de Girona como un experimento donde intercambiar las múltiples identidades que ella misma contiene. 

    Antoni Miralda, Altar Ego, 2012, Bòlit. Foto: Camilayelarte

    Si la liturgia culinaria puede entenderse como una forma de palimpsesto, esta misma convergencia de tiempos históricos y tradiciones culturales se da en la exposición a través de los distintos elementos que le dan forma. Por un lado en el espacio que ocupa, la Capella de San Nicolau del siglo XI, por otro en la figura de Sant Cosme, una talla del siglo XVIII, protagonista de la exposición que invoca la búsqueda de su complemento, su otro, San Damián, al que podemos substituir en un photocall instalado en el ábside que le quita gravedad al asunto y añade ese punto de narcisismo al que como público nos encanta caer. 

    Antoni Miralda, Altar Ego, 2012, Bòlit. Foto: Camilayelarte
    Antoni Miralda, Altar Ego, 2012, Bòlit. Foto: Camilayelarte

    La elección de la presencia y ausencia de las figuras de San Cosme y Damián como ejes conductores de la exposición no es gratuita, ambos santos venerados por sus capacidades taumatúrgicas son conocidos por un milagro que simboliza de algún modo la idea subyacente de la exposición: ante un enfermo con la pierna gangrenada los santos procedieron a cortarla y sustiuirla por la de un negro muerto recientemente, el cuerpo del enfermó aceptó de forma milagrosa el injerto. Tal vez no de injertos pero sí de coexistencia y dependencia nos hablan las ofrendas en los ábsides de la capilla y los objetos en las vitrinas de la Taula Infinity que preside la talla de San Cosme sobre un lecho de ositos de golosina. Latas de pimentón y tajine, braseros y especies mapuche, recetarios, cazuelas, tripas del diablo, todo ello conforma un retrato de las aportaciones de los habitantes de Girona y alrededores, un cuadro de la existencia de múltiples tradiciones y en un territorio reducido, de cómo desde lo local se puede llegar a lo global. Una pizarra a disposición de todos se ofrece como escenario para intercambiar dichos de raíz culinaria o recetas familiares, de la comunicación y el diálogo como forma. Mientras que en las entrañas de la capilla, en la cripta, se alza un Tótem formado por objetos alrededor del cual gira  proyectado sobre el muro de piedra el video Oyeyá, un ritual haitiano que nos recuerda cuan cercano a la religión y a lo mítico se encuentra el acto de proveerse de alimentos


    Altar Ego, de Antoni Miralda, hasta el 16 de setiembre de 2012

    BÒLIT-SantNicolau
    Plaça Santa Llúcia, 1
    17007 Girona

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    domingo, 1 de julio de 2012

    Arte Povera



    Carolyn Christov-Bakargiev, la directora artística de dOCUMENTA (13) publicó en 1999 uno de los libros más completos sobre Arte Povera en un ejercicio de recontextualización del movimiento italiano dentro del resto de tendencias artísticas que se desarrollaron a lo largo de los años sesenta a nivel internacional como el Land art, el postminimalismo o el arte conceptual.
    Uno de los principales campos de interés del Povera fue el de buscar el punto de relación o intersección entre arte y vida, naturaleza y cultura, de ahí que Germano Celant en su texto crítico de la primera exposición del movimiento señalara que lo común e insignificante había entrado en la esfera del arte. Huyendo de la codificación lingúïstica y representativa de éste, el arte povera buscó indagar en la energia primaria presente en todos los aspectos de la vida, tanto en referencia a las fuerzas de la naturaleza como a los de la energía humana. En este sentido Bakargiev enfatiza como precedentes del arte povera la práctica artística del grupo Gutai en relación a la experimentación con materiales naturales y procesuales, así como la  la superación del objeto en la obra de Lucio Fontana en favor de un arte total donde la materia se diluye en el tiempo y el espacio, o el uso de energias primarias como fuente de transformación de los materiales orgánicos en la obra de Alberto Burri.
    Otro de los puntos más interesantes que señala el libro pero lamentablemente no desarrolla de forma muy exhaustiva es el de la similitud de visión del arte como espacio de libertad y no tanto de novedad y progreso que se da en el arte povera y en el pensamiento estético de Pier Paolo Pasolini, en la referencia a un mundo mítico, pre-moderno o suburbano donde lo rural e industrial entran en relación.
    En la defensa y muestra que hace Carolyn Christov-Bakargiev del sentido abierto, fluido, subjetivo y multidireccional del arte povera se perciben ciertos ecos de la idea y función del arte que años más tarde ha querido mostrarnos en dOCUMENTA (13).

    Carolyn Christov-Bakargiev, Arte Povera, Ed. Phaidon, 1999. Precio: 37,95€ en Amazon
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