Pasen ustedes y vean: El mago Parreno en la Beyeler

Cuando Dorothy finalmente consigue audiencia con el Mago de Oz, la recibe una imponente cabeza suspendida en una bruma verde acompañada por llamaradas y una voz estruendosa de mago muy poderoso y temible, gracias a Totó, el perro, descubrimos que tras unas cortinas se esconde un hombrecillo, el verdadero mago, que mueve las palancas y los altavoces para poder crear el efecto que se le presupone a su papel.

Philippe Parreno, Marilyn, 2012, Film Still, Courtesy Pilar Corrias Gallery and Fondation Beyeler

Philippe Parreno es en la Fundación Beyeler el mago tras la cortina que orquestra la idea de exposición entendida como espectáculo de magia. Una especie de "pasen ustedes y vean" a modo del primer cine que lejos de la voluntad narrativa que adoptaría después, nació como entretenimiento de feria teniendo por máximo reclamo la capacidad de invocación fantasmagórica: mostrar una imagen en movimiento. Es habitual en el trabajo de Parreno entender el formato exposición como una experiencia expandida, dilatada en el espacio y en el tiempo, en el caso de los dos trabajos presentados en la Fundación Beyeler Marilyn y Continously Habitable Zones ambos conceptos se extienden más allá de las salas del museo. Ya en la entrada entre los magníficos nenúfares del estanque que circunda el edificio de Renzo Piano, otra especie de nenúfares aparecen y desaparecen por efecto de la vibración sonora de unos altavoces sumergidos en el agua que reproducen el sonido de Continously Habitable Zones, un film que muestra un bosque artificial oscuro y negro que parece escapar de su espacio original para emerger a través del agua adoptando una nueva forma que se relaciona tanto con el entorno natural del jardín acuático como con el cuadro de los nenúfares de Monet, en muestra en el interior del museo.

Philippe Parreno, Marilyn, 2012, Film Still, Courtesy Pilar Corrias Gallery and Fondation Beyeler

Una sala con dibujos de este bosque fantasmagórico y unas cartas sobreescritas de forma obsesiva sirven de preludio al extraño mundo al que nos adentraremos en el piso inferior de la fundación. A falta del humo como elemento anunciador de lo improbable, nos dan la bienvenida al espectáculo las típicas marquesinas de luces de Parreno y una vez dentro se materializa la presencia de un fantasma que fue víctima de la capacidad del cine para crear imágenes y sueños. Vemos lo que ven sus ojos, oímos su voz mientras recorre los detalles de un espacio que su cuerpo un día habitó, una habitación del Hotel Waldorf Astoria, y nos parece verla al observar el ritmo de su caligrafía nerviosa sobre el papel. Es Marilyn, o mejor dicho su invocación desde elementos que reconstruyen su presencia sin reproducir su imagen, conduciéndonos paulatinamente en un loop a una sensación de extrañeza y misterio que acaba desvaneciéndose en un travelling que desvela el truco del mago, la puesta en escena y el robot que ha hecho posible que por unos minutos Marilyn estuviese allí. Parreno juega con la idea del arte como artificio, dos criaturas construidas, el fantasma de Marilyn y el bosque negro que nos acompañan más allá del espacio expositivo en un DVD que podemos llevarnos a casa para revivir en otro lugar a esos dos seres, ¿eternamente? no, el arte y los fantasmas son efímeros, tras su primer visionado la obra se autodestruye.

Philippe Parreno, hasta el 30 de septiembre de 2012

FONDATION BEYELER
Baselstrasse 101
CH-4125 Riehen / Basel
Suiza

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Ernst Beyeler. A Passion for Art

Si tomamos en consideración el mercado como parte integrante y fundamental de la historia del arte del siglo XX, entonces Ernst Beyeler debe considerarse una de sus figuras más importantes. Fundador de Art Basel y creador de la fundación que se lleva su nombre, Beyeler no sólo fue uno de los coleccionistas más importantes del siglo XX sino también uno de los encargados a darle forma al modo como se entiende hoy en día el mercado y las transacciones artísticas.  

A Passion for Art recoge diversas entrevistas que a lo largo de los años mantuvo con Christophe Mory y sorprende ante todo por la sinceridad tanto de las preguntas como de las respuestas. No hay aquí ninguna voluntad de esconder el hecho de que el arte sea un negocio que mueve una cantidad indecente de dinero, muy al contrario, con mucha espontaneidad Beyeler habla sobre tejemanejes que harían ruborizar a más de uno sin que por ello se le quite valor a la importancia y trascendencia que él mismo le confería al arte.

¿Nunca se ha sentido mal por triplicar el precio de venta de una obra? ¿No tiene remordimientos por llevarse un beneficio mucho mayor que el de los artistas? A todo ello Beyeler responde con la naturalidad de alguien que sabe que el valor económico de una obra va ligado a su calidad y rareza en el mercado. Vender las mejores piezas, exponerlas de tal modo que esta calidad quede evidenciada, editar los catálogos que apoyan y sostienen el trabajo desarrollado en la galería, es la fórmula que Beyeler siguió a lo largo de los años. El resultado de su modo de entender el arte se percibe en las salas de su Fundación, un monumento a la autonomía del arte y a la experiencia estética como su valor máximo, una demostración de que en algún momento el arte podía explicarse por sí mismo, a través de su propio lenguaje, sin intermediarios posibles, sólo nosotros y la obra de arte.

Ernst Beyeler. A Passion for Art, Scheidegger & Spiess, 2011. Precio 31,60€ en Fondation Beyeler

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One Painting, One World de Guillermo Pfaff

Existe una especie de aura, me atrevería a decir romántica, en el oficio de pintor. Elegir la pintura como medio artístico es elegir el lenguaje que ha sido base y fundamento para la historia del arte pero también es elegir su constante puesta en crisis. ¿Qué tiene que pintar un pintor del siglo XXI? a esta pregunta -nos comentaba Guillermo Pfaff en una entrevista hace unos meses- procuraba dar respuesta su obra y metodología de trabajo. En One Painting, One World, comisariada por David Armengol y María Pfaff, se nos ofrece la oportunidad de transitar por los distintos estados analíticos por los que fluctúa su práctica artística. 

Vista de la exposición. Foto: Camilayelarte

Sorprende gratamente la facilidad con la que Pfaff consigue hacer converger polaridades bien distintas desde las que aborda el sentido de la pintura hoy, algo a lo que el espacio en el que se desarrolla la exposición contribuye en buena manera. En la serie Ejercicios con esculturas plantea la cuestión de la técnica, de cómo viene producida una pintura, introduciendo sin complejos la cuestión del modelo y la copia, de la formación del lenguaje pictórico desde la tradición y el bagaje cultural e histórico. Diversos estudios ejecutados con distintas técnicas se muestran en una única obra a modo de visión fragmentada de los aspectos formales a los que se enfrenta un pintor.

Guillermo Pfaff, La Deesa. Foto: Camilayelarte

En un nivel semántico opuesto la serie Exili habla de pintura como cuerpo ausente a través del rastro en el espacio un día ocupado por ella. Este vacío, a la vez formal y conceptual se resuelve con pinturas cromáticamente reducidas que rompen con la idea anteriormente expresada de la copia de la realidad, negando su histórica capacidad de crear ilusión. En equilibrio entre estos dos posicionamientos se sitúan los grandes y contenidos lienzos de La Deesa y Cap de Lleó, este último también jugando con la idea de ausencia/presencia, en una ambivalencia buscada que tal vez nos de la respuesta que Pfaff planteaba.

One Painting, One World, en JiM Contemporani (Rambla Catalunya, 43. Barcelona) hasta el 3 de julio de 2012.

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Lo visto en Art Basel 43

Una feria de arte es probablemente el peor lugar para ver arte. Pocas son las galerías que entienden la ocasión como una oportunidad no sólo de venta sino de mostrar el trabajo desarrollado a lo largo del año o de articular algún tipo de discurso en los escasos metros cuadrados del stand. No les culpamos, no es eso lo que se espera de ellos, una feria está hecha para vender y a los que no compramos, su visita supone una oportunidad para comprender una parte determinante del sistema del arte, la del mercado, que a pesar de ser omnipresente no siempre se muestra de forma tan evidente.

Entrada a la feria. Art Basel 43, 2012. Foto: Camilayelarte

Más allá del caos, de los intereses económicos, de los pasillos hipertransitados, de las piezas escándalo que causan furor o tal vez gracias a todo ello, una feria produce el placer de la búsqueda y la selección, es un juego que agudiza los sentidos y una forma de educar nuestro criterio. Si esto es así en cualquier feria, en Art Basel la experiencia se triplica sea por la calidad de las galerías que participan, las obras expuestas e incluso el público que acude a ella. En una dimensión económica distinta a la del común de los mortales, si en algo se ha podido intuir la influencia de la crisis (por llamarla de algún modo) en esta edición, tal vez haya sido en la predominante presencia de pintura.

Vista del stand de la galería Konrad Fischer. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Fischli&Weiss y al fondo Elsworth Kelly en el stand de Matthew Marks Gallery. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Vista del stand de la galería Von Bartha. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Detalle de Niele Toroni en el stand de la galería Tschudi. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

No se viene a Art Basel a descubrir nuevos talentos sino a confirmar los que están, los que han llegado, aquellos nombres que tejen el sistema del arte con su presencia en bienales, ferias o documentas. Podría incluso considerarse un resumen de lo que ha sido el año, de las grandes muestras y también un recuerdo a los que se han ido (no por respeto a su memoria sino a su valor en el mercado). Así pues este año hemos visto más Fischli&Weiss como el de la Matthew Marks Gallery, bastante Arte Povera reivindicado este año por Germano Celant en la múltiple exposición en Italia, y muchos de los nombres que podemos ver en dOCUMENTA (13).

De Art Statements destacamos dos propuestas, la instalación de Amalia Pica en Diana Stigter, con el juego del teléfono de latas comunicadas por hilos cuyo diálogo efectivo es complicado y una serie de artefactos que se comunican por efecto de su assemblage, así como la reflexión/deconstrucción del hecho pictórico de Elodie Seguin para la galería Jocelyn Wolff.

Rothko custodiado. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Stand de la galería Paula Cooper. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Félix González-Torres en Andrea Rosen Gallery. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Vista del stand de la galería Tschudi. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

La sección general dividida en dos plantas, la primera más conservadora que la segunda,  ofrece el espectáculo de mostrar obras que necesitan agentes de seguridad, ahí estaba un Rothko custodiado por un señor con boina, o la magnífica cerámica de Lucio Fontana atentamente vigilida por una asistente de la galería. Es muy difícil seleccionar, pero de los stands que más nos gustaron destacamos el de Paula Cooper con obras de Walid Raad, Christian Marclay, Claes Oldenburg y Kelley Walker. Anne Marie Verna por el Robert Mangold en diálogo con Richard Tuttle,  la presencia de Félix González Torres en el stand de Andrea Rosen o Micheline Szwajcer por exponer a un poco habitual del mundo de las ferias como Stanley Braun. También nos ha gustado la coherencia y contención de la galería Tschudi con Carl Andre, Richard Long, Niele Toroni y Hamish Fulton. A veces el tamaño sí que importa y el dueto de Imi Knoebel y François Morellet en el stand de Von Bartha ofrecía un resultado francamente espectacular.

Vista del stand de Helga de Alvear con obra de Ettore Spalletti. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Fujiko Shiraga, McCaffrey Fine Art. Art Feature. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Vista del stand de Georges-Philippe & Nathalie Vallois. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Vista del stand de gb agency con Ryan Gander y Pratchaya Phinthong. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Apostar por exponer un único artista es una elección valiente y arriesgada, Helga de Alvear lo hace a menudo, ya lo vimos con Cristina Almeida en Frieze y aquí en Basel ha sido Ettore Spalletti el único protagonista de uno de los stands más elegantes de la feria. De entre las propuestas más jóvenes nos ha gustado, gb agency de París con una instalación de Ryan Gander y Pratchaya Phinthong (el de las abejas de la dOCUMENTA).

Vista del stand de la galería Klosterfelde con obra de Matt Mullican. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Günter Umberg. Art Unlimited. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Dominique Gonzalez-Foerster, Belle come le Jour, Art Unlimited. Art Basel 43. Foto: Camilayelarte

Art Features, la sección dedicada a un proyecto o único artista, ha ofrecido este año la oportunidad de ver obra del grupo Gutai en la galería McCaffrey Fine Art, igualmente interesante ha sido el de Georges-Philippe & Nathalie Vallois con obra de Jacques Villegle y Raymond Hains. Tras Helga de Alvear, el stand de ProjecteSD es tal vez lo más destacable de la participación española en Art Basel, con Matt Mullican como principal protagonista, con una pieza mucho más contenida y menos espectacular que la presentada por Klosterfelde, también ha apostado por Patricia Dauder y Dora García entre otros.  

A pesar de ser un reclamo por su espectacularidad Art Unlimited no ha ofrecido lo mejor de la edición de este año. A destacar la instalación de Günter Umberg, a pesar de la barrera que impedía acercarse a sus estupendas pinturas, Hanne Darboven aunque su obra no sea muy Unlimited, Art & Language y sobretodo el homenaje cinéfilo a Buñuel con guiño al Hitchcock de Vértigo de Dominique González-Foerster en Belle come le Jour.

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Con Calder

A menudo los pequeños detalles de la vida cotidiana, la rutina y el día a día que se desarrolla en un taller pueden hacernos entender mejor la obra de un artista. Los libros de testimonios que hablan de artistas ofrecen particularidades que ningún texto crítico puede alcanzar. En el caso de Daniel Lelong el placer de su relato es doble porque entró en contacto con Alexander Calder antes de convertirse en galerista, mientras ayudaba a los Maeght en los entresijos legales para la creación de su Fundación.

Lo que Lelong transmite es lo que cualquier amigo que nos quiera podría contar de nosotros. Desde la alegría que transmitía la decoración de su hogar, a base de blancos salpicados por el color de los objetos personales y los ovillos de lana de su mujer, Louisa, hasta el modo en que disfrutaba de la comida o se refería y entendía sus objetos, como a él gustaba llamar a sus obras.
Sobre hasta qué punto los museos y el sistema del arte trata de enlatar la creación artística, lo intuimos al descubrir que Calder dejaba que el público tocara sus obras y estaba en contra de repintar las mismas una vez los colores por efecto del ambiente o de las cacas de paloma habían cambiado su color original. Escribo esto tras pasarme una mañana visitando Art Basel y haberme hartado a mirar Calders sin duda alguna de un modo distinto a como lo había hecho hasta ahora, es decir, buscando en ellos los restos de caca de paloma...

Daniel Lelong, Con Calder, Ed. Elba, 2012. Precio 8,50 Llibreria Catalonia

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Links de la semana: de plagio a Wikipedia en la dOCUMENTA (13) a la expansión del Imperio Gagosian

• Una semana entera (por falta de tiempo para dedicarme) me ha llevado sacar conclusiones de mi visita a dOCUMENTA (13). De lo publicado sobre la muestra a lo largo de esta semana os recomiendo el artículo de Estrella de Diego y Adrian Searle así como la entrevista de Javier Hontoria a Carolyn Christov-Bakargiev semanas antes del inicio de documenta. Pero la noticia que ha llamado mi atención estos días es la que publica Art Fag City sobre el plagio a Wikipedia por parte de Sanja Ivekovic en su proyecto para dOCUMENTA (13). La artista está presente en la Neue-Galerie con The Disobedient (The Revolutionaries), una instalación a base de burritos de peluche que representa cada uno un personaje histórico "desobediente", como por ejemplo Walter Benjamin, Salvador Puig Antich, Victor Jara... en la pared opuesta figura la biografía de cada personaje así como una explicación de la foto tomada en Kassel durante la Segunda Guerra Mundial que justifica conceptualmente la instalación. Pues bien, parece ser que estos textos que también figuran en el pdf explicativo publicado por Ivekovic en la muy poco funcional página web de la dOCUMENTA son un copy paste directo de las entradas dedicadas a estos personajes en Wikipedia. ¿Desmerece o no desmerece esto la obra?

• Concurso público: Hasta el 22 de junio tienen los interesados para presentar el proyecto de comisariado del pabellón de Cataluña y Baleares para la próxima Bienal de Venecia de 2013. Como sabemos no se trata de un pabellón nacional como los de los jardines de la Bienal. Más información en la página del IRL.  

• De Kassel a Basel. La flor y nata que la semana pasada se encontraba en Kassel se ha trasladado a Basel para su inauguración, ahí Artribune ha intentado sacarle en vano algunas pistas sobre la Bienal de Venecia 2013  a Massimiliano Gioni su próximo comisario. Parece ser que este año el espíritu DIY ha invadido la feria más importante de arte en Europa y que muchas de las obras buscan la interactuación con el publico. Este fin de semana estaremos allí para comprobarlo.

•  Esta semana Hyperallergic ha asistido a una de las sesiones de #ARTECH sobre la conservación digital en el mundo del arte. En este post comparte lo debatido.

• La semana pasada Elena Vozmediano publicaba un post en su blog sobre las grandes galerías que adoptando el modelo de negocio a lo ZARA van abriendo sucursales y mega espacios por doquier. De entre ellos, el Rey Midas por excelencia es sin duda Larry Gagosian que va abrir próximamente su decimosegunda galería en un espacio en París bajo proyecto arquitectónico de Jean Nouvel. Poca elegancia para los tiempos de crisis que corren.

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dOCUMENTA (13), una confusión estimulante

El enigma del arte es que no sabemos qué es hasta que dejó de ser lo que fue
Carolyn Christov-Bakargiev

Si algo se le atribuye a Documenta es la capacidad de adelantarse y substraerse a modas y mercados para plantear de forma crítica por donde se moverá la creación contemporánea de los proximos años. ¿Pero es posible vislumbrar nada ante el estado de confusión reinante? Carolyn Christov-Bakargiev, directora artística de dOCUMENTA (13) y el grupo de comisarios que han trabajado en el proyecto durante estos cuatro años, con Chus Martínez a la cabeza, muestran que precisamente es desde la confusión desde donde el arte adquiere su capacidad visionaria.

Lo que nos propone dOCUMENTA es una aproximación no-lineal y no-armónica a la creación artística entendida como herramienta para ahondar en la realidad dada. Esta no linealidad está expresada tanto en los trabajos expuestos como en los espacios en los que se exhibe la muestra. dOCUMENTA (13) es una exposición expandida [;)] en la propia Kassel pero también en otras ciudades como Kabul, Alejandria/Cairo y Banff.

Ryan Gander I Need Some Meaning I Can Memorise [The Invisible Pull] en dOCUMENTA (13), 2012. Foto: Camilayelarte

Vista del espacio The Brain. dOCUMENTA (13), 2012. Foto: Camilayelarte

Los objetos de Morandi expuestos en The Brain. dOCUMENTA (13), 2012. Foto: Camilayelarte

Extremadamente sensorial y con una presencia del objeto (artístico o no) entendido como contenedor u espacio en donde entran en relación múltiples elementos como la política, la historia o el tiempo condicionando su forma, sentido y recepción. De su discurso se extrae la lectura de cuán relativo es el modo en que podemos leer el arte, que tal vez lo que ahora no se considere tal en algún momento de la historia lo será, se nos invita a desaprender un camino, a abandonar la postura antropocéntrica y dirigir la mirada desde la experiencia del objeto para comprender su poder catalizador.

Tal vez en ese intento de transformar el modo en que nos relacionamos con la obra de arte, las primeras salas del Fridericianum sorprenden al visitante que llega con ansias de consumo objetual con la ausencia física del mismo. Una corriente de aire casi imperceptible y fácilmente confundible con el aire de las puertas de la entrada recorre el vacío de las salas, es la inmaterial y genial intervención de Ryan Gander  acompañada por una carta de rechazo a la participación en la muestra de Kai Althoff  y  de la instalación  sonora de Ceal Floyer.

Anna Boghiguian, Unfinished Symphony (2012). dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Fabio Mauri. dOCUMENTA (13), 2012. Foto: Camilayelarte

A este primer acto de ausencia le sigue su contrario opuesto en el espacio que adopta el nombre de The Brain, donde se pone en escena un gabinete abigarrado de objetos y obras de arte, cuya línea de separación se intuye aquí como innecesaria. La polvera de Eva Braun, los jarrones de las naturalezas muertas de Morandi, princesas Bactrianas, las cerámicas de Cumella o manifiestos del abandono de la práctica artística en pos de la acción política. The Brain provoca sin duda desconcierto y cierto estado psicótico, como el que llevó a Lee Miller a meterse en la bañera de Hitler tras su visita a Dachau y vivir en su espacio personal, entre sus objetos.

Pero la confusión y el desconcierto son tal vez los mejores estados por los que transitar en la creación artística. Desconcierto provocado por la realidad que nos circunda, la actual y la pasada como en la obra de Anna Boghiguian, en diálogo con la sobrecogedora Life? or Theater? de Charlotte Salomon, artista alemana fallecida en Auschwitz en 1943. dOCUMENTA sorprende por poner en muestra a nombres muy poco habituales en este tipo de eventos, como las pinturas indígenas de Doreen Reid Nakamarra (perceptible la experiencia de Christov-Bakargiev como comisaria de la Bienal de Sidney).

Doreen reid Nakamarra y Warlimpirrnga Tjapaltjarri. dOCUMENTA (13), 2012. Foto: Camilayelarte

Kader Attia, The Repair From Occident to Extra-Occidental Cultures, 2012. dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Forse l’arte non è autonoma nos recuerda el poético manifiesto-felpudo de Fabio Mauri, una no autonomía y una relatividad estética expresada en  proyectos como el de Kader Attia, The Repair From Occident to Extra-Occidental Cultures sobre la reapropiación cultural expresada a través del objeto/símbolo y del sampleo del mismo como expresión de su relatividad.  La instalación de Michael Rakowitz What dust will rise? situada en el sótano, espacio que se une idealmente al concepto de la obra, ejemplifica perfectamente varios de los conceptos que transitan a lo largo de la muestra: el objeto, la historia, la destrucción y el poder simbólico de la obra de arte. El proyecto une dos destrucciones culturales, la de la biblioteca del Fridericianum durante la segunda guerra mundial y la de los Budas de Afganistán destruidos bajo el régimen talibán. Rakowitz reconstruye en mármol afgano e italiano los libros desaparecidos, crea un objeto que simboliza pero no sustituye ni reproduce a su original, mientras que en las vitrinas adyacentes se exponen los restos de los Budas así como un trozo de meteorito o restos del 11S, objetos que se destruyen y nacen con una nueva forma tras un acto traumático. A diferencia de la panfletaria Bienal de Berlín, dOCUMENTA sabe planear sobre la relación entre política y arte de forma poética y multidireccional.

Michael Rakowitz, What dust will rise?, 2012. dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Michael Rakowitz, What dust will rise?, 2012. dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Michael Rakowitz, What dust will rise?, 2012. dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Entre la política y la discontinuidad temporal se mueve el trabajo de Mario García Torres al instalar el primer mapa de Alighiero Boetti que debiera haber sido expuesto en la Documenta 5 de Harald Szeemann y que ahora 40 años más tarde recupera su originaria y nunca realizada ubicación. En un juego de alteración del pasado con el presente,  García Torres ha rastreado en el tiempo lo que queda del One Hotel en Kabul, abierto por Boetti entre 1972-1977. Have You Ever Seen The Snow? Es el ensayo visual (algo lento) de la búsqueda primero virtual y después real de este espacio.

Alighiero Boetti, Mappa, 1971. dOCUMENTA (13) 2012. Foto: Camilayelarte

También arte de contenido político pero con vertiente ecológica es lo que se muestra en el Ottoneum, el museo de las ciencias naturales de Kassel. A destacar la instalación a base de lingotes de compost de Claire Pentecost que nos hacen pensar en la posibilidad de transformar los desperdicios en moneda de cambio, así como los video-libros de Amar Kanwar sobre conflictos territoriales. Sin duda lo mejor que ofrece el Ottoneum es la Biblioteca hexagonal de Mark Dion creada para custodiar la curiosa Xiloteca Schildbach, una curiosa colección de libros tallados en madera del siglo XVIII. La intervención de Dion consiste no sólo en la arquitectura que contiene la colección sino también en la reproducción de cuatro ejemplares desaparecidos reproducidos en madera de nogal en un guiño a los árboles plantados por Joseph Beuys en las documentas 7 y 8.

Claire Pentecost, dOCUMENTA (13) 2012. Foto: Camilayelarte

Mark Dion, dOCUMENTA (13) 2012. Foto: Camilayelarte

Mark Dion, dOCUMENTA (13) 2012. Foto: Camilayelarte

De todas, la propuesta menos arriesgada es la que se muestra en el Documenta-Halle, casi exclusivamente dedicada a pintura con una dedicación absoluta a los dibujos de Gustav Metzger y la sala de máquinas de Thomas Bayrle como foco principal de atención. En referencia de nuevo al concepto de tiempo expuesto en Fridericianum y a la ciencia como campo de intersección con el arte, el proyecto de Jeronimo Voos Eternity through the stars en el planetario del Orangerie, revisa mitos y sucesos históricos a partir de la teoría de la existencia de mundos paralelos de Louis-Auguste Blanqui, a raíz de la cual Voos concluye que hechos históricos fallidos como la Comuna de París pordrían en este momento haber triunfado y estarían funcionando en otro mundo paralelo al nuestro,  dOCUMENTA (13) es política y optimista.

Thomas Bayrle, dOCUMENTA (13) 2012. Foto: Camilayelarte

Geoffrey Farmer, dOCUMENTA (13) 2012. Foto: Camilayelarte

Rosella Biscotti, The Trial, 2011-2012. Foto: Camilayelarte

Más dura con el repaso al pasado histórico es la instalación de Rosella Biscotti en la Neue Galerie, fría y contenida formalmente con la reproducción de elementos estructurales y arquitectónicos del aula Bunker del foro itálico en Roma donde tuvieron lugar los juicios a las Brigate Rosse, así como la reproducción a través de audio y performance de uno de estos juicios. Más ligera, alegre y teatral es la escultura a base de collage de Geoffrey Farmer, mejor que su intervención en Estambul, promete convertirse en una de las obras/espectáculo de la documenta. Otra de las obras ya vistas en Bienales de este año (Estambul si no me equivoco) es el Cabaret Crusades, un work in progress de Wael Shawky sobre la historia de las cruzadas vista desde el punto de vista árabe. El video con esas extrañas marionetas recrean un ambiente difícil de olvidar.

Haris Epaminonda y Danuel Gustav Cramer. dOCUMENTA (13) 2012. Foto: Camilayelarte

Lara Favaretto, Monumentary Monument IV (Kassel), 2012. Foto: Camilayelarte

De las cuatro sedes principales de Kassel en donde se desarrolla dOCUMENTA la mejor de todas (sin valorar Karlsaue park que no dio tiempo) es Hauptbahnhof, la estación de trenes todavía en funcionamiento limitado. Aunque dOCUMENTA (13) no sea una exposición de concepto o tesis curatorial como defiende Christov-Bakargiev, en las otras sedes se intuye un discurso de fondo que en Hauptbahnhof se desvanece por efecto del espacio mismo. Diseminada principalmente por los antiguos almacenes de la estación, pero también en la estación misma como en la escultura sonora de Susan Philipsz o el videowork de Janet Cardiff y George Bures Miller. El tiempo en Hauptbahnhof se detiene y toma otro ritmo suspendido con respecto al del resto de la ciudad, la visita se relantece, las obras son más exigentes. De entre lo mejor la alquímica ocupación del edificio de oficinas de Haris Epaminonda y Daniel Gustav Cramer creando una narración basada en la asociación de imágenes, escultura y objetos (de nuevo) que se desarrolla en los tres pisos del edificio. Increiblemente teatral la instalación de William Kentridge, The Refusal of Time que enlaza con las reflexiones entorno a la noción del tiempo planteadas por otras obras en muestra, así como la montaña de ruinas industriales de Lara Favaretto, una puesta en escena literal de la destrucción / reconstrucción idealmente unida a otro de los lugares protagonistas de la muestra, Afganistán, de la que tanto nos habla dOCUMENTA (13).

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Joseph Beuys. Cada hombre, un artista

Con motivo de la inauguración de la dOCUMENTA (13) esta semana he querido recuperar un libro del artista cuyo nombre va siempre asociado a Documenta, Joseph Beuys. Cada hombre, un artista es la transcripción de algunas de las sesiones que tuvieron lugar durante la Documenta 5 celebrada en 1972 y comisariada por Harald Szeemann, probablemente la edición más famosa de todas las celebradas hasta ahora. Durante los 100 días que duró Documenta, Beuys se dedicó a hablar y discutir con el público sobre cuestiones que él reivindicaba como necesarias para producir un auténtico cambio social, algo que por aquel 1972 parecía inminente y necesario. En muchos aspectos la de 1972 era una situación parecida a la nuestra. 

Recuperar el espacio de debate y diálogo que Beuys puso en marcha es lo que tal vez han tenido presentes los comisarios de la Bienal de Berlín al invitar a los Indignados y al movimiento Occupy así como dOCUMENTA (13) con la presencia del grupo AND AND AND.

En las conversaciones de Beuys se desprenden conceptos tan actuales como el de la descentralización y la autonomía, la capacidad de autogestión de los recursos y la transformación del sistema educativo en un proceso donde la libertad del individuo y la creatividad sean sus dos principales pilares. El arte constituye para Beuys el catalizador que puede hacer posible este cambio, el arte como instrumento que libera al hombre y lo convierte en dueño de su vida. En este sentido parte de lo que plantea dOCUMENTA (13) recupera esta visión del arte no como revisión del objeto artístico entendido de forma autónoma, sino como categoría de la experiencia humana que al entrar en relación con distintas disciplinas se convierte en una herramienta visionaria de profundo cambio. La de Beuys como la de dOCUMENTA (13) es una postura necesaria para enfrentarnos los retos que nos deparan.

Clara Bodenman-Ritter, Joseph Beuys. Cada hombre, un artista, La Balsa de la Medusa, 1995. Precio 11€ en La Central.

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dOCUMENTA (13), presentación, inauguración y fiesta

Mañana de frío y lluvia en Kassel. Periodistas, galeristas, coleccionistas, artistas y comisarios se reúnen en el Kongress Palais de Kassel para estar presente en la rueda de prensa del evento artístico con más prestigio del mundo del arte. Delante mío se sientan Bice Curiger, ex comisaria de la pasada edición de la Bienal de Venecia, Massimiliano Gioni, futuro comisario de la próxima edición de la Bienal de Venecia y Cecilia Alemani, comisaria de la High Line de Nueva York, ya de entrada el día promete ser  intenso para alguien que tiene un blog y no está acostumbrada a tanto glamour.

Kongress Palais Kassel, dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

A la espera de que comience la rueda de prensa. dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

La larguísima pero resuelta con gracia lectura de Carolyn Christov-Bakargiev en la rueda de prensa viene precedida por la performance de Ceal Floyer, oportuna mordida de uñas a modo de metáfora del estado de expectación en el que estamos todos. Ante la lectura de Carolyn parece que realmente dOCUMENTA (13) es un evento de lo más trascendental, algo realmente serio tal y como ella misma comenta con humor, tan serio que mientras cita a Adorno suena un tono musical que interrumpe el aire trascendental del evento, obligada pausa hasta que pasa momento tan prosaico y de vuelta a Adorno para elevarnos a las más altas esferas. Inarmónica y frenética más cercana a la confusión que a la voluntad de dar respuestas, esto es lo que plantea dOCUMENTA (13) en palabras de su comisaria. Durante la rueda de preguntas una periodista le cuestiona el exceso de protagonismo y egocentrismo a Bakargiev, glups! momento feote la verdad.

De izquierda a derecha: Cecilia Alemani, Massimiliano Gioni y Bice Curiger. dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Ronda de fotos oficiales tras la rueda de prensa y Chus Martínez sin subirse al escenario a pesar de la llamada a escena de Carolyn Christov-Bakargiev. Aprovechando el momento de vacío que se produce en la sala y en un acto de mitomanía me subo al escenario para ver la vista desde el otro lado y ponerme a imaginar qué se debe sentir ante tal responsabilidad, un poco como Eva Harrington cuando se mira al espejo con un vestido de Margo Channing en Eva al desnudo. Me gustan los escenarios vacíos, la ausencia de la audiencia y la ocupación de un espacio que sin duda no me corresponde. Como no soy periodista ni crítica de arte, sino una blogger, puedo permitirme esta clase de debilidades y sentimentalismos. El día estará lleno de ellos. Mirando hacia la audiencia imaginada de pronto aparece la otra protagonista del día, Chus Martínez, con un look muy documenta, menuda y segura de sí misma parece contenta (como para no estarlo) saluda a todo el mundo y contesta con el móvil, está acompañada por otros agentes que han ayudado a Carolyn Cristov-Bagarkiev a darle forma al discurso de la dOCUMENTA.

Ryan Gander hablando sobre su instalación en dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Chus Marínez durante la inauguración de dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Tras tanta expectación me dirijo al Museum Fridericianum, la sede principal de la dOCUMENTA. Un poco como borregos nos subimos todos al tranvía, algunos con más fortuna cogen el shuttle privado como Lawrence Weiner. En el tranvía me doy cuenta que también va Rocío de la Villa y antes de la rueda de prensa creo haberme cruzado con Javier Hontoria, es extraño ver a la gente que lees y admiras y frustrante ser tan tímida de no atreverse a expresar dicha admiración. Ya en el Fridericianum me doy cuenta de lo mucho que odio las inauguraciones, demasiada gente. No es este el post en el que comentaré lo que me ha parecido dOCUMENTA (13), es más, necesitaré otra visita más al Fridericianum para hacerme con una idea propia. Hoy estoy sobrepasada por la expectación como cuando de pequeña me llevaban al Tibidabo. 

Hans Ulrich Obrist charlando con Jens Hoffman. dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Adrian Searle en dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

De sala en sala voy intentado entender algo y alucino de tener a disposición a los artistas dispuestos a responder las preguntas que les hagas. Ahí está Ryan Gander explicando su corriente de aire, Anna Barghain todo un personaje, Claire Pentecoste, Mario García Torres, Michael Rakowitz...un no parar. Entre tanta gente reconeces a otros comisarios como Joanna Warsza de la Bienal de Berlín, Jens Hoffman de la Bienal de Estambul, Gioni y Curiger ya mencionados antes pero el momento "star" del día está por llegar. Mirando las obras de Charlotte Salomon  reconozco una voz que me suena (de youtube, claro!) y de pronto ahí está, charlando con Hoffman, el comisario de los comisarios, Hans Ulrich Obrist = momento mito, en realidad bien tonto porque la semana que viene también estará en Basel dando una conferencia y allí voy a estar yo, pero que queréis que os diga a mi estas cosas me emocionan. Lo sigo un rato a ver qué hace, cómo mira y me sorprende descubrir que esto de las inauguraciones de Documentas y Bienales son más cosa de Public Relations que de mirar arte, no nos vamos a engañar...

María de Corral saludando a Chus Martínez. dOCUMENTA (13). Foto: Camilayelarte

Carolyn Christov-Bakargiev cambia de sitio el cartel de la dOCUMENTA (13), mientras al fondo María de Corral y Chus Martínez se saludan. Foto: Camilayelarte

HUO aparte, empiezo a estar saturada, mis sentidos me dicen basta, es hora de volver a casa y procesar. A la salida del Fridericianum otra sorpresa, otro mito, llega María de Corral, está llamando por el móvil ¿a quién? pues a Chus que aparece de nuevo contenta y resplandeciente y se abraza a otra de las grandes del sistema del arte en España. A estas aparece Carolyn Christov-Bakargiev que le reclama a Chus que el cartel de la puerta no está puesto donde debe estar y mientras las comisarias españolas se abrazan, la otra la de la dOCUMENTA se pone a cargar con el cartel. En la puerta de entrada impasible se apoya otro al que también leo y me cuesta reconocer, Adrian Searle, como una fan me pongo a hacer fotos y comienzo a pensar si no debería hacerme paparazzi del arte o algo por el estilo. Este ha sido mi primer día en dOCUMENTA, de hecho mi primera dOCUMENTA. En los próximos días también me cruzaré con estos nombres y me daré cuenta de que es lo más normal en estos saraos, pero por si acaso algún día dejo de emocionarme o de reconocer que me ilusiona ver a gente que admiro, he querido escribir y compartirlo de la forma más humilde y sincera que he podido.

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