lunes, 27 de febrero de 2012

Cuando lo alternativo es la salida

Desde principios de año he dejado de leer el periódico. Me informo de lo que me interesa, selecciono lo que sé que no me va amargar el día. Tal y como nos enseñó Elvire Bonduelle en su exposición en la galería Sabrina Amrani, los periódicos se han convertido en el arma perfecta para fustigarnos, es un castigo diario al que nos sometemos para purgar nuestros pecados. A veces pienso que corro el riesgo de convertirme en aquella Mia Farrow de la Gran Depresión en La Rosa Púrpura del Cairo, que utiliza el arte (en ella era el cine) para evadirse de la realidad. ¿Evasión? No, el arte, a diferencia del cine de los años 30,  nos hace pensar y reflexionar sobre la realidad, así que no se trataría de escapismo sino de una herramienta para encontrar formas de pensar y razonar, para creer que otros mundo es posible. 

Elvire Bonduelle, Cravaches, 2011. Galería Sabrina Amrani. Cuando la prensa se transforma en una arma para el dolor. Foto: http://www.elvirebonduelle.com/fr/travaux-pour-faire-joli

Mia Farrow escapando de la realidad en "La Rosa Púrpura del Cairo". Foto:Camilayelarte desde Youtube
 
A pesar de querer esquivar las noticias que me incomodan, no hay semana que no me vea obligada a postear o tuitear alguna noticia relacionada con el cierre de espacios expositivos (Espai Zer01), la falta de presupuesto para cultura o la mala gestión de los recursos que hasta ahora teníamos (tema Canòdrom), en fin, que el látigo de una forma u otra está allí. 
Buscar en lo alternativo me parece la mejor solución para capear la avalancha de malas noticias que nos han venido (y vendrán) en materia de arte y cultura. Cuando hay necesidad se agudiza el ingenio, no habrá museos, no habrá presupuesto para cultura, pero gente con ganas e ideas no faltarán. 

Vista de la peluquería Cortacabeza de Madrid con las obras de Nicolas Villamizar. Foto: Paupacazul

Una de mis alegrías es ver lo que han hecho Paupac Azul para presentar #20Lo que escondo y #21Aeropuertos. Su trabajo, sus paupacs, son como cápsulas de sabiduría, pero no de esa que se aprende en los libros, sino de la que se gana viviendo. Su obra es poesía, es música, un híbrido extraño difícil de definir, probablemente un paupac, que también necesita de la imagen para propagar su mensaje. Me gusta que ese gusto por lo híbrido se haya extendido hacia el espacio donde presentar y exponer su trabajo. Una peluquería, Corta Cabeza en Madrid fue el lugar donde presentar sus nuevos paupacs, acompañados por los cuadros que Nicoläs Villamizar ha hecho para la ocasión. La exposición puede visitarse hasta el próximo 5 de marzo.

Vista de La Cháchara. Foto: http://lachachara.info/espacio-espai/

Que no nos extrañe, que a partir de ahora los espacios que hasta ahora han sido considerados  alternativos acaben siendo la solución a tanta escasez presupuestaria. Ejemplos no faltan, desde espacios como Espacio Menosuno y La Pieza en Madrid o  Homesession, Half House  y La Cháchara en Barcelona, en mi última visita a Milán, por ejemplo,  descubrí una lavandería, Laundry,  que crea una línea de ropa, hace jam sessions y monta exposiciones de artistas emergentes. Vamos, que lo que realmente nos puede sacar de ésta es nuestra capacidad de ser polivalentes.



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domingo, 26 de febrero de 2012

Imaginary economics



Desde este blog siempre he tratado de mostrar o de hablar de aquel arte que nos ayuda a entender la sociedad en la que vivimos, que nos descubre sus procesos. Entiendo el arte o me interesa el arte desde su vertiente más política. 
Imaginary economics de Olav Velthuis es un estudio sobre cómo el arte, desde los años sesenta (con el precedente directo de, como no, Marcel Duchamp) viene desarrollando una análisis y crítica del sistema económico. En pleno cataclismo de lo que parece ser el fin del capitalismo, el libro me parece más que oportuno por diversos motivos, por un lado porque muestra que el arte no es ese producto neoliberal prescindible que nos quieren hacer creer los poderes políticos y que justificaría los recortes que está sufriendo la cultura en tiempos de crisis, y por otro porque acerca a aquellas personas que como yo, somos un poco negadas, a entender la economía desde una vertiente distinta, creativa, a través de la obra de artistas que han tratado de mostrar sus mecanismos internos, subvirtiéndolos.
Empezando por Duchamp, como he dicho y siguiendo con los ejemplos de Warhol, Fluxus, el mail art o Piero Manzoni,  el recorrido por la obra de estos artistas acaba provocando en el lector la triste sensación de que el mercado siempre acaba siendo más inteligente que el arte y que incluso aquéllo nacido para contradecirlo acaba siendo absorbido por el mismo. Consumismo, propiedad y globalización, Imaginary economics habla de los temas que básicamente preocupan al arte contemporáneo y que ahora más que nunca dominan nuestra vida diaria.   

Olav Velthius, Imaginary economics, Johan&Levi editore, 2009. Precio 19€ en Amazon
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viernes, 24 de febrero de 2012

Links de la semana: de la expansión del MACBA a la extinción del Espai ZER01


  • La semana empezó con noticias positivas para el MACBA que va extendiendo sus tentáculos más allá del edificio ideado por Richard Meier. Descartada la posibilidad de ocupar el CCCB (menos mal) el museo tiene previsto derribar la capilla colindante al museo y proyectar un nuevo espacio expositivo para albergar la colección permanente. ¿Es realmente necesario? No tengo ni idea, pero es triste ver como peligran y desaparecen centros que han desarrollado y están desarrollando proyectos interesantes en detrimento de una aparente centralización de los poderes culturales y artísticos de Cataluña.
  •  El Museo Picasso de Barcelona ya tiene nuevo director, además con experiencia en la dirección de otro museo Picasso, el de Málaga. Bernardo Laniado-Romero será el encargado de encarrilar la deseada autonomía del museo con respecto al Ayuntamiento de Barcelona. 
  • Allende los mares, el MoMa inaugura mañana domingo la retrospectiva dedicada a Cindy Sherman. 171 obras recorrerán los mil rostros de una de las artistas más importantes de finales del siglo XX bajo el trabajo curatorial de Eva Respini. Estaremos atentos a lo que nos cuenten los bloggers de NY  

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    jueves, 23 de febrero de 2012

    "Retrospectiva", Xavier Le Roy en la Fundació Tàpies

    Patapum, pim, pam! una chica cae rodando por las escaleras que dan acceso a la sala de exposiciones de la Fundació Tàpies, primero me llevo un susto de muerte, después me doy cuenta que la chica ha caído con gracia y que se queda ahí tumbada, en el suelo como si nada. ¿Qué hacer? Cuando visitamos una exposición nuestro comportamiento y expectativas en relación a lo que vamos a encontrar están predeterminadas. El espacio, la institución, codifican la experiencia y la interlocución entre publico y obra. Qué esperar y cómo actuar están grabados en nuestro subconsciente cultural.

    Un performer de "Retrospectiva" ante la mirada no condicionada de los niños. Fundació Tàpies, 2012.  Foto: camilayelarte

    Desde los años sesenta y setenta el arte ha tratado de transformar o descodificar dicha relación, pero aún así el formato exposición tal y como lo entendemos conlleva que el público actúe como lector-receptor de la obra. Lo que nos plantea la Fundació Tàpies con la exposición "Retrospectiva" del coreógrafo Xavier Le Roy, es precisamente cuestionar la relación del público con la obra y el papel de éste en la construcción de su significado, y por extensión replantear también qué es un museo y cuál es su función.


    Lo inmóvil. "Retrospectiva", Fundació Tàpies 2012. Foto: camilayelarte
    La repetición. "Retrospectiva", Fundació Tàpies 2012. Foto: camilayelarte

    Vista de la exposición. "Retrospectiva", Fundació Tàpies 2012. Foto: camilayelarte

    Para llevar a cabo tal proyecto, Laurence Rassel, directora de la Fundación y comisaria de la exposición, ha dado un paso más en traspasar los límites que determinan si una disciplina es museable o cómo puede serlo. Una coreografía es el objeto, la obra expuesta, que prescindiendo de los elementos hiper-textuales que dirigen nuestras visitas a las exposiciones nos obliga a transformar nuestro rol en la sala de exposiciones. No esperéis encontrar las típicas vitrinas con imágenes y textos que documentan una performance o happening, sino una coreografía en sí llevada a cabo por performers cuyas intervenciones adoptan el formato de las piezas que habitualmente encontramos en un museo: lo inmóvil (una pintura), la repetición y la narración.
    La exposición, la obra, se activa y toma su razón de ser cuando entra en relación con nosotros, el público, quien sin dirección alguna nos toca ser parte narrativa de la misma. El extrañamiento, la incomodidad o incluso el miedo pueden ser las experiencias que extraigamos de la visita a la exposición, a mi personalmente me ha enfrentado a la rigidez con la que a menudo me relaciono con las obras, rompiendo las expectativas y los códigos de relación me he visto obligada a salir de mi comfort zone, olvidarme del bagaje que me permite leer una exposición y pasar a otra cosa. "Retrospectiva" depara todavía más sorpresas que sería una pena desvelar, os recomiendo que vayáis y si puede ser más de una vez, yo lo haré.




    "Retrospectiva" Xavier Le Roy en la Fundació Tàpies del 24 de febrero al 22 de abril de 2012.
    También en el Mercat de les Flors durante los meses de marzo y abril.
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    miércoles, 22 de febrero de 2012

    Lo visto en ARCO 2012

    Después de una semana  tratando de hablar de ARCO sin estar en ARCO a través de las diversas entrevistas que hemos ido publicando en el blog, hoy toca hablar de lo visto en vivo y en directo tras nuestra visita del sábado. Que quede dicho por adelantado que un día no es suficiente para ver como dios manda las propuestas de las galerías ni para valorar los stands, pero aún así trataré de comentar a grandes rasgos la impresión que me ha producido esta 31ª edición de la feria.

    Se ha comentado la austeridad, con respecto a años anteriores, de esta edición,  y es cierto que a pesar de alguna que otra instalación con ganas de provocar y de acaparar titulares, el tono general ha sido de poca ostentación. Tal vez por influencia del país invitado, cuya propuesta expositiva me ha parecido más experimental que populista, o porque sencillamente no está el panorama como para excesos, la edición de este año ha cumplido con la máxima de menos es más.

    Vista de la sección Opening, ARCO, 2012. Foto: Camilayelarte
    Marcel Dzama en el stand Galería Helga de Alvear, tal vez en sostitución a Ester Partegàs?. Foto: Camilayelarte

    De entre las iniciativas más novedosas se encontraba la del "artista destacado" de cada stand, una manera de facilitar, informar y orientar al visitante entre el caos que de por sí es una feria de arte, ahora bien, lo que estaba bien informado sobre página web no se traducía tan bien en la propuesta de cada galería. No todas optaron por señalar el artista destacado en sus cartelas y el plano de mano no incluía dicha selección, con lo cual a la práctica en muchos stands pasaba desapercibido. Aún a riesgo de equivocarme diría que incluso algún artista anunciado como "destacado" no estaba expuesto (creo que no vi a Ester Partegàs en el stand de Helga de Alvear, y sí un Marcel Dzama).

    Nathaniel Mellors en Diana Stigter. Foto: Camilayelarte

    Stand de la Galerie West. Foto: Camilayelarte
    Falke Pisano en Ellen de Bruijne. Foto: Camilayelarte


    David Maljkovic, Galeria Annet Gelink. Foto: Camilayelarte

    Gabriel Leste, Galería Fons Welter. Foto: Camilayelarte
    Las dos secciones que más me gustaron fueron Opening y Focus Países Bajos. La primera porque las propuestas neerlandesas me parecieron interesantes y en cierto sentido arriesgadas en un contexto como el de una feria. A destacar los stands de Fons Welters con la super fotografiada instalación de Gabriel Lester, Diana Stigter con el stand dedicado al inquietante Nathaniel Mellors, Galerie West con una estructura que dividía el interior del stand en dos espacios comunicados, jugando bien las cartas de un espacio superreducido, y finalmente Ellen de Bruijne mostrando el trabajo de Falke Pisano, uno de esos que requiere tiempo y reflexión, algo que escasea en las ferias, así como la interesante crítica a los Juegos Olímpicos en la obra de Lara Almárcegui.

    José Dávila, Iconic topologies, Figge Von Rosen Galerie.
    Stand de Aanant & Zoo, Berlín. Foto: Camilayelarte
    Philippe Van Synck en Galerie Tatjana Peters. Foto: Camilayelarte

    En cuanto a la sección Opening, destacaría el ambiente relajado que se percibía tal vez gracias al espacio central ocupado por la instalación de Can Altay que albergaba la librería Múltiplos, se notaba el ambientillo distendido, muchos stands ofrecían más información a mano (es decir, fotocopias) sobre los artistas representados, y no los típicos catálogos que custodian los galeristas para convencer a los coleccionistas de la compra. Los que más me gustaron fueron los stands de Aanant & Zoo, Berlín, con Luis Camnitzer y Channa Horwitz a destacar,  la Galería Tatjana Peters con obra de Philippe Van Synck (de emergente poco, pero me gusta su obra) y Julia Spinola, la Figge Von Rosen Galerie con las obras de José Dávila y Javier Téllez y la Crèvecoeur de París.


    Guillermo Mora en el stand de Formatocómodo. Foto: Camilayelarte
    Cabello/Carceller en Galería Elba Benítez. Foto: Camilayelarte
    Francesc Torres, Galería Elba Benítez. Foto: Camilayelarte
    Ester Partegàs en el stand de Nogueras Blanchard. Foto: Camilayelarte

    Bastante fría me dejaron los Solo Projects, a excepción de alguno, creo que no añadían mucha cosa. Del programa general, me gustaron las propuestas de Nogueras Blanchard con obra, ahora sí, de Ester Partegàs, y un complejo Rubén Grilo que me hubiese gustado escuchar en la Asamblea de los Países Bajos. De Elba Benítez, la instalación semi escondida de Cabello/Carceller enfrentada a Ignasi Aballí y Fernanda Fragateiro, también en este stand una serie de fotografías de un Francesc Torres de antaño infinitamente más interesante que el que vimos en septiembre en el CCCB. Hans Peter Feldman, en ProjecteSD, una Cornelia Parker presentada por Carles Taché en una versión más austera que la instalación que pudimos ver en la Frieze.

    Hans Peter Feldmann en ProjecteSD

    Antoni Muntadas en Moises Perez Albeniz
    Elena Asins, en el stand de la polémica, Galería Altxerri. Foto: Camilayelarte
    stand "indignado" de la galería Palmadotze. Foto: Camilayelarte

    Se ha visto una feria más reflexiva con obras de clásicos como Jordi Teixidor, Pello Irazu y Elena Asins. Algo de política, pero no de la falsa, con dictadores al fresco, sino de la de verdad con obras de Antoni Muntadas, o la ya mencionada crítica de Almárcegui a la especulación inmobiliaria de los juegos olímpicos, incluso se pudo ver un stand "indignado" como el de PalmaDotze. La nota de glamour la puso IvoryPress por añadir nombres del starsystem poco habituales en ARCO, como Ai WeiWei y Anish Kapoor, aunque me hubiese gustado ver algo del libro de Isidoro Valcárcel Medina.

    Stand Galería IvoryPress y Ai Wewei en primer término. Foto: Camilayelarte

    Vista del stand de Espacio Mínimo con la instalación de Erwin Olaf. Foto: Camilayelarte

    Vista del stand de Dan Galeria, Sao Paulo. Foto: Camilayelarte
    No me acabó de convencer el stand de Espacio Mínimo, después de entrevistarles, me imaginé que su proyecto de repensar la feria sería distinto, el suyo no era un gesto de vaciar el stand, sino de llenarlo con una obra por otro lado muy efectista que provocaba el agolpamiento del público para mirar por la mirilla de Olaf.  En otra liga jugaba un stand que me gustó mucho por empatía con el movimiento que mostraba, Dan Galería de Sao Paulo, puso en muestra un despliegue de obras de arte Concreto magníficas, una verdadera gozada ver el trabajo de Lygia Clark en el pequeño cuarto con catálogos, así como el resto de artistas contemporáneos de clara afinidad estética con el movimiento concreto.
    En definitivas cuentas:


    Lo mejor: Opening y Focus Países Bajos
    Lo peor: El stand de Luis Adelantado y Marlborough
    Lo más elegante: Dan Galería y el corte de pelo de Soledad Lorenzo.
    La más oportunista: Decir que vacías un stand y no hacerlo. Todo lo que sea muñecos que saltan vallas o se congelan en frigoríficos.
    Presencias inesperadas: una recuperada Àngels Ribé tras su paso por el MACBA
    Lo más glamuroso: El stand de IvoryPress (pero sin Elena Ochoa y su sombrero)




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    domingo, 19 de febrero de 2012

    ARCO 2012: Entrevista al programa First Collector de ARCO

    Este es el segundo año consecutivo que ARCO ofrece un servicio como el de First Collector, una oferta por otro lado habitual en toda feria que pretenda fomentar el coleccionismo. Arte Global es una consultoría dirigida por Elisa Hernando, cuya finalidad es la de orientar en medio de la complejidad del mercado del arte a aquéllos que deseen comprar obras de calidad para su colección. Hemos aprovechado nuestra visita a ARCO para hablar con María Cid, colaboradora de Arte Global, quién ha respondido a nuestras preguntas sobre arte y coleccionismo. 

    ¿Qué tipo de coleccionista solicita vuestro servicio?
    La verdad es que hay de todo, podemos hablar de un margen de gente que va desde los 30 años hasta parejas mayores. Es muy variado, algunos de ellos ya tienen una colección y en cambio otros acuden a nosotros porque es la primera vez que compran una obra. Nos hemos encontrado con gente que ya tiene obra de artistas muy destacados y otros que nos piden orientación porque quieren comenzar una colección. Sí que podría decirte que hay bastante gente joven interesada en comprar arte en estos momentos. 

    En el momento de asesorar, ¿cuáles son los principales criterios que se siguen?
    Es importante conocer el perfil de cada coleccionista. Lo primero que hacemos siempre es procurar conocer la línea de interés de nuestros clientes, preguntamos qué artistas consagrados les interesan para después deducir qué es lo que les puede llegar a interesar. A partir de las corrientes de interés y del presupuesto que ellos definen, elaboramos una selección con la información de lo que hay en la feria y que creemos encajan con su perfil. 
     
    El conocimiento de lo que ofrece cada galería y cómo puede encajar con el coleccionista debe ser complejo, ¿no?
    Sí, este es un servicio que requiere de un estudio previo, es por lo tanto un trabajo largo que nos lleva de dos a tres meses, ya que hay que recopilar mucha información. El hecho de que sea una selección personalizada para cada coleccionista conlleva su tiempo, es cierto que alguna vez pasa que aparece alguien solicitando una consulta inmediata, pero normalmente no es así. Para ofrecer un servicio de calidad es recomendable que los coleccionistas se pongan previamente en contacto con nosotros.

    Vista general del espacio reservado al servicio First Collector en ARCO 2012. Foto: Camilayelarte
    De entre la oferta que hay en esta edición de ARCO, personalmemnte ¿qué destacarías, qué piezas te parecen más interesantes?
    Yo recomendaría a Secundino Hernández por ejemplo, está representado por varias galerías, su obra mezcla pintura y dibujo, es un artista que ya tiene una trayectoria bastante consolidada con piezas interesantísimas. Una instalación a destacar podría ser la de Daniel Canogar en la Galería Max Estrella, dentro de la serie Caudal, que estuvo expuesta el año pasado en la Fundación Canal, es un lavabo con personajes que van brotando desde dentro. 

    ¿Que define una buena colección?
    Esta es una pregunta complicada. Normalmente la gente menciona la coherencia pero no creo que tenga que ser exactamente así. Una colección diversa que abarque todos los campos y todos los soportes puede resultar muy interesante. Evidentemente hay nombres que elevan la categoría de una colección, pero yo destacaría la diversidad y la calidad de los artistas.

    ¿Crees que ARCO se está especializando en el sector de lo emergente, tanto en lo que se refiere a coleccionismo como a oferta artística?
    Yo creo que sí, que se está haciendo un esfuerzo para convertirla en una plataforma de descubrimiento de  nuevos nombres de calidad. Al fin y al cabo, el trabajo fundamental de las galerías es ese, el de descubrir nuevos talentos, apostar por ellos y promover su obra.
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    sábado, 18 de febrero de 2012

    ARCO 2012: Entrevista a Jordi Mitjà

    En la pasada edición de Swab descubrí la obra de Jordi Mitjà (Figueres, 1970) a través de unas fotografías que parecían mostrar lo simple y poética que puede ser la realidad. Aprovechando que la Galería Raiña Lupa lo propone como artista destacado para esta nueva edición de ARCO, le hemos hecho algunas preguntas para conocer algo más su obra.

    ¿Puedes explicarnos qué obras tuyas encontraremos en el stand de la Galería Raiña Lupa donde eres artista destacado?
    Por un lado se pueden encontrar algunos de mis últimos trabajos realizados en São Paulo en formato fotográfico, como “Models of builidings (with books)”. Unas obras que parten de libros comprados en mercadillos de segunda mano que utilizo como material base para hacer una tipología de esculturas efímeras que después se registran fotográficamente y que en este caso particular están inspirados en modelos de arquitectura brasileña de autores como Oscar Niemeyer o Lina Bonardi, por citar algunos.
    También podemos encontrar una fotografía como “toCINEria”, que es el registro de una acción realizada en Terrassa. Cuando se encendían las luces de la ciudad, el letrero (que contenía la palabra “Tocineria”) se iluminaba encendiendo solo la palabra CINE.
    
    Vista de las obras de Jordi Mitjà en el stand de Raíña Lupa. ARCO 2012. Foto: Camilayelarte
    
    Hablas de la idea de Antropofagia casual para definir algunos de tus trabajos, ¿podrías explicarnos el concepto?
    Este es el título de la exposición individual que hice en la Galería Raíña Lupa, pero hace referencia a mi modus operandi. La mayoría de mis trabajos parten de ideas o objetos que ya existen y que en cierta manera incorporo o modifico. La idea de Antropofagia es también un guiño al manifiesto antropofágico brasileño.

    
    Vista de las obras de Jordi Mitjà en el stand de Raíña Lupa. ARCO 2012. Foto: Camilayelarte
    ¿Tus imágenes son realmente resultado de la casualidad, de la poética del azar o existe una construcción previa?
    La casualidad es demasiado relativa. En mi proceso incorporo o desecho constantemente. La casualidad me parecía una contradicción a la idea de apropiación. Las imágenes se construyen sobre imágenes que ya existen.

    Jordi Mitjà, 10.000 termitas para un universo a escala, 2009. Foto: Camilayelarte

    ¿Cuán importante es el lugar en tu obra?
    El lugar marca líneas de trabajo, y yo no quiero obviar esos avisos.

    ¿Qué importancia tiene un evento como ARCO para los artistas, crees que los protagonistas son otros y no tanto vosotros?
    Los protagonistas son las galerías. Arco es un termómetro del mercado y desgraciadamente para ellas, demasiado significativo para el resto del año.
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    ARCO 2012: Entrevista a PAC, Plataforma de Arte Contemporáneo

    No solo de galerías se nutre ARCO. La feria es una buena oportunidad para conocer aquellas publicaciones que nos mantienen al día en cuestiones de arte. De entre ellas, una de las más activas en cuanto a mundo twitter se refiere es @plataforma_pac. Hemos aprovechado la oportunidad para preguntarles sobre su trabajo y futuros proyectos.

    ¿Podéis explicarnos qué es PAC, cómo nace y cuál es su finalidad?
    PAC es una plataforma dedicada a la difusión y promoción del arte contemporáneo. Surge ante la falta de agrupaciones dedicadas exclusivamente a la información y apoyo del arte más actual. Nuestra labor de difusión de arte contemporáneo se centra principalmente en nuestro portal www.plataformadeartecontemporaneo.com donde se publican diariamente noticias, críticas y entrevistas. Mientras que la promoción de artistas emergentes se realiza mediante diferentes proyectos comisariados. En los dos apartados tiene gran importancia las redes sociales de PAC que mantiene a nuestros seguidores informados contantemente.

    Vuestra presencia en ARCO, ¿supone un ejemplo de cómo el sector del arte representado en las ferias es cada vez más amplio, no centrándose únicamente en galerías y artistas?
    Sin duda, los artistas y las galerías son los protagonistas de ARCOmadrid, pero existen otros agentes que tiene un papel importante dentro del Mercado del Arte y deben asistir, como es el caso de la prensa especializada. Plataforma de Arte Contemporáneo estará situada en la zona de prensa digital, en el Stand 8G00B, en el pasillo que comunica los pabellones 8 y 10. Desde esta ubicación se puede consultar nuestra web, ver nuestras publicaciones online y unirte a nosotros en facebook y twitter.

    ¿Cómo os involucráis en la promoción de la obra de artistas emergentes?
    PAC va más allá de ser un medio digital que informa de los que pasa en el arte contemporáneo, realizando y colaborando con comisariados, ferias, festivales, publicaciones, etc. Creamos proyectos específicos para diferentes eventos con la participación de artistas emergentes.

    ¿Qué os parecen las iniciativas como Paddle8 y VIP Art Fair que tratan de convertir Internet en una plataforma de consumo y compra de arte?
    Internet logra acercar y romper fronteras, también en el arte. Plataformas online de subastas, ferias, prensa, etc., ayudan a que el arte contemporáneo sea más accesible.

    ¿Qué proyectos tenéis a corto plazo?
    Vamos a seguir ampliando la información de artistas, exposición, ferias… ahora también con imágenes a través de nuestro canal YouTube. También estamos ultimando una colaboración con una galería de Madrid para realizar varios comisariados en su espacio.
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    viernes, 17 de febrero de 2012

    ARCO 2012: Entrevista a Galería Espacio Mínimo

    Si algo de positivo tiene la crisis es que empuja a replantear los códigos establecidos y asumidos por todos. Participar en una feria y vaciar el stand de obras es un gesto que señala la necesidad, al menos de algunos, de plantearse el porqué y el cómo. Con ganas de saber más, hemos entrevistado a la Galería Espacio Mínimo para que nos contará los motivos de su propuesta en ARCO.  

    Renunciar a la posibilidad de mostrar las obras in situ a un comprador potencial suena arriesgado ¿Cómo y porqué surgió la idea de crear un stand virtual en un contexto comercial como es una feria?
    La idea empezó a gestarse durante la celebración de ARCO el año pasado. Como siempre, a lo largo de la feria vamos comentando los aspectos positivos y negativos que encontramos para intentar potenciarlos o subsanarlos en las ediciones futuras. El año pasado se hizo más evidente para nosotros el riesgo que veníamos observando desde hace un tiempo de pérdida del significado inicial de las ferias de arte, que no es otro que fomentar el coleccionismo, la promoción de los artistas y propiciar contactos sociales que permitan dinamizar las transacciones para facilitar la compra-venta de obras. En muchos casos, esa función primaria en el mercado del arte es sustituida por la de ser un ero escaparate de la imagen del mercado del arte. La convicción de que una feria puede ser el mejor sitio para comprar y vender arte, pero el peor para exponerlo y contemplarlo nos llevó a intentar reflexionar sobre el auténtico papel de las galerías de arte y la deriva del significado de las ferias de arte contemporáneo y madurar esta propuesta que tiene como objetivo insistir en la formación de la mirada con respecto a las obras de arte contemporáneo y devolver a las galerías su sentido más esencial, al margen del comercial: el de ser espacios expositivos en los que mostrar proyectos artísticos específicos.
    Utilizando la feria como plataforma de difusión para la promoción, el contacto y la venta de obras de los artistas representados y la galería como espacio expositivo de esas obras, intentamos evitar la contaminación aludida y devolver a ambas, la galería y la feria -y a las obras de arte, en definitiva- su auténtico significado.

    Erwin Olaf, The Keyhole, única presencia física en el stand de ARCO, 2012.


    ¿Qué tipo de información relativa a las obras podremos encontrar en el stand?
    Fundamentalmente visual. El visitante se encontrará con cuatro pantallas gigantes que estarán proyectando imágenes de un recorrido por el stand "real" en el ANEXO de la galería en la calle Doctor Fourquet de Madrid con la información técnica de las obras expuestas. Por supuesto, los interesados tendrán de las personas a cargo del stand toda la información que requieran de dichas obras, del concepto del stand y de las motivaciones del proyecto y de como, cuando y dónde pueden visitar el ANEXO y contemplar en directo las obras de arte. También el modo de utilizar el servicio limitado de transporte gratuito desde Ifema al Anexo de la galería y viceversa que hemos programado y que podrá ser utilizado, según disponibilidad, previa consulta y reserva.

    ¿Por qué habéis seleccionado esta pieza de Erwin Olaf como única obra presente físicamente en el stand?
    Por varias razones. Por apoyar la iniciativa de la feria este año de focalizar la atención de cada galería en el trabajo de uno de sus artistas, que nos parece muy acertada, por la designación este año de Los Países Bajos como el país invitado en la Feria ya que Erwin Olaf es nuestro artista holandés al que representamos desde hace más de quince años, pero, sobretodo, porque el proyecto que presentamos, The Keyhole, una instalación formada por dos vídeos proyectados en el interior de un espacio cerrado por dos puertas, y que solo podrán verse a través del ojo de sus cerraduras, se encuadra perfectamente dentro del concepto general de nuestra propuesta.



    Erwin Olaf, The Keyhole, única presencia física en el stand de ARCO, 2012.

    Siguiendo con el discurso “virtual” que proponéis, ¿Qué os parecen iniciativas como la VIP Art Fair, celebrada en Internet hace unos días?
    Todas las iniciativas que estén encaminadas a fomentar el coleccionismo y la difusión y promoción del arte contemporáneo nos parecen positivas. Otra cosa es que consideramos que unas puedan ser más efectivas que otras.

    Dar a conocer y a entender el arte contemporáneo a un público general no es sencillo ¿cuál es vuestra estrategia como galería?
    Una galería de arte tiene un marcado carácter cultural pero  no es un centro educacional y nuestra labor no es la de educar al público en general, aunque lo hagamos en muchos casos, ya que eso tienen que hacerlo las instituciones competentes, por lo que no tenemos una estrategia al respecto más allá de realizar nuestra labor de promoción del programa de la galería y del trabajo de nuestros artistas del modo más efectivo y coherente.


    Galería Espacio Mínimo
    Cuándo: Del 15 al 19 de febrero en ARCO
    Dónde: Pabellón 10 stand 10A20
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    Links de la semana: ARCO 2012



    Hoy cambio de estrategia y en lugar de ofreceros la semana resumida en links, os resumiré las noticias más interesantes publicadas hasta hoy sobre la edición de ARCO 2012 y todo lo que se mueve a su alrededor.
    • Empecemos por las múltiples entrevistas que ha dado Carlos Urroz en los últimos días. Aunque el discurso oficial es el que es, en cada una de sus apariciones comenta algo distinto que amplía nuestro conocimiento sobre como funciona y se piensa ARCO. Hace una semana Urroz contestó a las preguntas que le hicimos los lectores de El País en una entrevista digital. Menos espontánea pero más jugosa es la que le ha hecho Paula Achiaga para el Cultural donde el director de ARCO rebela por donde van los tiros en materia de consolidar la feria. Ahora bien, si lo que os gusta es verlo en vivo y directo os recomiendo la videoentrevista que aparece en Hoyesarte.
    • El miércoles la feria se inauguró para los profesionales pero Elena Vozmediano se debió dar una vuelta durante el montaje porque el día 14 ya teníamos en su blog la propuesta de un tour virtual por la sección Opening, comisariada por Manuel Segade.
    • Las primeras reacciones ante la nueva edición no se han hecho esperar. En El País, Estrella de Diego cuestionaba la iniciativa de la Galería Espacio Mínimo de presentar el stand de la feria vacío y unos días más tarde celebraba la austeridad de la feria en esta nueva edición. Esta misma austeridad es la que menciona Nicola Mariani en su blog destacando la calidad por encima de la espectacularidad, un equilibrio difícil de mantener en una feria. También me parece recomendable el post de Ferran Barenblit, describiendo los "universos" dentro del universo que es ARCO.
    • Holanda es el país invitado de este año, The Dutch Assembly, proyecto comisariado por Latitudes en ARCO nos acerca a la situación artística y cultural de este país, pero para hacernos una idea rápida del estado de la cuestión, el artículo de Roland Groenenboom, comisario holandés, en el Cultural nos viene la mar de bien.   
    • Y por si dudábamos de que en una feria a lo que se viene es a vender, el País publica un artículo sobre los 280 principales de ARCO, los 280 coleccionistas que se pasearán por la feria para que ésta tenga su verdadero sentido de ser. Y para los que no compramos pero nos lo miramos, no está de más escuchar las sugerencias de a qué artistas hay que seguirles la pista para estar al tanto de las inversiones de futuro.



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        jueves, 16 de febrero de 2012

        ARCO 2012: Entrevista a Manuel Segade, comisario de la sección "Opening"

        Lo dice el propio Carlos Urroz, que si de algún modo puede consolidarse ARCO es a través de lo emergente. Manuel Segade ha sido el encargado este año de comisariar una de las secciones de la feria que más interés despierta. La sección Opening se consolida por segundo año consecutivo como la apuesta más firme para convertir a ARCO en una feria donde descubrir nuevos talentos. Comisario en el cGac de Santiago de Compostela y en La Casa Encendida de Madrid, en Barcelona lo conocemos, entre otras, por La Qüestió del Paradigma. Manuel Segade nos ha contado cómo ha desarrollado su trabajo.
         

         
        ¿Cuáles ha  sido las bases para la selección de las galerías?
        He mantenido –con 10 de 25 galerías que se presentarán en Opening- una solución de continuidad con respecto al proyecto de Maribel López el año pasado. Las galerías que vuelven demuestran que la sección les ha funcionado y que ARCO supuso un impulso en sus trayectorias internacionales que, invitarlas de nuevo, supone consolidar. Por otro lado, me interesé en investigar escenas emergentes europeas –como la de Europa del Este- o directamente lejanas –como los países nórdicos- para permitir al público y a los coleccionistas acercarse a contextos que no recibimos en España habitualmente.

        Hay un predominio de galerías berlinesas, ¿Berlín, continúa siendo la capital del arte emergente?
        Se producen dos situaciones interesantes en Berlín: es la ciudad con mayor cantidad de galerías jóvenes en toda Europa y, además, es una ciudad que no cuenta con una enorme mercado; eso hace que, para las galerías de su escena, las ferias sean un recurso fundamental.

        A grandes rasgos, ¿podrías destacar las líneas de trabajo del arte que se muestra en estas galerías?
        Se trata de prácticas artísticas de riesgo, nombres de artistas todavía no consolidados se mezclan con artistas que comienzan a despuntar, actitudes experimentales se encuentran con reinterpretaciones de la tradición reciente... Lo más interesante es cómo físicamente, con su estructura de plaza, Opening compone un buen contexto donde las galerías se relacionan entre ellas no sólo por lógica espacial sino por una afinidad de gusto común. Esa idea de comunidad la representa la pieza de Solo Objects Exedra Levelling Field del artista turco Can Altay: será una escultura relacional que compone el centro del patio de Opening, un espacio para estar y a la vez una librería de libros de artista –Múltiplos, de Barcelona.

        Dar a conocer y a comprender el arte contemporáneo no es fácil, ¿en tu trabajo como comisario te planteas su recepción por parte del público?
        Por supuesto. Cualquier trabajo con la representación se expone, se publica o se presenta para un tercero. Lo fundamental es entender que no se trata de un elemento informe, genérico: el público no existe; existen los públicos, diversos, heterogéneos, con niveles de implicación diferenciados. En ese trabajo lo fundamental es el estudio del contexto y saber a quién o quienes te diriges en cada momento. Ahora bien, a pesar de la importancia de los ejercicios de traducción pedagógica o mediaciones diversas, es importante no perder de vista lo que afirmas en tu pregunta: el arte contemporáneo, en general, no proporciona objetos o discursos fáciles; ese es su territorio y eso obliga a un esfuerzo extra a sus públicos. Es un planteamiento simple: para discursos directos existen otras disciplinas, como la comunicación o la publicidad.

        ¿Cómo definirías la relación entre galeristas y comisarios?
        Ambos forman parte de un sector productivo: cada uno cumple su función, de señalar o contextualizar por parte del comisario y de mostrar y vender por parte de la galería. Lo interesante de la escena del arte actual es que las metodologías de los artistas han alcanzado un nivel de complejidad que obliga a eliminar límites, barreras, distancias entre formas de trabajo que ya no se pueden adscribir a un ámbito profesional concreto y cerrado. Eso es lo que obliga continuamente a un trabajo en colectivo del que comisarios y galeristas, forman ineludiblemente, parte elemental.
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        miércoles, 15 de febrero de 2012

        ARCO 2012: Entrevista a Latitudes, comisarios de "The Dutch Assembly"

        Mariana Cánepa Luna (Montevideo, 1977) y Max Andrews (Bath, 1975) son el equipo que conforma Latitudes, una plataforma curatorial independiente con base en Barcelona que desde 2005 viene desarrollando proyectos en colaboración con artistas e instituciones. El resultado de sus investigaciones en el terreno del comisariado suele ser muy diverso, desde exposiciones a conferencias o proyectos editoriales. En esta edición de ARCO ponen a prueba su diversidad con The Dutch Assembly, un proyecto que prevé treinta horas de charlas, presentaciones, performance y lecturas que nos acercarán a la escena artística y cultural del país invitado de este año: los Países Bajos.

        ¿Podéis explicarnos cómo nació este proyecto para ARCO?
        La invitación que nos extendió el Mondriaan Fund consistía en comisariar la representación de instituciones neerlandesas en ARCOmadrid como parte del programa 'FOCUS: Países Bajos', que también engloba la participación de 14 galerías holandesas comisariado por Xander Karskens. Nuestra propuesta quería enfatizar la gran diversidad discursiva y la calidad de producción que está teniendo lugar en los Países Bajos, y sobretodo explotar la duración de la feria, así como el espacio físico que se nos ofrecía en el Pabellón 10.

        ¿Qué encontrará el público que se acerque al stand de The Dutch Assembly durante los días que dure la feria?
        En primer lugar el visitante se encontrará una estructura similar a una yurta en forma espiral realizada de madera. Aquí tendrán lugar los 30 eventos (mesas redondas, presentaciones de publicaciones, performances, entrevistas, proyecciones de films, presentaciones de artistas, una subasta, etc) que hemos organizado para los cinco días de la feria. Cada evento tendrá una hora máxima de duración y empezará a cada hora en punto, comenzando una hora después de la apertura de la feria (a las 13h) y finalizando una hora antes de concluir la feria (19h o 20h según el día).

        'The Dutch Assembly' se presentará como lugar de encuentro entre profesionales y el público que libremente quiera participar y obtener así una visión transversal de lo que artistas, comisarios, directores de museos, academias, investigadores, etc. han o están realizando en estos momentos en Holanda. Lógicamente no son tiempos de celebración en el panorama cultural holandés con los gravísimos recortes que están sufriendo y que se agravarán aún más a partir del 2013, no obstante no queremos que eso nos paralice, sino que queremos avivar el debate, pensar en qué modos de trabajo se pueden adoptar, qué sinergias se pueden crear y a dónde se encamina el futuro de la producción, exhibición y educación artística. Podéis consultar y descargar el programa aquí
        http://issuu.com/latitudes/docs/tda_programme_long

        Jasper Niens and Thijs Ewalts "Superstructure", Wood, metal, 8 x 11 x 4m. Produced at Studio Pompstraat, Rotterdam
        Production: John Colenbrander, Rick Eikmans, Daan Jansen, Jonathan den Breeijen.


        Jasper Niens destaca por crear instalaciones en espacios fierísticos que transforman el código de relación con el público. ¿Podéis comentarnos un poco cómo es el proyecto de stand que ha ideado para acoger The Dutch Assembly?
        Lo que nos interesaba del trabajo de Niens era su diálogo con el espectador y cómo piensa el espacio en el que nos movemos. Es cierto que ha realizado proyectos en ferias con su galería (por ejemplo, en Art Forum Berlin o en Nada Miami, el mismo stand era su proyecto), pero han sido sus proyectos en el espacio público y para escenografías teatrales lo que más nos interesó. Cuando le invitamos hablamos mucho sobre la tipología de espacio que ambos teníamos en mente y la necesidad de traducir la idea de asamblea, de acoger cómodamente a los invitados y al tiempo ser abierto para que el público se sintiese bienvenido a participar. En este sentido, el espacio que ha creado en colaboración con el diseñador Thiis Ewalts, invita al recogimiento al tener una forma orgánica como si se tratase del caparazón o la concha de un animal. La estructura se ha producido por partes en un estudio en Rotterdam y está hecha de maderas de lámina reforzadas de acero. El espacio de esta 'Superestructura' (así la han titulado) mide unos 10m de largo, 5m de ancho y 4m de alto.

        Jasper Niens and Thijs Ewalts "Superstructure", Wood, metal, 8 x 11 x 4m. Produced at Studio Pompstraat, Rotterdam
        Production: John Colenbrander, Rick Eikmans, Daan Jansen, Jonathan den Breeijen.


        Vuestro proyecto es ejemplo de cómo un evento destinado al mercado puede convertirse también en una plataforma de análisis crítico y de debate del propio sistema. ¿Están tomando las ferias un papel que anteriormente protagonizaban otros eventos como por ejemplo las bienales?
        ARCOmadrid siempre ha tenido un excelente programa de foros y debates muy importantes, en mi opinión ese ha sido uno de los sellos distintivos de la feria madrileña (cuando éramos estudiantes pasábamos más horas participando en estos programas que en la feria misma...). En este sentido pensamos que Carlos Urroz, director de la feria, ha querido reforzar este aspecto puesto que las ferias van más allá del comercio entre coleccionistas y galerías. La peculiaridad del proyecto que hemos organizado en esta ocasión, recae en que los 30 eventos son accesibles a todo el público (sin costes extra más allá de la entrada general a la feria) y que tendrán lugar en la misma feria (no en una sala de reuniones) y eso esperamos le de un ritmo más fluido y menos formal.

        De entre los artistas que participan en el proyecto se cuentas varios españoles que están desarrollando proyectos en los Países Bajos, ¿existe el mismo flujo a la inversa, es decir, artistas neerlandeses que vienen a España en programas de intercambio?
        Lamentablemente no puedo decir que sea así. Por supuesto, sí hay casos puntuales de intercambios, pero no se puede comparar al gran flujo de nacionalidades que ha existido en los Países Bajos. La estructura y sobretodo la diversificación del panorama cultural neerlandés de academias, centros de arte, museos, residencias, etc. han ofrecido (hasta ahora, está por ver cómo afectan los futuros recortes) una calidad de producción y exhibición admirable. La elección de los participantes españoles no es una cuestión de nacionalidad o de querer crear puentes entre los Países Bajos y España (que sí es lógicamente un criterio que hemos seguido), pues contaremos con la participación de artistas de Inglaterra o de Estados Unidos, que viven en Holanda desde hace años, como es el caso de Nathaniel Mellors o Jeremiah Day. Rubén Grilo por ejemplo, es actualmente residente de la Rijksakademie, Lara Almarcegui estudió en De Ateliers a finales de los noventa y ha residido en Holanda desde entonces, y lo mismo sucedió a Paloma Polo - acabó el programa De Ateliers en el 2009 y se ha quedado a vivir allí.

        ¿Tenéis previsto recoger y mostrar las conclusiones y aportaciones extraídas tras los cinco días que dura el proyecto?
        No, no habrá conclusiones finales. La asamblea sigue un modelo más especulativo: la idea es que los participantes presenten sus proyectos e ideas directamente al público que quiere participar, sin necesidad de llegar a un consenso final, siendo más una investigación abierta y en curso. Cada evento/invitado ha decidido qué presentar, unos hablarán directamente del programa de los centros en los que trabajan (como es el ejemplo de Leontine Coelewij, Comisaria del Stedelijk Museum Amsterdam, que presentará el proyecto de extensión que está teniendo lugar en el museo), otros han 'delegado' esa hora que ofrecemos a cada participante, a un artista que de algún modo representa su modo de trabajo (como es el caso de De Hallen en Haarlem que ha invitado al británico Rory Pilgrim a realizar una performance con un coro) y otros aprovechan la oportunidad para presentar publicaciones (Zoë Gray, comisaria del Witte de Witte Rotterdam entre 2006-11, presentará una publicación que ha co-editado y que recoge los 20 años de la institución). La idea es que cada uno se lleve la experiencia del momento y realice sus propias conclusiones a partir de la pluralidad de proyectos y perfiles que se presentarán.

        The Dutch Assembly
        Cuándo: del 15 al 19 de febrero 2012 en ARCO
        Dónde: Pabellón 10 stand G36
        Twitter: @LTTDS #NLAssembly


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        domingo, 12 de febrero de 2012

        Memòria personal. Fragment per a una autobiografia



        Hay una tipología de artista que escribe y Tàpies era uno de ellos. En la introducción de este libro, el propio artista menciona que al leer los escritos de artisas como  Gauguin y Van Gogh se había planteado que él también algún día, acabaría escribiendo algo parecido a una biografía, este algo parecido es Memoria personal 

        A diferencia de otros ensayos suyos donde se centra en la creación artística y el arte en sí, este libro nos acerca a Antoni Tàpies, a la persona detrás del personaje. Como a veces pasa con las autobiografías, su texto también es una fuente imprescindible para conocer su obra. Aún así,  a mi su lectura me ha ayudado a entender a Tàpies no tanto a nivel artístico y en su contexto internacional, sino al Tàpies comprometido con su cultura, la catalana,  a un intelectual que luchó por la libertad expresándola a través del arte. 

        Es un libro lento que recomiendo leer sin prisas, tomándolo por etapas, y que puede interesarle no sólo a quien le guste el arte sino también a aquellos que les interese la historia de Barcelona y de España en general, la historia vivida desde la óptica del artista más importante que ha dado Cataluña en el siglo XX. Su lectura es una muestra también de la formación de una personalidad a través de la lectura, de la cosntrucción del pensamiento y de la conciencia de uno mismo a través de los libros, algo que en el caso de Tàpies se traduce en la complejidad del significado de su obra.

        Antoni Tàpies, Memòria personal. Fragment per a una biografia, Fundació Tàpies, 2010. Precio: 34€
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        viernes, 10 de febrero de 2012

        Links de la semana: de Tàpies a la centralización del MACBA

        • Sin duda alguna la noticia que ha centralizado la atención de los medios de comunicación esta semana  ha sido la muerte de Antoni Tàpies. Si bien todos los medios nacionales e internacionales se han echo eco de su fallecimiento, su pérdida se ha hecho sentir de forma muy especial aquí, en Cataluña. Es difícil expresar lo que Tàpies significa para la cultura catalana, su figura simboliza no sólo el arte sino una forma de sentir y entender Cataluña. El lunes, cuando la Fundació Tàpies abrió sus puertas en gesto de duelo para que el público pudiese despedirse del artista a través de sus obras, se podía sentir un extraño sentimiento de emoción y orgullo entre la gente que deambulaba por las salas y aprovechaba para acercarse a ver sus obras. Pocos artistas han sido tan discutidos como él, pero la reacción de la gente ante su pérdida ha sido una clara demostración de hasta qué punto su figura y su obra forman parte de nuestro patrimonio cultural.
        • A mitad de semana cerraba la segunda edición de Vip Art Fair, la feria 2.0. Si bien esta edición puede presumir de haber sido un éxito de público, los resultados en la venta no han sido tan satisfactorios como cabría esperar, habrá que darle tiempo al tiempo y esperar a que los coleccionistas se habitúen a interactuar via internet.
        • Buenas noticias para el arte en Latinoamérica, Urugay celebrará su primera Bienal "El Gran sur" en Montevideo. Alfonso Hug junto con la chilena Paz Guevara y la uruguayana Patricia Bentancur serán los encargados de comisariar la Bienal que tendrá lugar entre septiembre y diciembre de 2012. 
        • Cuenta atrás para ARCO, Carlos Urroz ha concedido una entrevista a hoyesarteTV donde nos explica las novedades de esta edición y la dirección que pretende tomar la feria en los próximos años. En otra entrevista en el diario el MUNDO, Urroz se ha manifestado sobre la posible competencia que le puede salir a ARCO con el proyecto de Todolí para Barcelona: en España no hay tanto pastel para repartir.
        • Para terminar y como viene siendo habitual, nos centraremos en el tema Canòdrom, que  ha cerrado de forma vergonzosa uno de sus capítulos.  Como desconozco objetivamente las causas de lo que desde fuera parece una mala gestión de todos aquellos que tienen responsabilidades sobre el dinero que se ha invertido en un proyecto totalmente fallido, me remitiré a ofreceros los links que recogen la visión de cada uno de ellos: L'Associació d'Artistes  Visuals de Catalunya empezó la semana con una acción de protesta en el propio Canòdrom, adelantándose a lo que se intuía iba a ser la decisión de la comisión delegada del MACBA presidida por Bartomeu Marí. Efectivamente la comisión ha decidido descartar el Canòdrom y situar el proyecto en la antigua fábrica Fabra i Coats, en Sant Andreu, hecho que conlleva prescindir de la figura de director, y por lo tanto de Küng, que por fin ha podido decir la suya en un comunicado donde deja especificada la burrada de dinero que se ha malgastado con el proyecto del Canòdrom: 4.450.000,00 €, todo para nada. De todo este tinglado quien sale reforzado (no moralmente precisamente) es el MACBA que pasará a controlar el sistema institucional artístico de Barcelona. Para poder leer una voz que no sea la que se expresa desde las páginas de La Vanguardia recomiendo leer el artículo de A*desk, y esperando a que Elena Vozmediano analice con imparcialidad la gravedad el asunto os animo a repasar lo que comentó sobre el ambiente que se respiraba en la entrega de los GAC la semana pasada.
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